Made available in DSpace on 2014-08-20T13:48:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sandra_Correa_Vieira_Dissertacao.pdf: 20227489 bytes, checksum: af5abfb45f57976e1bbab94c791e0d2a (MD5) Previous issue date: 2010-07-08 / Cette dissertation a comme thématique l´enseignement des Arts Visuels dans l´éducation formelle en remarquant comment les élèves donnent du sens aux expériences vécues dans cette discipline du curriculum. Les procédures adoptées au développement de la recherche ont été inspirées de la cartographie et ont utilisées l´écriture des propres élèves à propos de l´Art et de son enseignement et une prise de photographies faite par les élèves eux-mêmes. Le travail analytique a utilisé quelques études du champ de la philosophie de la Différence en ayant comme catégories les notions de curriculum et de l´expérience à partir de cette perspective. À l´aide des procédures, la recherche a pu être développée avec une classe de huitième, le soir, dans l´ambiance de travail de la rechercheuse. Parmi les résultats de la recherche, on discute la place de l´art au sein d´une éducation dont les objectifs sont instrumentaux et utilitaires. On discute aussi le temps concernant à la discipline au curriculum des écoles. On a remarqué que les élèves possèdent dans leur quotidien des expériences artistiques qui ne sont pas considerées dans le curriculum des écoles / Esta dissertação tem como temática o ensino de Artes Visuais na educação formal, privilegiando os sentidos que os alunos dão às experiências vividas nesta disciplina do currículo. Os procedimentos adotados no desenvolvimento da pesquisa tiveram inspiração na cartografia, utilizando-se das escritas dos alunos sobre a arte e seu ensino, e de uma prática fotográfica realizada por eles. O trabalho analítico utilizou-se de alguns estudos do campo da filosofia da Diferença, tendo como categorias as noções de currículo e experiência a partir dessa perspectiva. A investigação foi desenvolvida no próprio ambiente de trabalho da pesquisadora, com uma turma de 8ª série do turno da noite de uma escola pública municipal da cidade de Pelotas. Entre os resultados da pesquisa, discute-se o lugar da arte em uma educação com fins instrumentais e utilitaristas, e a interferência do tempo disciplinar na experiência que os estudantes têm com a arte no currículo escolar. Obsersou-se que os alunos têm no seu cotidiano experiências com a arte que não são considerados dentro do currículo escolar.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The present research presents the subjectification processes which arise from the self-biographic narrative of a visual arts teacher. Based on Hernández and Rifà (2011)‟s referential, I have tried not to talk about me‟ but to talk from myself‟ in order to produce narratives which involve incompleteness and a provisory nature, because they are always open to new connections, perceptions and inventions. Thus, the narratives that constitute the research are not understood as visual arts teachers‟ descriptions with a confession nature or with the intention of clarifying who we really are in relation to teaching. It is not about discovering, apprehending the totality, but it is about gathering what we have already heard, read, and said about this context, aiming at keeping making ourselves‟. The authors Foucault, Deleuze, Guattari and Rolnik led me through a distant way of the idea of universal features in human existence, by pointing to a constant production of the profession, full of fixed lines and representational in several moments, but that also consists of unstable lines and is open to new courses. / Esta pesquisa apresenta os processos de subjetivação que emergem da narrativa autobiográfica de uma professora de artes visuais. A partir do referencial de Hernández e Rifà (2011), experimentei falar não de mim, mas a partir de mim, de modo a produzir narrativas que compreendem a incompletude e o caráter provisório, pois estão sempre abertas a novas conexões, percepções e invenções. Desta forma, as narrativas que constituem a pesquisa não são entendidas como descrições dos professores de artes visuais, com um caráter de confissão ou com a intenção de esclarecer quem realmente somos na docência. Trata-se não de descobrir, apreender a totalidade, mas de reunir o que já ouvimos, lemos e dissemos sobre este contexto no intuito de seguirmos nos fazendo. Os autores Foucault, Deleuze, Guattari e Rolnik impulsionaram-me para um caminho distante da ideia de características universais na existência humana, apontando para uma produção constante da profissão, abarrotada de linhas fixas, e em muitos momentos representacionais, mas que também se compõe com linhas inconstantes e abertas a novos percursos.

This research was developed in the Education Research and Arts Programme of Postgraduate Education field at the Federal University of Santa Maria/RS, with the main objective of analyzing how the Social Representations of Arts Professor in high school teaching are related to the construction of the student s artistic knowledge. The survey was developed in six high schools in the Santa Maria - three public schools and three private ones. The collected data were characterized by semi structured interviews that were analyzed in accordance with the ideas of BARDIN (1979), like content analysis. Intending to discuss and analyzing the present conflicts in the relation teaching/learning, the research was conducted through qualitative approach, with exploratory character, using the Social Representations Theory proposed by MOSCOVICI, (1978 and 2003) and complemented by authors such as JODELET, (1984 and 2001); GUARESCHI & JOVCHELOVITCH, (1995); WOOD, ( 2000); SÁ, (1998); SPINK, (1995), among others, and in the fields of art and education, subsidized by theorists who work with different approaches regarding the construction of knowledge in visual arts, such as BARBOSA, (1998, 2002 and 2005); HERNÁNDEZ, (1998, 2000, 2005 and 2007); PILLAR, (2001); SANCHO, (2006), among other authors. Thus, through the reports of the interviews we found that the representations attributed to a Visual Arts professor, by himself/herself and by his/her students, present some differences and convey stereotyped aspects in their constitution. The Social Representations and their ability to influence the relations of learning have become evident by the teaching action contextualization ruled by criteria and social models, valorative issues and powers of acquisition. / A presente investigação foi desenvolvida na Linha de Pesquisa em Educação e Artes do Programa de Pós-Graduação em Educação da Universidade Federal de Santa Maria/RS, tendo como objetivo principal analisar como se configuram as Representações Sociais do Professor de Artes Visuais no Ensino Médio e sua relação com a construção do conhecimento artístico do aluno. A pesquisa foi desenvolvida em seis escolas de Ensino Médio de Santa Maria três escolas públicas e três privadas. Os dados coletados caracterizaram-se por entrevistas semi-estruturadas que foram analisadas de acordo com as idéias de BARDIN (1979), como a Análise de Conteúdo.Tendo em vista discutir e analisar os conflitos existentes na relação ensino/aprendizagem, a investigação foi realizada através da abordagem qualitativa, com caráter exploratório, utilizando-se da teoria das Representações Sociais proposta por MOSCOVICI, (1978 e 2003) e complementada por autores como JODELET, (1984 e 2001); GUARESCHI & JOVCHELOVITCH, (1995); MADEIRA, (2000); SÁ, (1998); SPINK, (1995); dentre outros; e, no campo da Arte e da Educação, subsidiada por teóricos que trabalham com diferentes enfoques no que diz respeito à construção do conhecimento em Artes Visuais, tais como HERNÁNDEZ, (1998, 2000, 2005 e 2007); PILLAR, (2001); SANCHO, (2006); dentre outros autores. Assim sendo, através dos relatos das entrevistas constatamos que as representações atribuídas ao professor de Artes Visuais, por ele mesmo e por seus alunos, apresentam algumas divergências e compreendem aspectos estereotipados em sua constituição. As Representações Sociais e sua capacidade de influência nas relações de aprendizagem tornaram-se evidentes pela contextualização da ação docente regidos por critérios e modelos sociais, questões valorativas e de poderes de aquisição dos saberes.

The present research is part of the line of Research Education and Arts of the Pos Graduation Program in Education. The objective of this study is to reflect Art theory practice, and the Continued Formation of teachers of Secondary School, having present the educative processuality in the teaching of Visual Arts face to Digital Technologies. The interest for the subject appeared through the perception of the inexistence of a work in Art and the Digital Technologies, explicit requirement of the contemporary education. In the search of a better agreement and understanding of the questions that involve the subject, the theoretical basis was marked out with the thought of Pierre Lévy (1993 and 1996), Diana Domingues (2003), Edmond Couchot (1998 and 2003), Luiz Paulo Leopoldo Mercado (1999), Suzete Venturelli (2004), Maria Beatriz de Medeiros (2005), Tânia Esperon Maria Porto (2003), Ana Luiza Ruschel Nunes (2004), Ana Mae Barbosa (2002), Lucimar Bello Frange (2002), Lucia Santaella (2002), and others mentioned in the body of the dissertation. The approach of the research is qualitative through a study of case. The instruments of data collection consisted of questionnaire and half-structuralized intervenes of the participant observation of the daily field, the documentary analysis, the portfolio and the practice of the digital technologies, forming a data set of which significant and rewarding information had emerged. The research was developed at the State School of Basic Education Margarida Lopes , at Gonçalves Ledo street number 565 Camobi Santa Maria/RS . They had been part of the same research, two teachers of Visual Arts, attend in this Light School. The importance of the update of a continuous formation was the object of the investigation with the citizens, therefore as a mediating agent of the contemporary educational process involved in a permanent process of participative investigation, reflexive and contextualized in Art Education. Through the reflection of the teaching of Art and the continued formation, specified in this case by means of digital technologies, it is possible to (re)concept, contextualizing subjects, methods and methodology face educative practices. Being in possession of the collected data we made the analysis with crossing information that made possible beyond some interpretations, mainly the motivation of a reflexive practice and the incorporation of the continued formation process to the Visual Arts teachers. Though out the research we perceived that the Visual Arts knowledge, in the contemporary context in the researched School has been worked by descontextualized form, stagnated in Modern Art. In this way we can infer that the reflections process inexisted by the misinformation of the knout edges of the Art and its history, therefore by the lack of the process of continued formation. The lack of this process and the search of actualization were tenuous occurring in the frequency in no specific courses and some readings. We conclude that the use of digital technology in the teaching of Art didn t happen. We infer that the way for new and possible changes of the teacher s look to their professional performance in the Visual Arts teaching is without doubt the search for continued formation realignmenting to new perspectives face Visual Arts and digital technology. We also infer that Educative Visual Arts practice were permanently developed in the shared process, having present the reflection in the action on the action and on the reflection from the teachers and the School s context giving the visibility to formative process in the perspective of the teaching of contemporary Art plugging to Digital Art and claiming others possibilities of presupposed and a process of creation in the continued formation of teachers. / A presente pesquisa faz parte da Linha de Pesquisa Educação e Artes, do programa de Pós-Graduação em Educação.O objetivo deste estudo é refletir teorias e práticas da Arte e a Formação Continuada de Professores do Ensino Médio, tendo presente a processualidade educativa no Ensino de Artes Visuais frente às Tecnologias Digitais. O interesse pelo tema surgiu através da percepção da inexistência de um trabalho em Arte e as Tecnologias Digitais, exigência explícita da educação contemporânea. Na busca de um melhor entendimento e compreensão das questões que envolvem o tema, o fundamento teórico foi balizado no pensamento de Pierre Lévy (1993 e 1996), Diana Domingues (2003), Edmond Couchot (1998 e 2003), Luiz Paulo Leopoldo Mercado (1999), Suzete Venturelli (2004), Maria Beatriz de Medeiros (2005), Tânia Maria Esperon Porto (2003), Ana Luiza Ruschel Nunes (2004), Ana Mae Barbosa (2002), Lucimar Bello Frange (2002), Lucia Santaella (2002), e outros mencionados no corpo da dissertação. A abordagem da pesquisa é qualitativa, através de um Estudo de Caso. Os instrumentos de coleta de dados constituíram-se do questionário e entrevistas semi-estruturadas, da observação participante, do diário de campo, da análise documental, do portfólio e da prática com as tecnologias digitais, formando um conjunto de dados emergindo informações pertinentes a pesquisa. O espaço da pesquisa foi a Escola Estadual de Educação Básica Professora Margarida Lopes, localizada à Rua Gonçalves Ledo, 565, bairro Camobi, na cidade de Santa Maria/RS. Fizeram parte da mesma, duas professoras de Artes Visuais, atuantes no Ensino Médio da Escola. A importância da atualização, de uma formação contínua foi o objeto da investigação com os sujeitos, pois como profissionais mediadores do processo educacional contemporâneo envolvidos em um processo permanente de investigação participativa, reflexiva e contextualizada da arte-educação. Através da reflexão sobre o ensino da arte e da formação continuada, especificada nesse caso, por meio das tecnologias digitais, é possível (re)conceituar, contextualizando conteúdos, métodos e metodologia, frente às práticas educativas. De posse dos dados coletados, realizou-se a análise com o cruzamento das informações que possibilitaram, além de algumas interpretações, principalmente a motivação a uma prática reflexiva e a incorporação no processo de formação continuada para os professores de Artes Visuais. Ao longo da pesquisa percebeu-se que os conhecimentos de Arte Visuais, no contexto contemporâneo da escola pesquisada, vêm sendo trabalhados de forma descontextualizada, estagnados na Arte Moderna. Neste sentido, pode-se inferir que o processo de reflexão inexistia pelo desconhecimento dos saberes da Arte e sua História, portanto, pela falta de processos de formação continuada. A falta destes processos e a busca de atualização eram tênues, ocorrendo na freqüência em cursos, não específicos, e algumas leituras. Conclui-se que a utilização de tecnologia digital no ensino da arte não acontecia. Infere-se que o caminho para novos e possíveis mudanças do olhar do professor para sua atuação profissional no Ensino de Artes Visuais é sem dúvida a busca da Formação Continuada, realimentando para novas perspectivas frente às Artes Visuais e a Tecnologias Digitais. Infere-se também que as práticas educativas em Artes Visuais foi permanentemente desenvolvidas no processo compartilhado, tendo presente a reflexão na ação, sobre a ação e sobre a reflexão na ação, a partir do contexto dos professores e da escola, dando visibilidade a processos formativos na perspectiva do Ensino da Arte contemporânea conectando a arte digital, e exigindo outras possibilidades de pressupostos e processos de criação na Formação Continuada de professores.

Esta dissertação busca identificar os referentes a partir dos quais o jornalista Aldo Obino (1913-2007) registrou o desenvolvimento do sistema das artes visuais de Porto Alegre, na década de 1950. A pesquisa parte dos pressupostos de que o jornalismo, a partir dos valores próprios do seu campo, constrói perspectivas do circuito artístico em épocas e lugares determinados; empresta visibilidade a certos espaços, agentes eventos e ideias; e orienta os leitores em relação à movimentação do circuito de cultura de seu território. Obino atuou na imprensa por aproximadamente 60 anos, produzindo relatos sobre a cena cultural do Rio Grande do Sul a partir do Correio do Povo, jornal em que assinava a coluna diária Notas de Arte, objeto empírico deste estudo. Para nos aproximarmos da trajetória e do legado do autor, recorremos ao seu arquivo pessoal, cedido por sua família. Utilizamos o método da análise de conteúdo e adotamos um corpus de 314 textos, que corresponde às colunas publicadas entre 1950 e 1959 que abordam temas ligados às artes visuais. A análise objetivou determinar os espaços, os sujeitos, os fatos e os valores estéticos e ideológicos que emergem da coluna, de forma a vislumbrar o mapa do sistema de artes visuais nela proposto. Observamos a centralidade de Porto Alegre como lugar mais recorrentemente mencionado, o que evidencia a importância do parâmetro da proximidade, típico do jornalismo, na estruturação desse conjunto de textos. Constatamos que os artistas, como sujeitos-criadores, foram os protagonistas das ações abordadas na coluna, o que aponta para a existência de um processo de personalização através do qual Obino participa da construção da notoriedade de agentes. Os eventos, como exposições e salões de arte, foram identificados como referência central enquanto pautas catalisadoras do atributo de atualidade nas Notas de Arte, inclusive em forma de morte e efeméride. Na abordagem de certas tendências e debates, notamos, por parte do colunista, a corroboração de alguns valores então hegemônicos no sistema artístico e também o elogio da renovação e do intercâmbio nesse meio. Dessa forma, verificamos um grau de ambiguidade em termos de posicionamento. No mais, vimos que Obino se vincula a um estilo impressionista de crítica de arte, utiliza um tom de intimidade para se aproximar do leitor e tematiza o desenvolvimento do circuito das artes em conexão com o crescimento da cidade. O seu registro se associa fortemente ao território, de forma que a capital gaúcha é presença constante, apresentando-se como cenário ou como personagem dos seus relatos. / This essay intends to identify the referents from which the journalist Aldo Obino (1913-2007), registered the development of Porto Alegre visual arts system held during the decade of 1950. The research makes certain assumptions given that the journalism, starting from its own field values, builds perspectives of the artistic circuit in determined places and times; it lends visibility to certain places, agents events and ideas; and orientates the readers regarding the movement of its territory circuit of culture. For approximately 60 years, Obino acted in the press, producing reports on the cultural scene of Rio Grande do Sul for Correio do Povo, the local newspaper in which he signed the daily column Notas de Arte, empirical object of this research. In order to approach Obino’s trajectory and legacy, we draw upon his personal archive, provided by his family. It was used the method of content analysis and a sample of 314 texts was adopted. This material corresponds to the columns published between 1950 and 1959 that discuss issues pertaining to visual arts. The analysis aimed to determine the spaces, the subjects, the facts and the aesthetic and ideological values that emerge from his column, to envision the proposed map of visual arts system. We observed the centrality of Porto Alegre as more recurrently mentioned place, which highlights the importance of the proximity parameter, characteristic of journalism, in the structuring of this set of texts. We noticed that the artists, as subject-creators, were the protagonists of the actions addressed in the column, which points to the existence of a customization process through which Obino participates of agent’s notoriety construction. The events, such as exhibitions and halls of art, were identified as points reference while catalytic guidelines of actuality attribute in Notas de Arte even in the form of death and ephemerid. In certain trends and debates approach, we perceived on the part of the columnist, some hegemonic values confirmation in the artistic system, and also the compliment of renovation and exchange in this environment. Therefore, we checked some ambiguity on positioning. We also visualized that Obino is linked to an impressionist style of art criticism; he uses an intimacy tone to bring close the reader and thematises the development of the arts circuit in connection with the growth of the city. His trademark is strongly associated to the territory, in such a way that the capital from Rio Grande do Sul is an on-going presence, performing itself as scenery or as a character of his chronicles.

[pt] A tese apresenta uma série de 32 andamentos relativos ao tema do esquecimento. Sua premissa aposta em um modo de esquecimento que não apaga totalmente o objeto esquecido. Assim, não se faria em oposição à memória ao produzir uma escrita - a escrita do esquecimento. Este trabalho, portanto, desenha as possibilidades desta escrita através de trinta e dois blocos (bocados) que funcionam como andamentos musicais. A ideia dos andamentos visa aproximar os traços do esquecimento de uma escuta, o texto da oralidade e as palavras de seu som. Os textos variam em seu ritmo e tamanho e compõe um modo críticoficcional de pensar o esquecimento que foi elaborado durante os quatro anos desta pesquisa. / [en] This thesis presents a series of 32 paces related to the theme of oblivion. Its premise focuses on a type of oblivion that does not entirely erase the forgotten object. Thus, it would not oppose memory upon producing a piece of writing - the oblivion writing. This work, therefore, traces the possibilities of such writing throughout thirty twon blocks (bits) which function as musical paces. The idea of paces aims to bring the traces of oblivion closer to the act of listening, a text closer to the oral communication and the words closer to their sounds. The texts vary in their rhythms and sizes and make up a critical-fictional way of thinking of oblivion that was elaborated during the four years of this research.

[pt] A pesquisa investiga as relações entre percurso, escrita e entropologia presentes na obra do artista visual norte-americano Robert Smithson. Considerando sua proposição de entropia, que postula o desgaste inevitável da matéria e a busca de suas evidências in situ, o corpus do estudo será constituído especialmente por dois trabalhos de texto e fotografias produzidos em movimento: A tour of the monuments of Passaic (1967), em que Smithson visita o subúrbio de Nova Iorque onde cresceu rodeado por terrenos em construção em torno do conceito de non-site como ruína ao reverso; e Mirror displacements in the Yucatán (1969), quando o artista visita o território mexicano, posiciona espelhos na floresta tropical e estabelece um diálogo especulativo com as divindades maias e astecas. Em ambos, o artista sai em busca de sinais de ruína, acúmulo e desgaste na paisagem, em um exercício de entropologia – isto é, uma abordagem artística dos efeitos da entropia na paisagem e na cultura, um desdobramento da prática proposta por Claude Lévi-Strauss no final de Tristes Trópicos e levada à cabo por Smithson através de suas obras em deslocamento. Com olhar atento às camadas de produção textual do artista, a pesquisa examina, de maneira especulativa, as anotações de Smithson sobre a construção conceitual do non-site e como ele pode ser constituído através de uma escrita desdobrada em mapas, cartografias e rascunhos que acompanham seus textos, propondo uma leitura atualizada de determinadas questões estéticas e políticas levantadas pelo artista nos anos 60, tais como o enantiomorfismo, a cristalografia, a cultura como acúmulo e desgaste e o pensamento científico como ficção. / [en] The research investigates the connections between travelling, writing, and entropy present in the work of the American visual artist Robert Smithson. Considering his proposition of entropy, which posits the inevitable wasting away of matter and the search for its evidence in situ, the corpus of the study will consist especially of two works of text and photographs produced in movement: A tour of the monuments of Passaic (1967), in which Smithson visits the New York suburb where he grew up surrounded by building sites revolving around the concept of non-site as ruin in reverse; and Mirror displacements in the Yucatán (1969), when the artist visits the Mexican territory, places mirrors in the rainforest and establishes a speculative dialogue with Mayan and Aztec deities. In both, the artist travels in search of signs of ruin, accumulation, and decay in the landscape, in an active exercise of entropology - that is, an artistic approach to the effects of entropy on landscape and culture, a development of the practice proposed by Claude Lévi-Strauss at the end of A World on the Wane and carried on by Smithson through his works in displacement. With an attentive eye on the layers of the artist s textual production, the research examines, in a speculative way, Smithson s notes on the conceptual construction of the non-site and how it can be constituted through an unfolded writing in maps, cartographies, and drafts that accompany his texts, proposing an updated reading of certain aesthetic and political issues raised by the artist in the 1960s, such as enantiomorphism, crystallography, culture as accumulation and decay, and scientific thought as fiction.

[pt] A presente tese procura desvelar na filosofia de Martin Heidegger a questão da representação nas artes visuais. O pensamento acerca da arte em Heidegger se desvincula da estética, visto que ele se distancia de qualquer maneira de lidar com a arte enquanto objeto de apreciação subjetiva do ser humano. Assim, apresento uma exposição da crítica da metafísica e do pensamento da representação empreendidas pelo filósofo, principalmente nos domínios da arte. Com este propósito investigo a própria obra de arte, retomando e desenvolvendo questões fundamentais no pensamento heideggeriano, como o conceito de ser e de verdade. No ensaio A Origem da Obra de Arte, a concepção de verdade surge como abertura originária e desvelamento e a arte é pensada como formadora e transformadora de mundo. A história da arte é compreendida então como uma história de descontinuidade, na qual cada mudança é uma ruptura, um espaçamento que faz origem, que abre um novo mundo. Assim é próprio da arte desvelar a verdade de uma época histórica. O passo seguinte é dado ao abordar o escrito Sobre a Sistina, em que Heidegger traz importantes elementos para a reflexão sobre a arte e a crítica da estética. Por fim, remeto-me aos escritos em que Heidegger trata da questão da escultura e de sua relação com o espaço: Observações sobre Arte - Escultura - Espaço e A Arte e o Espaço. Aqui investigo as noções de espaço e lugar na obra do filósofo e o modo que elas dialogam com as obras dos escultores Eduardo Chillida e Benhard Heiliger. Em um último esforço, reflito sobre como a arte possibilitaria um pensamento não representativo. Na arte temos espaço para um novo tipo de pensamento, não mais ordenador e calculante, mas poético, do permanente devir do ser que faz parte da sua essência originária. Em suma, procura-se neste estudo articular o pensamento heideggeriano com uma análise orientada pelas artes visuais aprofundando a questão da representação e da crítica à metafísica. / [en] This thesis seeks to reveal, in Martin Heidegger s philosophy, the issue of representation in the visual arts. Thinking about art in Heidegger departs from the aesthetic, since he distances himself of any form of dealing with art as an object of subjective appreciation of the human being. Thus, I present a critique of the metaphysics and the thought of representation undertaken by the philosopher, mainly in the fields of art. For this purpose I investigate the work of art itself, resuming and developing fundamental issues in Heidegger s thought, as the concept of being and of truth. In the essay The Origin of the Work of Art, the conception of truth emerges as an original opening and unveiling, and art is thought as creating and transforming the world. The history of art is then understood as the history of discontinuity, in which each change is a breach, a gap that originates a new world. Therefore the art typically reveals the truth of a historical era. The next step is taken by addressing the writing About Sistine, where Heidegger brings important elements for reflection on criticism and aesthetics. Finally, I refer to the writings in which Heidegger comes to the subject of sculpture and its relationship to space: Observations on Art - Sculpture - Space and The Art and Space. Here I investigate the concepts of space and place in the work of the philosopher, and the way they relate with the works of sculptors Eduardo Chillida and Benhard Heiliger. In one last attempt, I reflect on how art would allow an unrepresentative thought. In art there is space for a new kind of thinking, not orderly and systematic anymore, but poetic, from the continuous transformation of the being that belongs to its original essence. In summary, this study seeks to articulate Heidegger s thought with an analysis guided by the visual arts, getting more in depth in the matters of representation and metaphysics critique.

Este trabalho é o resultado de uma pesquisa envolvendo estudos, reflexões e experimentações poéticas que buscam problematizar a percepção visual sobre a representação bidimensional e sobre a realidade cotidiana - o conjunto aqui apresentado reúne textos reflexivos, imagens produzidas (desenhos, pinturas e gravuras) e anotações sobre o processo. Num primeiro momento, ele centra na exploração das possibilidades em torno da construção de um efeito flutuante na visualidade imagética, tentando tensionar os modos de apreender a representação bidimensional. Num segundo momento, ele acrescenta a seu quadro de reflexões uma indagação sobre a experiência visual na realidade cotidiana, mais especificamente no deslocamento diário pela cidade de São Paulo, e tenta abordar a paisagem urbana pela perspectiva da representação flutuante. Como um meio de aprofundar certas questões que permeiam o processo poético, são apresentadas três reflexões independentes sobre temas distintos: 1. a espacialidade na tradição pictórica sino-japonesa do Suibokuga; 2. a relação entre cor e linguagem na pintura de Mark Rothko; e 3. possibilidades de se orientar visualmente pela cidade de São Paulo a partir da referência a algumas características básicas compreendidas nas construções espaciais da cultura japonesa. Esses textos tem como objetivo complementar as imagens produzidas, tentando mapear o conjunto de inquietações que impulsionaram o seu desenvolvimento. / The present work is the result of a process involving studies, reflections and poetic experiments which seek to approach the visual perception of the two-dimensional representation and the everyday reality - the contents presented here gather together reflexive texts, produced images (drawings, paintings and engravings) and notes on the process. At first, the process focused on the exploration of possibilities surrounding the construction of a floating effect on visual imagery, attempting to generate discomfort and doubts on the ways of visually apprehending the two-dimensional representation. Secondly, it adds to its set of reflections an inquiry about the visual experience in everyday reality, specially in the daily routine in the city of São Paulo, and attempts to approach the urban landscape from the perspective of the floating representation. As a mean to develop certain issues that permeate the poetic process, three independent reflexive texts about distinctive themes are here presented: 1. one about spatiality in Sino-Japanese pictorial tradition of Suibokuga; 2. one about the relationship between color and language in Mark Rothko\'s paintings; and 3. one about possibilities for one to visually guide himself through the city of São Paulo from the point of view of some basic features inherent to spatial constructions of Japanese culture. These texts have the objective to supplement the images produced along the poetic process, in an attempt of mapping the set of concerns which drove its development.

A tese propõe um percurso interpretativo pelo trabalho do escritor e artista visual Nuno Ramos (1960), abordando suas vertentes literária, plástica e ensaística. Seu foco principal incide sobre os diferentes modos de agenciamento da linguagem, no interior das práticas de escrita do artista e, sobretudo, no que diz respeito à produção de relações entre essa esfera e um campo expandido das artes visuais, que identifica no cerne de movimentos decisivos da poética do artista. Para tanto, articula seu movimento em torno do operador conceitual voz, delineado a partir de aportes provenientes de certas teorias da enunciação e da poesia, da psicanálise principalmente de extração lacaniana e de certa filosofia contemporânea, buscando, ainda, desenvolver algumas de suas consequências éticas, políticas e ontológicas, sempre em diálogo com o problema da subjetivação. As três primeiras partes da tese partem de uma organização básica de teor cronológico, bem como da discussão de trabalhos fundamentais para o recorte proposto, sempre buscando expandir as análises na direção das múltiplas frentes de investigação do artista e de aproximações e distanciamentos estruturais e históricos entre os campos literário e plástico e entre essa poética e seus outros. O corpus de base é composto pelos livros Cujo (1993), Ó (2008) e Sermões (2015) e, no domínio das artes visuais, 111 (1992), Vai, vai (2006) e Ensaio sobre a dádiva (2014/2016). Finalmente, na quarta parte da tese, essas discussões são ampliadas em contato com a sondagem de incursões do artista pelo âmbito do ensaio, sobretudo no que toca ao registro das interpretações do Brasil, e, desdobrando essa linha a partir da atividade do artista como letrista, pelo universo da canção. / The thesis proposes an interpretative trajectory through the work of the writer and visual artist Nuno Ramos (1960), approaching its literary and plastic realms, as well as the artists activity as essay-writer. It focuses, first of all, on the different modes of conception of language, regarding the artists writing practices and, most of all, the production of relations between this domain and an expanded field of the visual arts, identified in the core of a major part of Ramoss poetics. For doing so, its crossed perspective is structured by a notion of voice, grounded upon references from certain theories of utterance and poetry and psychoanalytical concepts, mostly from the Lacanian tradition, attempting to carry some of its ethical, political and ontological consequences, always in regard to the issue of the subject. Parts I, II and III begin with a basic chronological organization, and bring to the fore the analyses of works considered to be essential for the purposes of the thesis, always making an effort to expand these analyses towards the multiple realms of the artists activity, aiming at pointing out structural and historical comparisons between literature and the visual arts, as well as between Ramoss poetics and its others. Its basic corpus is composed by the books Cujo (1993), Ó (2008) and Sermões (2015), and by the visual art works 111 (1992), Vai, vai (2006) and Ensaio sobre a dádiva (2014/2016). In the last part of the thesis, these debates are expanded by means of a reading of some aspects of the artists essaywriting, mostly in regard to the theme of interpretation of Brazil, and attempting to unfold this line, in relation to the artist activity as song-writer, towards the universe of popular song.