Esta é uma tese que salienta a qualidade literária desses dois romances sob a proposta de uma leitura baseada em categorias, desenvolvidas por vários teóricos, como o grotesco, o nojo, a abjeção, o estranho e o sublime. Para atingir este objetivo, levo em conta a crise da beleza e reviso tal conceito segundo a perspectiva de filósofos da Antiga Grécia, a Idade Média, o Iluminismo e século XX. Trata-se de uma proposta de estudo poiético que, a partir do nojento, torna visível a importância do sentido fisionômico na percepção corporal que facilita aos espectadores a experimentação de emoções diante de obras de arte: o “simples” prazer corporal que pode se tornar prazer reflexivo, estético. Com este processo da experiência estética (aisthesis, poiesis, katharsis) através da poiética escatológica, redimensiono o feio nestes romances de Palahniuk e de Noll, na obra de arte, apresentando-o como uma categoria estética que vai além de ser simplesmente o oposto do belo, e se erige como o pináculo de outro cânone. / It is a thesis that highlights the literary quality of the two novels mentioned above. This is to be done through a proposal of reading, based on categories worked by some theoreticians, such as the grotesque, disgust, abjection, the uncanny and the sublime. To achieve this goal, I focus on the crisis of beauty, studying this concept from the perspective of Ancient Greek philosophers, the Middle Ages, the Enlightenment and 20th Century. Furthermore, this deals with a proposal of poetics study that, from the “disgust” perspective, emphasizes the importance of physiognomic sense in the bodily perception, which facilitates spectators to experience emotions about the artwork: the "simple" bodily pleasure becomes “reflective” and “aesthetic” pleasure. Within this process of aesthetic experience (aisthesis, poiesis, katharsis), and through the eschatological poietics, I point out (or address) the ugly of these novels of Palahniuk and Noll, as well as the artwork, presenting it as an aesthetic category that ends to be simply the opposite of beauty and emerges as the pinnacle of another canon. / Es una tesis que resalta la calidad literaria de estas dos novelas, a partir de la propuesta de una lectura basada en categorías, trabajadas por varios teóricos, como lo grotesco, el asco, la abyección, lo siniestro y lo sublime. Para lograr este objetivo, tengo en cuenta la crisis de la belleza y reviso este concepto desde la perspectiva de filósofos de la Antigua Grecia, la Edad Media, la Ilustración y el siglo XX. Se trata de una propuesta de estudio poiético que, a partir de lo asqueroso, destaca la importancia del sentido fisionómico en la percepción corporal que facilita a los espectadores la experimentación de emociones frente a la obra de arte: el “simple” placer corporal que se convierte en placer reflexivo, estético. Con este proceso de experiencia estética (aisthesis, poiesis, katharsis), a través de la poiética escatológica, redimensiono lo feo en estas novelas de Palahniuk y de Noll, en la obra de arte, presentándolo como una categoría estética que deja de ser simplemente lo opuesto a lo bello y se erige como el pináculo de otro canon.

Reatualizar o processo diaspórico judaico e a formação de territórios por meio da comida. Estudo desses processos na obra Por que sou gorda, mamãe? de Cíntia Moscovich. A partir da memória da comida, especialmente a judaica, é possível observar a formação do território da cozinha e também do corpo. No entanto, para chegar nesse ponto a personagem-narradora precisa passar por uma diáspora metafórica. / Reactualizar el proceso diaspórico judío y la formación de territorios a través de la comida. Estudio de eses procesos en la obra Por que sou gorda, mamãe? de Cíntia Moscovich. A partir de la memoria de la comida, especialmente la judía, es posible observar la formación del territorio de la cocina y también del cuerpo. Sin embargo, para llegar a ese punto el personaje narrador precisa pasar por una diáspora metafórica.

La presente tesis es una lectura de El cuerpo de Giuliano, (en adelante, CGN) en donde el conflicto que permite que la obra sea fragmentaria, es la misma identidad inestable del personaje. A través de esto, busco probar que, CGN presenta uno de los pocos y logrados casos en los que se puede hacer un seguimiento de la identidad queer. La tesis, compuesta por tres momentos argumentativos, está orientada a recrear la hipótesis central del trabajo: Eduardo1, el personaje principal de la historia, demuestra a lo largo de su relato un proceso de construcción identitaria queer que surge y se desarrolla a través de un conflicto articulado por un doble deseo y consecuente doble culpa: siente deseo por su madre y por Giuliano, un joven que conoce en su adolescencia. Ambos deseos el edípico y el homosexual son prohibidos y castigados íntima y socialmente, por ello, ambos deseos conducen a una culpa que funcionará de modo constitutivo. Esta culpa constitutiva es el motor de su identidad queer, ya que debe liberarse de ella para poder retomar su autonomía y hacerse propiamente sujeto.

Esta tesis analiza el lienzo Mi madre y yo que plantea una forma específica de representar la maternidad, lo cual nos ha permitido sospechar que existen múltiples formas de representarla. Esto en sí mismo, responde críticamente a aquella posición esencialista que defiende una sola representación de la maternidad. Mientras el discurso hegemónico propone una sola representación de la maternidad basándose en la naturalización de la diferencia sexual, nosotros nos hemos servido de los aportes de Foucault para observar que dicha naturalización invisibiliza otras formas de representar la maternidad, por lo cual sostenemos que la representación de la maternidad del discurso hegemónico depende más bien de prácticas y relaciones de poder que han sido invisibilizadas a través de dicha naturalización. En este lienzo, los cuerpos ocupan un lugar protagónico, y desde los aportes de Elizabeth Grosz y Lucy Lippard podemos leer al cuerpo como una categoría política que tiene todo el poder que necesita para interpelar explicaciones racionalistas, naturalistas o biológicas deterministas a favor de procesos corpopsico-y socio libidinales, que son mas culturales que naturales. Así mismo, los aportes de Norma Fuller, Elizabeth Badinter y Robert Connell, nos han permitido entender que la representación de la maternidad es una categoría relacional, por lo cual la hemos contrapuesto a la categoría de la masculinidad hegemónica. Consiguientemente, los aportes de Freud nos han permitido tomar consciencia de una angustia masculina que surge en los varones al confrontarse con su carácter bisexual. Opinamos que dicha ansiedad está ligada a la representación de la maternidad por que concibe a la diferencia sexual a partir de una oposición jerárquica entre los sexos que es característica del discurso hegemónico. Hemos analizado los elementos de la obra a partir de categorías psico analíticas, postcoloniales y estéticas a fin de esclarecer la importancia de dichos elementos en relación a la representación de la maternidad. El fondo de la obra ha sido analizado desde la categoría psico analítica freudiana de la madre de la cloaca, con el fin de evidenciar el repudio hacia lo femenino. El cuadro del florero que aparece en la representación de la maternidad de Christian Bendayán ha sido 3 interpretado como un símbolo de la pintura de bodegón que, entendido desde una perspectiva feminista y post colonial a través de los aportes de María Lugones, Oyéronké Oyewùmí y Griselda Pollock visibilizan la segregación de las mujeres en las artes entre los siglos XVI y XVIII a nivel institucional, y, por último, hemos debatido la presencia del anillo matrimonial cuestionando tanto su materialidad simbólica, como los fundamentos del contrato social y sexual desde las perspectivas de Gayle Rubin y Carol Pateman. Concluimos este análisis mostrando cómo el artista utiliza estrategias “antiestéticas” para socavar sistemas hegemónicos. Palabras claves: representación de la maternidad, masculinidad hegemónica, diferencia sexual, bisexualidad, Christian Bendayán, “Mi madre y yo”. / This thesis analyzes the painting “Mi madre y yo” (My mother and I) which is a work of art which uniquely displays motherhood. This allows us to suspect that there are multiple ways of representing motherhood which is in itself a way to respond critically to an essentialist position that considers only one-way of representing maternity. While the hegemonic discourse proposes only one representation of maternity based on the naturalization of sexual difference, we have used Foucault’s contributions to observe that this naturalization actually blinds us from conceiving other ways of representing maternity. We rather hold a view by which the hegemonic discourse’s representation of motherhood depends on practices and relations of power that have been naturalized In this painting, bodies occupy a prominent place, and from Elizabeth Grosz’s and Lucy Lippard’s contributions we can read the body as a political category which has all the power it needs to question rationalist, naturalist, or biological determinist explanations in favor of corporeal, psychological and socio libidinal processes which are more cultural than natural. As well, the contributions of Norma Fuller, Elizabeth Badinter and Robert Connell, have allowed us to oppose the category of hegemonic masculinity to the representation of maternity understanding it as a relational category. Consequently, Freud’s contributions have made us aware of a male anxiety that appears when he has to deal with its bisexual character. We believe that this anxiety is linked to the representation of motherhood because its way of conceiving sexual difference is characteristic of a hegemonic discourse that is based on a hierarchical opposition between sexes. We have analyzed the elements of the picture from psychoanalytical, post colonial and esthetic categories in order to clarify the importance of these elements in relation to the representation of motherhood. The background of the painting has been analyzed from a Freudian psychoanalytic theory called the cloaca mother to evoke a rejection towards the feminine. The painting of the flowerpot in Christian Bendayan’s representation of motherhood has been 5 approached from a feminist and postcolonial perspective through the contributions of authors like María Lugones, Oyéronké Oyewùmí and Griselda Pollock to show that the still life genre can be understood as part of an institutional segregation towards women in the arts between the xvi and xviii centuries. And finally, we have debated the presence of the matrimonial ring in its symbolic materiality and from the foundations set by Gail Rubin and Carol Pateman in relation to the matrimonial social and sexual contract. We have concluded this analysis by showing how the artist uses anti esthetic strategies to undermine hegemonic systems. Key words: Representation of motherhood, hegemonic masculinity, sexual difference, bisexuality, Christian Bendayán, “Mi mother and I”.

Esta tesis surge por la necesidad de plantear una lectura crítica de dos cuentos (“Amor” y “La imitación de una rosa”) y una novela de Clarice Lispector (Aprendizaje o el libro de los placeres), escritora brasileña del siglo XX. El enfoque de la investigación revaloriza textos literarios que visibilizan un hilo conductor; por tanto, transitamos de los mecanismos disciplinarios sobre el cuerpo femenino hacia el descubrimiento de un deseo palpitante de la protagonista de la novela en cuestión. Desde mi posición como investigadora, es relevante realizar un estudio exhaustivo respecto de la producción literaria de Clarice Lispector, pues, a partir de su narrativa, es posible examinar diversas vertientes de análisis que permiten evaluar la subjetividad femenina a la luz de la búsqueda de la multidimensionalidad de los sujetos; es decir, al profundizar en los personajes clariceanos, observamos una inagotable fuente de redescubrimientos que reflejan la tensión constante de aquello que implica construirse como mujer. La presente investigación busca examinar algunos mecanismos de disciplinamiento del cuerpo femenino dentro de los textos narrativos de Clarice Lispector. Además, pretende concebir al cuerpo como una categoría que no solo demuestra la sujeción a un aparato disciplinario, sino como una instancia liberadora que articula una dimensión de la identidad del sujeto femenino. Ciertamente, es indispensable reflexionar acerca de la ruptura de las representaciones de lo masculino y lo femenino dentro de los textos elegidos.

El estudio de los deportes es parte del interés de las ciencias sociales y que se ha ido extendiendo en las décadas recientes. El boxeo representa una oportunidad para poder entender qué entreteje un deporte principalmente practicado a nivel competitivo por sectores populares. Los procesos que componen la construcción de los boxeadores a través de la conexión mente y cuerpo son complejos y valiosos de analizar y nos genera un panorama de cómo se construye el habitus en los boxeadores. El estudio del mundo pugilístico nos acerca a la noción de sacrificio en el ámbito deportivo, el ascetismo que experimentan los jóvenes al decidir ser boxeadores y a la forma en la que utilizan su cuerpo como capital corporal. Con esta investigación se busca aportar en la investigación académica de este deporte, así como entender de qué manera se construye el sacrificio en los boxeadores amateurs, es decir, el trabajo que realizan a nivel corporal y mental, los componentes de sus rutinas diarias y los proyectos que generan a través de la práctica del boxeo o expectativas del deporte. Específicamente se busca entender cómo estas prácticas y narrativas presentes en el mundo del boxeo componen lo que se entenderá como sacrificio y hace que sea aceptado y realizado por los boxeadores. La metodología propuesta se implica una etnografía en una escuela de boxeo en Villa María del Triunfo durante 8 semanas tomando el caso de boxeadores amateurs en proceso de formación.

La presente tesis está dividida en un bloque teórico y un bloque práctico. En la parte teórica se realiza un estudio referencial, análisis y discusión de una serie de creaciones artísticas pertenecientes a la época de los años 60 y 70 mayoritariamente en EE UU y minoritariamente en Europa, que hacen uso de la imagen en movimiento monocanal y el cuerpo en acción en la naturaleza con carácter site-specific. En la parte práctica se realiza una obra videográfica que trabaja a partir de los mismos elementos de las obras de estudio desde un punto de vista actual y dentro de la línea de creación personal de la autora, aportando temáticas, motivaciones, procesos creativos y recursos formales que complementan y dan continuidad a la investigación teórica, al tiempo que enriquecen la línea de trabajo personal. Por lo que hemos podido comprobar, no tenemos constancia de que se haya realizado una investigación que analice y compare las distintas aproximaciones a las obras de nuestro estudio desde un punto de vista unitario, sino que han permanecido consideradas como piezas aisladas en muchos casos, dentro de las trayectorias de los propios artistas y sin atender al denominador común que todas ellas comparten. En el bloque teórico se acota el marco conceptual que delimita la temática a la que nos enfrentamos, a la vez que se muestra un recorrido por los puntos más importantes de la investigación, claves a la hora de analizar, discutir y concluir acerca de las creaciones. Estos puntos son los siguientes: La naturaleza como lugar; el cuerpo en acción: performance y danza site-specific; y la imagen en movimiento: cine y vídeo monocanal, entre testimonio y creación. Una vez aplicado el marco teórico, se acomete un estudio referencial que aborda el contexto artístico de la época, una serie de obras periféricas en relación con la investigación, y finalmente las obras destacadas de la tesis. Se realiza un visionado y un análisis completo de las obras destacadas a través de una metodología de análisis creada específicamente en esta investigación para este tipo de piezas. Y se concluye con una discusión que profundiza en el estudio transversal de las obras, el marco teórico, el contexto y las periferias, poniendo a disposición de la comunidad investigadora una visión inédita sobre estas creaciones, y una serie de conclusiones novedosas acerca de la temática. / Ontiñano Abadías, MC. (2014). Cuerpo en acción, imagen en movimiento y naturaleza en el arte de EE UU y Europa durante los años 60-70, con caracter site-specific. Estudio referencial, análisis y proyecto personal [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/36868

[ES] La presente tesis lleva por título En la piel de la latexgrafía: una propuesta creativa para la gráfica actual. Investigación en la que se reúnen los aportes diferenciales de la latexgrafía como técnica inédita de grabado y estampación en el campo de la gráfica expandida en el arte contemporáneo. Partimos de la creación artística en relación a la noción del cuerpo, y propiamente de la piel como frontera simbólica entre nuestro ser y el mundo; superficie en cuya huella se registra la memoria gráfica de nuestra existencia e identidad, la misma que gracias a la implementación de nuestra técnica, podemos transmutar en material expresivo, en el marco de un proceso creativo colaborativo entre el público y nosotros. En una primera parte elaboramos una introducción a la técnica de la latexgrafía, su sentido y práctica, contemplando los conceptos más relevantes y la sistematización del proceso a través de la identificación, descripción y justificación de sus variables. Posteriormente estudiamos los antecedentes y ejes teórico-prácticos de los discursos de la gráfica expandida, con los cuales nos identificamos, para finalmente enumerar los aportes diferenciales, que, desde la latexgrafía, hacemos al ámbito artístico actual. En una segunda parte hacemos una aproximación a las reflexiones poéticas que desde la práctica latexgráfica hemos tejido alrededor de los conceptos del cuerpo, su imagen y las metáforas de la piel, desde una perspectiva interdisciplinar conjugando tanto los aportes de los referentes artísticos como las aproximaciones que desde la filosofía, sociología, antropología y medicina se dan a los conceptos en cuestión, desde mediados del siglo XX a nuestros días en occidente. Finalmente, la tercera parte la dedicamos a la investigación artística comprendida en el corpus de obra propia, donde presentamos los resultados obtenidos a partir del proyecto Embodied Memory, exposición individual conceptualizada y ejecutada en el marco de esta tesis, así como los últimos avances alcanzados en relación a la latexgrafía, en las piezas desarrolladas en el transcurso del año 2021. / [CA] La present tesi porta per títol En la pell de la latexgrafía: una proposta creativa per a la gràfica actual. Investigació en la qual es reuneixen les aportacions diferencials de la latexgrafía com a tècnica inèdita de gravat i estampació en el camp de la gràfica expandida en l'art contemporani. Partim de la creació artística en relació a la noció del cos, i pròpiament de la pell com a frontera simbòlica entre el nostre ésser i el món; superfície en la petjada de la qual es registra la memòria gràfica de la nostra existència i identitat, la mateixa que gràcies a la implementació de la nostra tècnica, podem transmutar en material expressiu, en el marc d'un procés creatiu col·laboratiu entre el públic i nosaltres. En una primera part elaborem una introducció a la tècnica de la latexgrafía, el seu sentit i pràctica, contemplant els conceptes més rellevants i la sistematització del procés a través de la identificació, descripció i justificació de les seues variables. Posteriorment estudiem els antecedents i eixos teoricopràctics dels discursos de la gràfica expandida, amb els quals ens identifiquem, per a finalment enumerar les aportacions diferencials, que, des de la latexgrafía, fem a l'àmbit artístic actual. En una segona part fem una aproximació a les reflexions poètiques que des de la pràctica latexgráfica hem teixit al voltant dels conceptes del cos, la seua imatge i les metàfores de la pell, des d'una perspectiva interdisciplinària conjugant tant les aportacions dels referents artístics com les aproximacions que des de la filosofia, sociologia, antropologia i medicina es donen als conceptes en qüestió, des de mitjan segle XX als nostres dies en occident. Finalment, la tercera part la dediquem a la investigació artística compresa en el corpus d'obra pròpia, on presentem els resultats obtinguts a partir del projecte Embodied Memory, exposició individual conceptualitzada i executada en el marc d'aquesta tesi, així com els últims avanços aconseguits en relació a la latexgrafía, en les peces desenvolupades en el transcurs de l'any 2021. / [EN] This thesis is entitled In the skin of latexgraphy: a creative proposal for current graphics. Research that brings together the differential contributions of latexgraphy as a unique printmaking technique in the field of expanded graphics in contemporary art. We start from the artistic creation in relation to the notion of the body, and properly of the skin as a symbolic border between our being and the world; surface in whose imprint the graphic memory of our existence and identity is recorded, the same that thanks to the implementation of our technique, we can transmute into an expressive material, within the framework of a collaborative creative process between the public and us. In the first part, we elaborate an introduction to the technique of latexgraphy, its meaning and practice, contemplating the most relevant concepts and the systematization of the process through the identification, description and justification of its variables. Later we study the antecedents and theoretical-practical axes of the discourses of expanded graphics, with which we identify our research, to finally list the differential contributions that, from latexgraphy, we make to the current artistic field. In a second part we make an approach to the poetic reflections that from latexgraphic practice we have woven around the concepts of the body, its image and the metaphors of the skin, from an interdisciplinary perspective combining both the contributions of artistic references and the approaches that from philosophy, sociology, anthropology and medicine are given to the concepts in question, from the mid-twentieth century to the present day in the West. Finally, the third part is dedicated to the artistic research included in the corpus of own work, where we present the results obtained from the Embodied Memory project, an individual exhibition conceptualized and executed within the framework of this thesis, as well as the latest advances made in relation to latexgraphy, in the pieces developed during the year 2021. / Romero Cubero, P. (2021). En la piel de la latexgrafía: una propuesta creativa para la gráfica actual [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/180179

[ES] La ciudad nos regala un sinfín de situaciones, paisajes y contactos que van construyendo el espacio de lo vivido. En este tejido espacial, deambulan, habitan e interactúan los diversos cuerpos que, en su heterogeneidad de formas, orientaciones, tiempos, van orquestando la condición viva del tejido urbano. El considerar la espacialidad del cuerpo como protagonista, nos enfrenta de inmediato a dos problemáticas que se convierten simultáneamente en los ejes principales sobre los que se desarrolla la siguiente investigación: La primera, sobre el cómo construir un discurso "encarnado" del espacio, desde una disciplina donde mayoritariamente el desarrollo de ésta está mermado al hecho de "hacer" objetos para la contemplación y regocijo del pensamiento. Y la segunda, sobre el cómo representar dicho discurso, en cuanto a expresar mediante palabras e imágenes el alcance de lo que se quiere postular. La presente tesis doctoral tiene como fin explorar los recursos conceptuales, metodológicos y representacionales que colaboren en la visibilización e impacto de las relaciones reversibles de los cuerpos en el tejido urbano. Y, por tanto, que permitan construir un discurso arquitectónico centrado en la experiencia de las personas, y en específico, en el análisis y representación de las espacialidades que producen y reproducen sus cuerpos en el territorio. / [CA] La ciutat ens regala una infinitat de situacions, paisatges i contactes que van construint l'espai del viscut. En aquest teixit espacial, deambulen, habiten i interactuen els diversos cossos que, en la seua heterogeneïtat de formes, orientacions, temps, van orquestrant la condició viva del teixit urbà. El considerar l'espacialitat del cos com a protagonista, ens enfronta immediatament a dues problemàtiques que es converteixen simultàniament en els eixos principals sobre els quals es desenvolupa la següent investigació: La primera, sobre el com construir un discurs "encarnat" de l'espai, des d'una disciplina on majoritàriament el desenvolupament d'aquesta està minvat al fet de "fer" objectes per a la contemplació i gaubança del pensament. I la segona, sobre el com representar aquest discurs, quant a expressar mitjançant paraules i imatges l'abast del que es vol postular. La present tesi doctoral té com a fi explorar els recursos conceptuals, metodològics i representacionals que col·laboren en la visibilització i impacte de les relacions reversibles dels cossos en el teixit urbà. I, per tant, que permeten construir un discurs arquitectònic centrat en l'experiència de les persones, i en específic, en l'anàlisi i representació de les espacialitats que produeixen i reprodueixen els seus cossos en el territori. / [EN] The city gives us an endless number of situations, landscapes and contacts that build the space of what has been lived. In this spatial fabric, the various bodies wander, inhabit and interact which, in their heterogeneity of forms, orientations, times, orchestrate the living condition of the urban fabric. Considering the spatiality of the body as the protagonist, immediately confronts us with two problems that simultaneously become the main axes on which the following research is developed: The first, on how to build an "embodied" discourse of space, from a discipline where the development of it is mostly reduced to the fact of "making" objects for contemplation and rejoicing of thought. And the second, on how to represent said discourse, in terms of expressing through words and images the scope of what is to be postulated. This doctoral thesis aims to explore the conceptual, methodological and representational resources that collaborate in the visibility and impact of the reversible relationships of bodies in the urban fabric. And, therefore, that allow the construction of an architectural discourse focused on the experience of people, and specifically, on the analysis and representation of the spatialities that their bodies produce and reproduce in the territory. / La presente tesis ha sido beneficiada con la Beca Crea Chile 2019 del Ministerio de las Artes, el Patrimonio y las Culturas del Gobierno de Chile / Diaz Vera, MA. (2022). El cuerpo en la ciudad. Hacia estrategias de análisis de encorporamiento espacial [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/186918

This Doctoral Thesis POST TENEBRES LUX: ABBE, investigates the interdisciplinary video art in the international artistic context, echoing the creative origins of the multidisciplinary concept in Monte Verità, (Switzerland). Where in the inter-war period it served as a refuge and model for the creation of a new paradigm of society, which would later crystallize in the hippie movement in the USA, and that would spread throughout the world. From this we deepen in the different artistic disciplines that have served as support to hybrid and interdisciplinary techniques, from dance-videodance, performance, and audiovisual installation, addressing the theme of expanded cinema and expanded video. All this gives rise to a method of analysis for the creation and characterization of characters, which we have developed throughout our video art project, using the transpersonal psychology and the enneagram, as manifested in the research itself and which is executed in the videocreation. / El inconsciente en su función reguladora parece encontrar vías de comunicación con la parte consciente a través de la expresión plástica ya que ésta es un vehículo apropiado para la generación de símbolos. Dichos símbolos brotan del individuo para quedar plasmados en el exterior. Así se convierten en algo que existe fuera de él posibilitando la asimilación de parcelas oscuras de la mente. Esta tesis explora los orígenes del eneagraman como símbolo en origen con una dinámica de movimiento dancístico así como su relación con las artes visuales y las terapias transpersonales. La pregunta de investigación que planteamos es: ¿Es el videoarte una disciplina que posibilita el crecimiento artístico y personal?, ¿Es este símbolo un instrumento para desarrollar en las artes visuales una investigación profunda del ser humano? ¿Cómo exploraron a través de esta y otras dinámicas interdisciplinares los artistas sus efectos en la creación? ¿Es posible extraer arquetipos personalizados para la creación de coreografías, video danza, video arte y otras técnicas audiovisuales? ¿Qué artistas se han servido de ello? / La present tesi doctoral POST TENEBRES LUX: ABBE, investiga el videoart interdisciplinar en el context artístic internacional, fent-se ressò dels orígens creatius del concepte multidisciplinari a Monte Verità, (Suïssa). On en el període d'entre guerres va servir de refugi i model per a la creació d'un nou paradigma de societat, que després cristal·litzaria en el moviment hippie a USA, i que s'estendria per tot el món. A partir d'això aprofundim en les diferents disciplines artístiques que han servit de suport a les tècniques híbrides i interdisciplinàries, des de la dansa-videodansa, la performance, i la instal·lació audiovisual, abordant la temàtica del cinema expandit i el vídeo expandit. Tot això dóna pas a un mètode d'anàlisi per a la creació i caracterització de personatges, que hem desenvolupat al llarg del nostre projecte de videoart, mitjançant l'ocupació de la psicologia transpersonal i l'eneagrama, com es manifesta en la pròpia investigació i que és executada en la videocreació. / Heredia Perea, B. (2017). POST TENEBRES LUX : ABBE. El videoarte interdisciplinar y Monte Verità. Un método de análisis para la creación y caracterización de personajes, mediante la psicología transpersonal y el eneagrama [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90645