Deux entités composent le centre de Saint-Denis : d’un côté, l’ensemble monumental de l’ancienne abbaye qui, comme haut lieu de l’histoire nationale et de l’art gothique, revêt un caractère sacré ; de l’autre, l’espace urbain, à la fois populaire et commerçant, dont la mutation est inéluctable à cause, en particulier, de son état d’insalubrité. L’État, émanation de la souveraineté nationale, et la municipalité, représentation du peuple de Saint-Denis, sont happés, après l’épisode vichyste, qui constitue une nouvelle crise politique dans l’histoire de France, par l’urgence de la Reconstruction. C’est à partir du milieu des années 1950 que la reconfiguration de la centralité dionysienne peut être envisagée. La rénovation des abords de la basilique impose un dialogue entre histoire et modernité. Il semble contenir les ferments d’un renouveau politique : une « modernité à la française ». Les débats qui animent les pouvoirs publics et les spécialistes de la ville en proposent une retranscription. Quelles sont les valeurs convoquées dans cette opération d’urbanisme ? Que nous enseigne-t-elle de la reconstruction du récit national depuis la Libération en 1944 ? / Saint-Denis’ city center is twofold: on the one hand stands the sacred monumental complex of the ancient abbey, Mecca of the French national history and Gothic art, while on the other hand, the urban area is both a working-class and commercial environment, which mutation is unavoidable, in particular due to its overall degradation. In the aftermath of the great political crisis of the Vichy period, both the State, as an emanation of national sovereignty, and the municipality, as the representation of the people of Saint-Denis, are confronted with the city’s urgent need for reconstruction. It is only as of the mid-1950s that the reorganization of the Dionysian centrality becomes possible. Yet, the renovation of the surroundings of the basilica calls for a dialogue between history and modernity. This debate appears as the catalyst for a political renewal: a modernity à la française, highlighted by the heated debates between public authorities and specialists of the city. What are the values at stake in this urban renewal process? What are the key lessons triggered by such a project with regards to the reconstruction of the French national narrative since France’s liberation in 1944?

Cette thèse porte sur l’étude de la jubilation dans l’œuvre de deux importants hétéronymes de Fernando Pessoa : Alberto Caeiro et Álvaro de Campos, dont les profils sont visiblement différents : le berger-curator, auteur d’une poésie idyllique dans un cadre naturel et l’ingénieur naval, créateur d’une œuvre inspirée par les mécanismes emblématiques de la modernité. En dépit de leurs profils distincts, leurs œuvres respectives se penchent sur une insistante quête d’identité liée à un sentiment de jubilation existentielle. Les deux poètes créés par Fernando Pessoa semblent exprimer une sorte d’existentialisme jubilatoire esquissé par des axes qui s’entrecroisent dans leur poésie : l’enfant, la nature et la mort pour Alberto Caeiro et également l’enfant (la mémoire), la folie et la mort pour Álvaro de Campos. Ces thèmes, très récurrents dans leurs œuvres respectives, révèlent un côté peu travaillé dans la poésie de Pessoa, dont la production littéraire est souvent étudiée sous un point de vue plutôt pessimiste, mélancolique, tournée vers un spleen propre à Fernando Pessoa. Néanmoins, la personnalité de ce poète multiple, par son caractère paradoxal, nous permet de regarder une partie de son œuvre sous une perspective différente, prenant en compte la présence fréquente d’expressions liées à des champs sémantiques du bonheur, du plaisir, voire de l’extase ou du sublime. Il s’agira de comprendre comment les deux hétéronymes expriment le sentiment de jubilation, dans leurs cadres et profils spécifiques. Le berger et l’ingénieur créés par Fernando Pessoa seront ainsi étudiés selon un angle peu (ou jamais) travaillé par la critique littéraire : notre travail consiste à analyser les expressions liées à la jubilation, mais aussi aux notions correspondantes, telles que le pasmo, le espanto, l’extase, le bonheur, le sublime, l’apothéose, la dynamogénie, le plaisir, etc. Ces notions « voisines » de la jubilation se font présentes d’une façon persistante dans la poésie de Caeiro et de Campos, permettant de saisir un nouveau rapport de l’étude de l’œuvre de Pessoa. Notre recherche consiste ainsi à une mise en regard entre plusieurs auteurs qui se sont penchés, d’une manière ou d’une autre, sur la recherche d’un sens pour l’existence de l’homme dans les temps modernes. Pour comprendre la jubilation dans la poésie d’Alberto Caeiro et d’Álvaro de Campos, il faudra regarder de plus près les pensées de Nietzsche, Freud, Lacan, Durkheim, Sartre, etc., dans une perspective philosophique et psychologique, mais aussi la poésie de Victor Hugo, de Baudelaire ainsi que la prose de Tolstoï, de Proust et d’autres, dont les pensées nouent un certain rapport à la poésie jubilatoire de Fernando Pessoa sous les masques du berger et de l’ingénieur. / The dissertation aims to show how both of the main heteronymous of Fernando Pessoa : Alberto Caeiro and Álvaro de Campos appropriate the jubilation’s theme throught different profiles.
The berger-curator is the author of an idyllic poem with a natural framework and the naval engineer is the creator of a work inspired by emblematic mecanism of modernity. Despite their distinct profiles, Alberto Caeiro and Álvaro de Campos focus on a search of identity in link with a feeling of existential jubilation.
Both poets created by Fernando Pessoa have worked on common axes : the Child, the Nature and the Dead for Alberto Caeiro. The Child, the Insanity and the Dead for Álvaro de Campos. These topics have revealed an unknown part of Fernando Pessoa’s work. Indeed, the litterary production is generally studied in a pessimist point of view which give importance to the Fernando Pessoa’s spleen. The study demonstrates how both heteronymous express the feeling of jubilation through a semantic field of happiness, ecstasy, or sublime. And it suggests to explore the figures of berger-curator together with the naval engineer from a new perspective. We will examine notions in link with jubilation like pasmo, espanto, ecstasy, happiness, sublime, pleasure, apotheosis, or dynamogeny. To understand jubilation in Alberto Caeiro and Álvaro de Campos‘s works, we will finally refer to Nietzsche, Freud, Lacan, Durkheim, Sartre’s thoughts from a philosophy and psychology perspective, and to Hugo, Baudelaire, Tolstoï, Proust and others from a poetic perspective.

La thèse se propose d’effectuer une lecture analytique et comparative de la production littéraire qui a eu lieu au cours de la première et de la deuxième mondialisation moderniste à l’époque contemporaine. Suivant la logique de l’évolution économique mondiale de Kondratieff, il s’agirait de la période de création esthétique et littéraire moderne entre 1850 et 1920, postmoderne entre 1950 et 1990, et hypermoderne à partir des années 2000. Ceci dans le but de vérifier si le roman moderniste, post- et hyper-moderniste, colonial et postcolonial pouvait acquérir le statut de littérature mondiale (Weltliteratur) fondée sur l’unité dualiste du système-monde capitaliste et sur l’idée de modernité antimoderniste ; telle que Baudelaire la définit en 1863 dans le Peintre de la vie moderne : « la modernité, c'est le transitoire, le fugitif, le contingent, la moitié de l'art, dont l'autre moitié est l'éternel et l’immuable ». La thèse se propose d’expliquer l’unité antagoniste de la notion de littérature mondiale et de l’affirmer comme œuvre d’art totale (Gesamtkunstwerk), moderne, à travers la vérification parallèle de l’existence d’un paysage mondial littéraire. Celui-ci, aussi fondé sur une approche dualiste -esthétique/stylistique et phénoménologique -, serait le produit (anti)moderniste des deux périodes de mondialisation capitaliste. / The doctoral thesis proposes to effectuate an analytical and comparative reading of the literary production that took place during the first and second modernist globalization in the Late modern period. According to the logic of the world economic evolution of Kondratiev wave, it would be the period of modern aesthetic and literary creation between 1850 and 1920, postmodern between 1950 and 1990, and hypermodern from 2000 onwards. In order to ascertain whether the modernist, post- and hyper- modernist, colonial and postcolonial novel could acquire the status of world literature (Weltliteratur) based on the dualistic unity of the capitalist world-system theory and on the idea of modern anti-modernism ; as Baudelaire defined it in 1863 in The Painter of Modern Life (Le peintre de la vie moderne). The thesis proposes to explain the antagonistic unity of the notion of world literature and to affirm it as a modern "total work of art" (Gesamtkunstwerk), through the parallel verification of the existence of a literary world landscape. The latter, also based on a dualistic approach - aesthetic /stylistic and phenomenological - would be the (anti)modernist product of the two periods of capitalist globalization.

Submitted by Marlene Santos (marlene.bc.ufg@gmail.com) on 2014-09-26T21:35:11Z No. of bitstreams: 2 Silva, Marcela Italo Rodrigues e..pdf: 722458 bytes, checksum: f4cf6d1bc2c1db766599cd5a3968f7d8 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Silva (jtas29@gmail.com) on 2014-09-26T21:41:18Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Silva, Marcela Italo Rodrigues e..pdf: 722458 bytes, checksum: f4cf6d1bc2c1db766599cd5a3968f7d8 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-09-26T21:41:19Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Silva, Marcela Italo Rodrigues e..pdf: 722458 bytes, checksum: f4cf6d1bc2c1db766599cd5a3968f7d8 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Previous issue date: 2013-05-03 / La présente dissertation se propose à analiser de quelle forme la compréhension freudienne de la mélancolie est présente dans le Faust de Pessoa. On vera de quelle forme la mélancolie comme caractéristique de la modernité projete dans le Faust de Pessoa une autre phase du mythe faustique. On va analiser le retour subjectif sur soi-même comme une issue rencontré par le sujet poétique pour exprimer les temps modernes, dans la transformation/construction du Faust de Pessoa. On commence notre travail présentant um bref parcours historique des principales lectures du mythe de Faust dans la littérature ocidental, de Spiess, Marlowe, Goethe et Mann. À partir de ce parcours, on va vérifier comment le mythe de Faust s’apréhende dans la modernité par Fernando Pessoa. À propos du Faust de Pessoa, on découvre de quelle manière l’oeuvre est construite dans ses trois organisations, par les editeurs Freitas da Costa, Duílio Colombini et Teresa Sobral Cunha. Dans le chapitre suivant, on commence en présentant un embasement théorique des conceptions freudiennes du malaise dans la culture et la mélancolie. On va voir de quelle manière la mélancolie apparaît comme marque d’une époque orienté par la malaise. On va comprendre comment le malaise provoque dans l’être humain un délaissement hériter de sa subjetivité et caractéristique de la modernité. À la fin de notre travail, on va analiser comment les poèmes se relacionnent avec les thématiques de la mélancolie présente dans l’oeuvre du Faust de Pessoa. Nous comprenons le Faust de Pessoa comme une expression, à la fois, de la mélancolie et le génie de l’artiste. / A presente dissertação se propõe a analisar de que forma a compreensão freudiana de melancolia está presente no Fausto pessoano. Veremos de que forma a melancolia como característica da modernidade projeta, no Fausto de Pessoa, outro momento do mito fáustico. Analisaremos o retorno subjetivo para si como a saída encontrada, pelo sujeito poético, para expressar os tempos modernos, na transformação/construção do Fausto pessoano. Iniciamos nosso trabalho apresentando um breve percurso histórico sobre as principais leituras do mito de Fausto na Literatura Ocidental, em Spiess, Marlowe, Goethe e Mann. A partir desse percurso, verificamos como o mito de Fausto passa a ser apreendido na modernidade por Fernando Pessoa. Sobre o Fausto pessoano, percebemos como a obra é construída em suas três organizações pelos editores Freitas da Costa, Duílio Colombini e Teresa Sobral Cunha. No capítulo seguinte, iniciamos apresentando um embasamento teórico sobre as concepções freudianas de mal-estar na modernidade e melancolia. Observamos a maneira pela qual a melancolia aparece como traço de uma época orientada pelo mal-estar. Compreendemos de que forma o mal-estar provoca, no ser humano, um desamparo legado à sua subjetividade, traço da modernidade. Na parte final de nosso trabalho, analisamos como os poemas se relacionam com a temática da melancolia presente na obra do Fausto pessoano. Entendemos o Fausto de Pessoa como expressão, ao mesmo tempo, de melancolia e genialidade do artista.

Souvent perçu comme le poète de la « nature » par excellence, William Wordsworth serait bien plutôt celui qui a donné définitivement congé à une riche tradition descriptive, puisque les évocations du paysage sont chez lui bien plus rares que chez tous ses prédécesseurs du XVIIIe siècle. Le présent travail se propose de prêter attention à cette raréfaction, qu’on peut également voir, sur le plan de l’histoire esthétique, comme le moment d’émergence d ’une modernité abstraite. La poésie wordsworthienne, qui a pour ambition de refonder le langage et les formes poétiques par un retour à l’authenticité de la nature, apparaît indissociablement comme une rupture avec un mode essentiel de la première modernité anglaise, celui des Géorgiques. Elle prend ainsi acte de la crise de la représentation qui affecte l’optimisme du XVIIIe siècle et qui empêche désormais de voir dans le paysage la manifestation d’ un ordre providentiel. Le « romantisme » anglais est ce qui surgit au défaut de la cosmologie, pour témoigner d’une fondamentale absence au monde. Cette évolution est ici étudiée en deux temps. On s’attachera d’abord à retracer, dans son détail, la trajectoire de la poésie de jeunesse de Wordsworth et de Coleridge, pour montrer que le moment refondateur de Lyrical Ballads intervient au terme d’un épuisement des formes et de la topique qui garantissaient traditionnellement l’intelligibilité du cosmos. Et l’on abordera ensuite trois moments distincts de la maturité poétique de Wordsworth [1798, 1802, 1807], qui suggèrent que le retour de l’idéologie dans son œuvre répond intimement à l’ébranlement radical dans lequel elle trouve son inspiration. / It is remarkable that Wordsworth should still be seen as the quintessential nature poet, when his poetry actually marks the demise of a well-established descriptive tradition in 18th-century English literature: depictions of landscape are much shorter and much less frequent in Wordsworth than in any of his predecessors. The present dissertation explores this paradox, a paradox which in historical and aesthetic terms could be read as heralding a « modern » shift towards abstraction. Wordsworth’s attempt to regenerate the forms and language of poetry through a recovery of « natural » authenticity amounts to a break with the Georgic mode crucial to English early modernity. It stems from the crisis in representation which attended the darkening of 18th-century optimism and meant that landscape could no longer be perceived as evidence of an immanent world-order. Romanticism in Wordsworth registers the default of cosmological discourse. I have tried to analyse this break in a twofold manner. The first part of this dissertation attempts to retrace, through close readings of Wordsworth’s and Coleridge’s early poetry, the gradual exhaustion of shared or conventional forms and meanings which led to the foundational moment of Lyrical Ballads. The second part, on the other hand, is concerned with Wordsworth’s subsequent evolution and attempts to chart it from three distinct moments [1798, 1802, 1807], suggesting that the poet’s increasing reliance on a conservative ideology is intimately bound up with the earlier, more radical aspects of his work.

Cette thèse explore le fonctionnement de la poésie moderniste américaine sous l’angle de la relation. Critiquant la rhétorique de la rupture généralement associée à l’esthétique des avant-gardes modernistes, notre parcours suit la ligne sinueuse de la poétique de la relation de H.D. [1886-1961] à Robert Duncan [1919-1988]. Loin de tracer une trajectoire chronologique entre ces deux points, qui ne sont pas envisagés comme les œuvres-limites d’un nouveau canon, cette étude a pour point central The H.D. Book. La poésie dite de l’après-guerre émerge comme celle d’un perpétuel entre-deux-guerres, et sa postmodernité, comme une illusion. L’analyse montre que le passage du modernisme historique à son avatar métamoderniste s’effectue par la reconfiguration du mode disjonctif en mise en relation. Ligne fuyante du modernisme, la relation Duncan-H.D. est une utopie. C’est pourquoi elle permet sa critique. Celle-ci implique le passage d’une politique individuelle de l’invention [Pound, Eliot…] à une éthique de l’écriture. Cette aventure, fondée sur des échanges poétiques et épistolaires publiés et inédits, passe par Eliot, Pound, Levertov, Olson et Creeley, mais aussi par Mallarmé, Baudelaire, Valéry ou encore Deleuze, Meschonnic et Glissant. Du H.D. Book à Ground Work, comme de Hymen à Trilogy, la philosophie du devenir, qui s’étend de l’héraclitéisme à la relation d’Édouard Glissant, en passant par le flux bergsonien et par l’empirisme radical de Williams James, offre un cadre conceptuel propre à rendre compte de l’écriture comme processus, de l’espace poétique comme champ de composition, du texte comme système complexe et du poème comme projet. / Starting with a critique of the rhetoric of rupture that is ordinarily closely linked to avant-garde aesthetics, this dissertation seeks to probe the ground of modernist American poetry through a poetics of and as relation. Viewing modernism and postmodernism from this standpoint has dramatic consequences on the assumptions of language theory and innovative poetry. Steering away from a single or dual literary portrait, this study follows the winding path relating early modernism to its metamorphic—or metamodernist—version. Largely focused on the late works of H.D. and Robert Duncan, my objective is not to establish the personal or literary boundaries of another counter-canon. Rather, the Duncan-H.D. line provides a critical outlook on the stakes of nodal or network writing. This involves a shift from the individual’s politics of invention [Pound, Eliot…] to an ethics of relational composition [Duncan, H.D.…]. Therefore, the emphasi! s is laid on published and unpublished poetic exchanges and epistolary relations also involving Levertov, Olson, Pound, and Creeley among others, gradually producing the multilinear mapping of a nomadic poetry. Duncan and H.D.’s relational poetics, as evidenced by The H.D. Book and Ground Work, or Hymen and the War Trilogy, draw on a “boundless creational field,” which is predicated on the Jamesian “lines of influence” and the Deleuzian “lines of flight,” ultimately underwriting Glissant’s philosophy of relation and Meschonnic’s groundbreaking language theory. H.D.’s Sapphic rewriting of classic symbols into complex images, like Duncan’s field poetics and serial writings, provide the ground for a reworking of twentieth-century modernism.

Ce travail de recherche se base sur l’analyse des quotidiens généralistes sénégalais Le Soleil (1970-2012), Le Sud Quotidien (1984-2012) et Walfadjri (1984-2012). Cette étude vise à décrire la place du sport et des pratiques corporelles dans les journaux sénégalais. En d’autres termes, il s’agit de comprendre comment le sport est représenté, construit et cultivé dans cette presse afin de satisfaire un public très divers, regroupant à la fois des intellectuels et des analphabètes. De quels outils les journalistes des quotidiens disposent-ils dans la valorisation des images et des messages sportifs au Sénégal ? Cette recherche tente de montrer que le sport, véhiculé par les plus grands quotidiens généralistes postcoloniaux, évolue en fonction des régimes politiques qui se sont succédés depuis les indépendances en 1960 sous Senghor, en passant par la présidence d’Abdou Diouf et, enfin, par l’alternance politique de Wade durant les années 2000. En définitive, cette étude entend montrer que les journalistes de ces quotidiens s’approprient, par exemple, la lutte sénégalaise dans une perspective de promotion et de reconnaissance de l’identité et du patrimoine corporel national. Cette pratique culturelle et traditionnelle, appréciée par la population, fait partie d’un éventail d’activités sportives très diverses, qui pourraient révéler finalement le positionnement général, tant politique, social que culturel, d’un Sénégal tiraillé entre modernité et tradition. / This research work is based on the analysis of the Senegalese general dailies Le Soleil (1970-2012), Le Sud Quotidien (1984-2012) and Walfadjri (1984-2012). This study aims to describe the place of sport and bodily practices in Senegalese newspapers. In other words, it is a question of understanding how sport is represented, constructed and cultivated in this press in order to satisfy a very diverse public, gathering both intellectuals and illiterates. What tools do newspaper journalists have at their disposal to promote sports images and messages in Senegal? This research attempts to show that sport, conveyed by the largest post-colonial generalist dailies, evolves according to the political regimes that have followed one another in Senegal: since independence in 1960 under Senghor, through the presidency of Abdou Diouf and, finally, during the political alternation of Wade in the 2000s. Ultimately, this study intends to show that the journalists of these dailies appropriate, for example, the Senegalese wrestling in a perspective of promotion and recognition of the national identity and physical heritage. This cultural and traditional practice, appreciated by the population, is part of a very diverse range of sporting activities, which could finally reveal the general political, social and cultural positioning of a Senegal torn between modernity and tradition.

En Inde, la libéralisation économique des deux dernières décennies provoque plusieurs changements sociaux. Dans ce mémoire, je m'intéresse à l'un de ces changements: la transformation des comportements vestimentaires des jeunes femmes indiennes. De fait, il existe un décalage important, chez la classe moyenne urbaine, entre les mères et leurs filles qui portent des vêtements occidentaux. Ainsi, comment peut-on expliquer que les mères portent des vêtements traditionnels indiens, alors que les filles portent des vêtements occidentaux? Ce mémoire se penche sur la signification sociologique de cette transformation, alors que dans une perspective empirique, il explore le sens que les jeunes femmes de classe moyenne urbaine confèrent à leurs comportements vestimentaires. Afin de répondre à ces questions, j'ai effectué, suite à une recension des écrits, une ethnographie à Delhi en Inde. Cette ethnographie m'a permis de faire plusieurs observations (participantes, directes et indirectes), de réaliser des entretiens approfondis avec des jeunes femmes indiennes et d'autres informateurs impliqués dans le phénomène étudié et de mieux comprendre le contexte de l'Inde contemporaine. Cette ethnographie représente la base sur laquelle reposent mes résultats de recherche. D'un point de vue analytique, ce mémoire aborde trois axes: le sens et la signification que les jeunes femmes attribuent à leurs comportements vestimentaires, les instances de légitimation et de « délégitimation » de cette transformation vestimentaire et comment celle-ci est révélatrice de transformations plus globales qui caractérisent la modernité indienne. En ce sens, les jeunes femmes portent la modernité parce qu'elles aspirent à être indépendantes, fortes et à exprimer leur individualité, mais elles espèrent aussi être acceptées par leurs pairs. Ainsi, la dualité entre le désir d'expression de soi et le désir d'être comme les autres, de ne pas rompre complètements avec les normes traditionnelles, est au coeur de la transformation des comportements vestimentaires des jeunes femmes. De même, cette tension se traduit dans la société alors que certaines instances, comme la famille, l'université et le marché du travail légitiment ces comportements, tandis que l'institution de la belle-famille et certains groupes religieux résistent et contestent l'adoption des comportements vestimentaires occidentaux par les jeunes femmes indiennes. Enfin, les paradoxes qui caractérisent ce phénomène, comme la modernité indienne, touchent directement le contrôle de la sexualité et du corps des femmes, la dialectique individu/société et le rapport de l'Inde à l'Occident. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Modernité indienne, Jeunes femmes indiennes, Delhi, Vêtement, Comportements vestimentaires occidentaux, Altérité, Normes vestimentaires.

Au cours des premières décennies du XXe siècle, la ville de Montréal se transforme rapidement et la population vit au rythme des changements qu'apportent les progrès de la vie moderne. En l'espace de quelques années, le paysage urbain montréalais voit apparaître de nouveaux modes de transport, des édifices toujours plus hauts, des grands magasins et de nombreux établissements à vocation culturelle, tels les théâtres, les cinémas ou les cabarets. L'influence de la radio, des journaux et des revues est incontestable, et l'impact de la culture américaine sur la culture populaire montréalaise semble désormais évident. Le milieu artistique québécois n'échappe pas à tous ces bouleversements et de nombreux peintres désirent, eux-aussi, faire le saut dans la modernité. Tel est le cas d'Adrien Hébert, qui notamment, par ses représentations de rues montréalaises, se porte à la défense des valeurs associées à la modernité, à la culture populaire, aux progrès techniques et à l'influence grandissante des États-Unis dans le mode de vie de la population. Malgré une technique assez classique, les oeuvres d'Hébert révèlent une modernité assurée, mais elles sont également empreintes d'une certaine américanité, celle associée à un espace urbain et contemporain. Les oeuvres d'Hébert font ainsi l'apologie du monde urbain, moderne et contemporain, dans lequel semble évoluer une population en parfaite harmonie avec son environnement. La réalité n'est cependant pas aussi simple puisque l'emprise du discours traditionnaliste de l'élite clérico-nationaliste est encore bien réelle à l'époque de l'entre-deux-guerres. Les tableaux d'Hébert représentent alors une réalité idéalisée par les valeurs et les idées que préconise l'artiste. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art au Québec 1920-1940, Adrien Hébert, Montréal, Urbanité, Modernité, Américanité.

Ce mémoire porte sur les mouvements migratoires contre-centriques, à la fois contre-courant de la ville et de la modernité. Ces mouvements, certes statistiquement marginaux, soulèvent la question de l'attractivité spécifique de la marginalité géographique, et plus spécifiquement l'appréciation de la ruralité comme milieu de vie. Cette valeur symbolique du rural prend d'autant plus d'importance dans un contexte de mobilité géographique des populations, a fortiori chez les jeunes. Les décisions de migrations tendent ainsi à magnifier le rôle dévolu à chaque type d'espace dont la représentation est confrontée à la construction d'un projet de vie. Par ailleurs, les représentations du rural étudiées sont considérées comme émergeant d'un contexte idéologique visant à faire rupture avec la modernité. Plus précisément, ce mémoire aborde l'hypothèse d'un discours ruraliste contemporain qui constituerait une quête d'authenticité, à la fois à rebours et en continuité avec la modernité. Cette authenticité résiderait dans la conquête par soi-même d'une vérité profonde, sensible et naturelle, intime et intense. En ce sens, c'est la vacuité relative de l'espace rural qui se trouverait alors interpellée. Les données de cette étude ont été recueillies lors de rencontres de groupes visant à cerner les représentations respectives de la ruralité et de l'urbanité chez des jeunes ruraux ainsi que de jeunes urbains. Les participants mentionnaient un grand nombre d'énoncés sur la campagne et la ville et indiquaient pour chacun leur niveau d'attractivité. Il en résulte un portrait assez détaillé des expressions symboliques et normatives opposant la campagne et la ville comme milieux de vie. Dans un premier temps, on remarque à quel point les attractifs ruraux mentionnés par les participants coïncident avec des éléments d'une quête d'authenticité: tradition, nature, intimité et communauté, ce qui confirme très solidement notre hypothèse de départ. De plus, nous avons découvert que le nouveau partage symbolique urbain-rural peut être ramené à l'opposition canonique entre le privé et le public. La ville est la Cité, le lieu de la mise en commun des ressources, espace institutionnel et organisationnel, lieu de revendication et de consommation. Pour sa part, la ruralité apparaît non seulement comme un milieu de vie agréable, mais plutôt comme l'incarnation de l'idée même de milieu de vie. Lieu d'expression de l'intimité et du domestique, la campagne est aussi lieu de ressourcement, aux sources primaires et primordiales de la nature et de la culture à travers le paysage et la tradition. Mais l'opposition entre ville et campagne, ce lieu commun servant de point de départ de l'analyse, n'est pas toujours tranchée. En effet, on voit certes se profiler une différenciation fonctionnelle et symbolique des espaces, mais celle-ci tend toutefois à s'indifférencier dans l'usage et l'appartenance, sinon simultanés, du moins alternants, des deux types d'espace. La radicalisation des valeurs symboliques des espaces va ainsi de pair avec l'enchevêtrement de leurs foncions.