O projeto propõe-se a analisar o modo como os signos teatrais se organizam e se estruturam no processo de constituição de sentido do espetáculo de teatro de rua O vendedor de palavras, encenado pelo Grupo Mototóti no Parque da Redenção em Porto Alegre. O seu objetivo é observar o funcionamento do código teatral como conceito catalisador dos diversos elementos que constroem material e concretamente a obra cênica, refletindo a partir de estudos realizados por Anne Übersfeld, Patrice Pavis e Erika Fischer-Lichte, além de outros autores do campo da semiótica teatral. O debate acerca da teatralidade acontece no registro da presente pesquisa como parte de uma metodologia que inclui a análise dos diversos signos, a reflexão proveniente do modelo actancial greimasiano e o estudo do personagem. / This project aims at analysing how the theatrical signs are organized and structured in the process which leads to the creation of meaning in the outdoors presentation of the play O vendedor de palavras (The Seller of Words) by the Mototóti Group at Redenção Park in Porto Alegre, Rio Grande do Sul, Brazil. It is also its aim to observe the function of the theatrical code as a catalyst concept of the several elements that materially and concretely create a scenic work, theoretically based on studies by Anne Übersfeld, Patrice Pavis, and Erika Fischer-Lichte, as well as other authors who work in the field of the theatrical semiotics. The methodology used in the present research for the debate about the theatricality includes the analysis of the diverse signs, reflections from A. J. Greimas's actancial model and the study of character.

A presente dissertação, intitulada “Neoptólemo entre a cicatriz e a chaga: lógos sofístico, peithó e areté na tragédia Filoctetes de Sófocles”, busca analisar como Sófocles problematiza para a pólis ateniense o lógos sofístico, a ambigüidade da figura do sofista e os efeitos de tal posição sobre os valores e os significados, em um conflito com os padrões éticos da areté. Examina-se como os personagens Odisseu, Filoctetes e Neoptólemo, na interação dos seus discursos, põem em discussão os poderes, as limitações e os usos dos discursos, em especial o persuasório, a peithó. Trabalha-se com a hipótese de que existe no texto trágico um conflito de visões de mundo e de significados e de que as diferentes posturas dos personagens frente ao lógos constituem representações de discursos antagônicos, pertencentes ao repertório cultural da cidade ateniense do último quarto do século V a.C. Parte-se do pressuposto teórico de que a tragédia grega é uma arte política, que trabalha o mito e a pólis e os seus vocabulários, de forma que o Filoctetes de Sófocles (409 a.C.) discutiria temas caros à pólis como a comunicação e a educação, relacionados então com a ascensão dos sofistas. / This work aims to analyze how Sophocles discusses before the Athenian polis’ citizens sophistic logos, the ambiguous position of sophists, and their impact as a debate about values and meanings and as a conflict with the ethical standards related to arete. It is examined how the characters Odysseus, Philoctetes, and Neoptolemus deal with the possibilities, limits, and uses of speech in their interactions, rendering persuasion, peitho, as especially problematic. Considering that tragic poetry examines conflicts in meanings and standpoints, the characters’ different stances about logos are regarded as representative of opposing views available in Athens’ cultural repertoire in the last quarter of the fifth century BC. Theoretically, Greek tragedy is taken as a political art that operates with both myth and polis, its issues and vocabularies, so that Sophocles’ Philoctetes (409 BC) could be interpreted as a discussion of issues of great concern for Athens such as communication and education, both then inseparable from the rise of the sophists.

O presente trabalho é um estudo da construção discursiva/perceptiva da personagem feminina nas obras ficcionais Cien años de soledad (1967) e El amor en los tiempos del cólera (1985), e na obra memorialística Vivir para contarla (2002), de Gabriel García Márquez. O estudo pretende demonstrar a tese de que o gênero se constitui como uma ficção que resulta da performance da linguagem, mediante a qual se engendra o feminino. Trata-se de um processo que se assenta na matéria e no verbo, constituída a primeira pela nomeação dos corpos, e o segundo, pela performatividade, que resulta da instituição do verbo no discurso. A ficcionalização do gênero como uma estratégia de dominação e coerção, que aproxima a mulher da natureza, do primitivo e da casa, e lhe nega o espaço da cultura, do racional e do mundo, configura-se como produto dessa linguagem. Nossa metodologia de trabalho se assenta na análise do discurso, compreendido este como um espaço que se dispõe entre o espaço textual e o espaço representativo. A análise se concentrou nas relações possíveis entre espaço discursivo e espaço representativo. / This research is a study of female characters embodied in the discursive/perceptive construction of the ficcional works A Hundred Years of Solitude (1967) and Love in the Time of Cholera (1985), and also in the autobiographic work Living to Tell the Tale (2002) by Gabriel García Márquez. The objective of this thesis is to demonstrate that gender as ficcion results from the performance of the language through which the feminine is created. It is a process that is founded on tangible substance and on language. The first is named after the existing real bodies and the second by performativity, which is instituted after language and discourse. The ficcionalization of gender as a strategy of domination and coertion links women to nature, to the primitive world and to the household. At same time, this strategy, as a result of language, denies the women character the spaces of culture, of the rational and of the lifeworld. The metodology of this study is based on the analysis of discourse, which is a space in between the text and the representative space. The resulting analysis was focused mainly on the posible relations that exist between discursive space and representative space.

Cette thèse a pour but d’étudier certains aspects de la présence et de la construction du personnage du Noir dans la littérature dramatique française du XXème siècle et, plus spécifiquement, deux pièces de théâtre: La Putain respectueuse (1946) de Jean-Paul Sartre et Combat de nègre et de chiens (1979) de Bernard-Marie Koltès. Ce travail est divisé en trois grandes parties, subdivisées en chapitres. La première partie offre des éléments pour la mise en contexte de la représentation du Noir dans le théâtre français. Elle est divisée en deux chapitres: dans le premier, il s’agit d’un bref panorama du personnage du Noir dans le théâtre français du XXème siècle, élaboré à partir de Du Noir au Nègre: l’image du Noir au théâtre, de Marguerite de Navarre à Jean Genet (1550-1960) (1998), étude de Sylvie Chalaye. Le deuxième chapitre présente des informations sur Les Nègres (1959) de Jean Genet, ainsi qu’une courte réflexion sur l’importance de cette oeuvre dans le processus de transformation de la représentation du Noir dans le théâtre français de 1940 à 1970. Dans la deuxième et la troisième parties, sont traitées, respectivement, La Putain respectueuse et Combat de nègre et de chiens. L’étude des deux obéit à une même organisation: initialement, un chapitre sur le parcours de chaque auteur, puis sur la genèse de chaque pièce. Ensuite, un chapitre pour l’analyse dramatologique de chaque texte (divisé en trois sous-parties: l’intrigue et l’organisation de l’action, l’analyse du temps et de l’espace, l’étude des personnages). Finalement, deux chapitres plus thématiques: l’un relatif au personnage du Noir dans chaque pièce, l’autre consacré à quelques questions d’interprétation, ce qui permet de dialoguer avec certaines études critiques qui se sont penchées sur le sujet. En guise de conclusion, les considérations finales s’efforcent d’offrir une vue d’ensemble de la thèse et cherchent à mettre en évidence quelques points en commun entre la pièce de Sartre et celle de Koltès, surtout en ce qui regarde l’image du personnage du Noir. / O objeto de estudo desta tese de doutorado é a verificação de aspectos da presença e construção do personagem negro na literatura dramática francesa do século XX, com base em duas peças teatrais: La Putain respectueuse (1946), de Jean-Paul Sartre, e Combat de nègre et de chiens (1979), de Bernard-Marie Koltès. O trabalho divide-se em três partes, subdivididas em capítulos. A primeira parte versa sobre elementos de contextualização da representação do negro no teatro francês, segmentada em dois capítulos: no primeiro, um rápido panorama histórico a partir do estudo apresentado por Sylvie Chalaye em Du Noir au Nègre: l’image du Noir au théâtre, de Marguerite de Navarre à Jean Genet (1550-1960) (1998). O segundo contém informações sobre Les Nègres (1959), de Jean Genet, bem como uma breve reflexão sobre a importância dessa obra no processo de transformação da representação teatral do negro entre a década de 1940 e 1970. A segunda e terceira partes tratam, respectivamente, de La Putain respectueuse e Combat de nègre et de chiens. Ambas possuem exatamente a mesma estrutura, iniciando pelos percursos dos autores, e, na sequência, a gênese das peças, as análises dramatológicas dos textos (divididas em três seções: intriga e organização da ação; tempo e espaço; e personagens) e encerrando com reflexões mais temáticas: uma relativa ao personagem negro em cada um dos textos e outra acerca das questões de interpretação, num diálogo direto com alguns estudiosos e críticos e suas diferentes propostas de olhares. No fechamento da tese, à guisa de conclusão, são apresentadas as considerações finais, retomando o conjunto abordado na pesquisa e estabelecendo alguns pontos de aproximação entre as peças de Sartre e Koltès, principalmente no que diz respeito à imagem do personagem negro.

O tema de minha tese de doutorado é o estudo de representações da personagem histórica feminina Anna Bolena, configuradas em textos do âmbito da história e do âmbito da literatura contemporâneas. O corpus analisado na pesquisa é composto pelos romances de língua inglesa contemporâneos: The Secret Diary of Anne Boleyn (1997), da escritora estado-unidense Robin Maxwell; e Dear heart, How Like You This? (2002), da escritora australiana Wendy J. Dunn. E pelos textos do registro histórico: Life and Death of Anne Boleyn: The Most Happy (2004), de Eric Ives; e Anne Boleyn, capítulo do livro Six Wives: The Queens of Henry VIII (2003), de David Starkey. Ambos acreditados historiadores britânicos. Tendo em vista o corpus assinalado, busco demonstrar ao longo do estudo a tese de que tanto discursos históricos quanto discursos literários anglófonos contemporâneos constroem índices diferenciados de legitimidade e visibilidade à personagem histórica Anna Bolena; cuja importância histórica foi, até recentemente, negada e diminuída através de processos de envilecimento, deslegitimação, silenciamento e apagamento. Dentre as conclusões, destaco a confirmação da tese proposta. Ou seja, os discursos históricos e literários estudados se apropriam da figura de Anna Bolena em um movimento de resgate e reabilitação da memória apagada, fragmentada, vilanizada e demonizada da personagem histórica. Os historiadores, Ives e Starkey, reescreveram a história de Anna, com base em novas evidências surgidas no final do século XX; bem como, em uma investigação acurada e novas interpretações das informações presentes em fontes já conhecidas. O resultado é que Anne ganhou visibilidade e legitimidade históricas, na medida em que aspectos da vida dela, antes desconsiderados, como a educação e o envolvimento na Reforma Religiosa, passaram a ser representados em discursos de prestigiados historiadores britânicos. Ao se tornar o centro de discursos acreditados, Anna Bolena é legitimada e se torna visível no quadro histórico. As romancistas, Dunn e Maxwell, desconstroem mitos negativos em torno da personagem histórica ao apresentá-los sob uma nova perspectiva. Os textos literários, devido à liberdade imaginativa, que lhes é peculiar, dão ênfase, especialmente, a um aspecto não coberto pela história devido à escassez de fontes: a psicologia da personagem. Nos textos híbridos que surgem da intersecção entre literatura e história, passado e presente, ex-colônia e ex-metrópole, o passado é re-escrito com as tintas vivas de um presente marcado por movimentos e expressões de descolonização. / The theme of my PhD research is the study of representations of Anne Boleyn in texts from contemporary literature and history. The corpus analyzed in the research is composed of the novels The secret diary of Anne Boleyn, by the North American novelist Robin Maxwell; and Dear heart, how like you this?, by the Australian novelist Wendy J. Dunn. And the historical texts Life and Death of Anne Boleyn, by Eric Ives; and "Anne Boleyn", chapter of the book Six Wives: The Queens of Henry VIII, by David Starkey. Both are credited British Historians. Considering the corpus, I demonstrate the thesis that contemporary Anglophone historical discourses, as well as, contemporary Anglophone literary discourses, build different hints of legitimacy and visibility to the historical character Anne Boleyn, whose importance was denied and diminished, until a short time ago. And so it is. The literary and historical discourses analyzed appropriate the image of Anna Bolena in a movement towards rescuing and rehabilitating her memory, which was erased, fragmented, vilified, and demonized. The historians, Ives and Starkey, wrote new versions of her life history based on new evidence found at the end of the twentieth century, as well as, on accurate investigation and fresh interpretations of old sources. They included, in their report, aspects not considered before, such as her education and her participation in the English Religious Reformation. The result of all these procedures is that Anne achieved visibility and legitimacy in the historical scene. The novelists, Dunn and Maxwell, deconstruct negative myths about Anne Boleyn presenting them according to a new perspective. The literary texts, because of their imaginative freedom, especially emphasize an aspect that, due to lack of sources, is not covered by history: the psychology of the character. In these hybrid texts that emerge from the intersection between literature and history, past and present, former metropolis and former colony, the past is re-written with the vivid colors of the present, that are marked by movements and expressions of de-colonization.

A escritora inglesa Jane Austen possui, além do status de autora canônica, um apelo popular não apenas em função de sua qualidade como escritora, mas também pela força imagética de suas obras quando adaptadas para o cinema. Em Amor e Inocência (2007), o diretor Julian Jarrold apresenta um episódio ocorrido na vida da autora, com base em fatos extraídos da biografia Becoming Jane Austen, escrita em 2003 por Jon Spence. O filme explora um possível envolvimento entre a jovem Jane e o estudante irlandês Tom Lefroy. Essa produção, enquanto apresenta o início da carreira da escritora, sugere que o trauma da relação mal sucedida com Lefroy possa ter sido a fonte temática que inspirou sua obra ficcional posterior. Esta dissertação verifica de que forma o filme articula as questões históricas sobre a vida de Austen com as situações ficcionais apresentadas em seus romances para chegar a um produto final tão coeso e verossímil, embora ficcional. Especial atenção é dada ao estudo da construção da personagem protagonista, que resulta da combinação entre o conteúdo imagético das obras de Austen e os elementos biográficos pesquisados por Spence. Além dessas fusões, há ainda que ser considerado o ícone Jane Austen, que habita o imaginário dos ingleses e dos leitores pelo mundo afora. Na evolução das adaptações fílmicas das obras de Austen testemunhamos a fusão entre as personagens e a própria autora, especialmente no caso de Elizabeth Bennet, em Orgulho e Preconceito (1813). Para realizar esta análise, lanço mão dos conceitos de adaptação e apropriação propostos por Linda Hutcheon, e do conceito de metaficção historiográfica estabelecido pela mesma autora em A Poetics of Postmodernism: History, Theory, Fiction (1988). Ao término do trabalho, espero que esta discussão investigativa e argumentativa seja útil em três aspectos: contribuindo para o debate sobre autores usados como personagens na ficção derivativa contemporânea; identificando certas necessidades culturais que subjazem ao culto do ícone Jane Austen, conhecido como Austenmania; e verificando até que ponto o conceito de metaficção historiográfica dá conta de propostas narrativas em que a personagem histórica retratada é também uma escritora. / Jane Austen enjoys more than the status of canonical author: she is also popular not only because of her achievements as a writer but also for the cinematic appeal of her novels. In Becoming Jane (2007), director Julian Jarrold presents the story of Jane Austen from an episode occurred early in the author’s life. Based on facts extracted from Jon Spence’s biography Becoming Jane Austen (2003), the film explores a supposed relationship between young Jane and an Irish Law student, Tom Lefroy. In Becoming Jane we witness the beginning of Austen’s writing career, and the film speculates that the trauma of a failed relationship with Lefroy was the inspiration for Austen’s mature novels. This work verifies the ways in which the film articulates the historical aspects of Jane Austen’s life with fictional events as presented in her novels to reach a cohesive and credible – although fictional – result. Special attention is paid to the process of constructing a fictional Jane as main character, combining the images contained in her novels with the biographical elements presented by Spence; it is also considered in this analysis the evolving nature of Jane Austen as an icon that inhabits not only the English imaginary but also that of readers all over the world. In the evolution of Austen filmic adaptations, we witness a fusion between her characters and the author herself, especially Elizabeth Bennet from Pride and Prejudice (1813), which adds to the intertextual layers of any film analysis. To deal with the questions of film adaptations, I refer to the concepts of adaptation and appropriation as posed by theoretician Linda Hutcheon. For the specific analysis of the phenomenon of author as character, I turn again to Linda Hutcheon and the concept of historiographic metafiction presented in A Poetics of Postmodernism: History, Theory, Fiction (1988). I hope, by the end of this thesis, that this investigative and argumentative analysis is helpful in three instances: contributing to the discussion of the use of authors as characters in contemporary fiction, be it filmic or literary; identifying the cultural needs of readers and critics that perpetuate the cult of Jane Austen, known as Austenmania; and verifying to what extent historiographic metafiction alone is enough to deal with narratives in which the historical character portrayed is also a writer.

Este trabalho versa sobre as personagens de tipo marginal através da análise do texto de duas peças teatrais contemporâneas. A primeira obra é Dois perdidos numa noite suja (1966), de Plínio Marcos, e a segunda Nossa vida não vale um Chevrolet (1990), de Mário Bortolotto, dois importantes dramaturgos brasileiros que apresentam alguns interessantes pontos de encontro e também de distanciamento passíveis de análise. Para examinar as diferenças na construção de personagens marginais feita por cada um dos dramaturgos, foram selecionadas duas peças de temática semelhante: ambas são protagonizadas por personagens que atuam como ladrões. No entanto, em Plínio Marcos as personagens são conduzidas à marginalidade como meros fantoches do destino, enquanto em Mário Bortolotto o ato de ser marginal integra, desde o início da peça, a identidade dos protagonistas. A análise irá contar, principalmente, com as teorias sobre a personagem do teatro, de Décio de Almeida Prado, com as análises da figura do malandro, feitas por Antonio Candido e por Roberto DaMatta, e sobretudo com a ideia de substituição do malandro pelo marginal, desenvolvida por João César Rocha. Em virtude de ambas as peças terem sido adaptadas para o cinema, isso também será contemplado nesta dissertação. A peça de Plínio Marcos teve duas adaptações, as quais foram intituladas Dois perdidos numa noite suja (1970) e 2 perdidos numa noite suja (2002), e a versão da peça de Bortolotto teve o título alterado para Nossa vida não cabe num Opala (2008). Essas adaptações serão aqui abordadas a fim de verificar se as características desses marginais se mantêm nessa outra linguagem que confere à personagem maior autonomia em relação aos seus criadores originais. Ao final de todas essas etapas, esta pesquisa pretende examinar a possibilidade de ver no malandro a origem do marginal e como, em virtude do diferente contexto histórico de ambos os dramaturgos, essa condição é responsável por distanciar dois autores sempre tão comparados. / This dissertation is about the marginal character type by analyzing the texts of two contemporary dramas. The first one is Dois perdidos numa noite suja (1966) by Plínio Marcos, and the second one is Nossa vida não vale um Chevrolet (1990) by Mário Bertolotto, two important Brazilian playwrights that present some interesting common elements as well as differences that can be examined. In order to investigate the different constructions of marginal characters created by the playwrights, two plays were selected according to a similar theme: both plays present thieves as main characters. However, in Plínio Marcos’s play the characters are conducted to a marginal life in the condition of fortune’s puppets, while in Mário Bortolotto’s, the act of being a marginal, since the beginning of the play, is a part of the character’s identity. The analysis will be based upon the theories regarding drama characters by Décio de Almeida Prado, the analysis of the Brazilian malandro character by Antonio Candido and by Roberto DaMatta, and, above all, the idea of the replacement of malandro by marginal, developed by João César Rocha. Considering both plays have movie adaptations, it will be a topic studied in this dissertation as well. Plínio Marcos’s play had two movie adaptations Dois perdidos numa noite suja (1970) and 2 perdidos numa noite suja (2002), and the movie version of Bortolotto’s play had a different title as Nossa vida não cabe num Opala (2008). The adaptations will be analyzed in order to verify if the traces of these marginal characters are maintained in the cinema language, since it grants more autonomy to the characters, compared to its original creation. In the end, this research intends to investigate the possibilities of seeing the origin of the marginal in the figure of the malandro and to examine how this view, originated from the historical differences in the context of these two playwrights, is responsible for the distance between these two authors often compared.

Orientador: José Alves de Freitas Neto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-17T20:23:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pereira_Priscila_M.pdf: 27248639 bytes, checksum: 801076349c108b5c8a789f5258de65f3 (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: Esta pesquisa analisa as representações do gaucho nos quadrinhos de Inodoro Pereyra, personagem criada pelo humorista argentino Roberto Fontanarrosa na década de 70 do século XX. Nascido como uma paródia da literatura gauchesca, do radioteatro e do folclore argentino, a trajetória do renegau retoma a metáfora sarmientina civilização e barbárie, que atravessa não só a história deste país, mas se inscreve na tradição política de toda a América Latina. Neste sentido, através dos quadrinhos deste gaucho é possível rediscutir importantes questões que marcaram a história da República Argentina, tais como as oposições entre pampa e litoral, unitários e federais, nacionalismo e cosmopolitismo, e que compõem a imagem de uma nação dividida. Além disso, a epopéia vivida pela personagem permite que redimensionemos o tema "as duas Argentinas", tendo em vista que este quadrinho está transpassado por imagens relacionadas ao imaginário social desta nação / Abstract: This research analyzes the representations of the gaucho in the comics of Inodoro Pereyra, a character created by the Argentine comedian Roberto Fontanarrosa, in the 70s of the twentieth century. Born as a parody of Gauchesca literature, of radiotheater and of Argentine folklore, the renegau's trajectory retakes the sarmientina metaphor of civilization and barbarism, which crosses not only the History of this country, but also inscribes itself in all Latin America's political tradition. In this sense, through the comic of this gaucho, it is possible to rediscuss important issues that have marked the history of the Argentine Republic such as the oppositions between pampa and coast, unitary and federal, nationalism and cosmopolitanism, which composes the image of a divided nation. Moreover, the epopee experienced by the character allows us to resize the theme "two Argentinas". Considering that, this comic is transfixed by images related to the social imagination of this nation / Mestrado / Politica, Memoria e Cidade / Mestre em História

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:10:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao JOANISE.pdf: 823703 bytes, checksum: b58483b59959c8bd85279a668df46eb9 (MD5) Previous issue date: 2006-09-04 / This study aims at investigating the connection between teachers real lives and the fictional version of these lives in soap operas. Its main concern is to check if teachers identify themselves with the characters representation of teachers. Soap operas in Brazil are famous television drama programs watched by a great number of people and, most of the time; they portray ordinary models of identity. This enables viewers to project themselves into these models either being them real or fictional models of representation. Through questionnaires, teachers - from public schools in Goiânia - revealed what they think of these models of representation. These instruments of data collection gave access to a general historical view of the representation of teachers in Brazilian soap operas from 1951 to 2006. Based on the studies of Martín-Barbero (1998; 2001; 2003; 2004) and Orozco Gómez (1998) the results show that teachers professional identity interacts with the images portrayed in the soap operas which interferes with their interpretation and making-sense of the fictional image and their own real professional identity. / Esta investigação teve como foco a relação entre o professor da vida real e o personagem-professor das telenovelas brasileiras, buscando saber se o docente se reconhecia na representação de professor da ficção. No cerne dessa questão está o fato de que, além de ser o programa de maior audiência no Brasil, a telenovela oferece modelos de identidade, extraídos e remodelados do cotidiano, bem como possibilita ao brasileiro ver-se na tela, ainda que, na maioria das vezes, de modo mais idealizado que real. A necessidade de conhecer e analisar os modelos de professor que a telenovela faz veicular e o que pensam os docentes acerca dessas representações levou ao resgate histórico do personagem-professor presente na telenovela brasileira no período de 1951 a 2006. Suscitou também a sondagem por meio de questionário e observação dos critérios adotados pelos docentes da Rede Pública Municipal de Ensino de Goiânia na sua identificação (ou não) com esses personagens das novelas. Com o aporte teórico dos estudos culturais de recepção, na perspectiva de Martín-Barbero (1998; 2001; 2003; 2004) e Orozco Gómez (1997), propus a identidade profissional docente como uma mediação que articula a relação dos professores com os conteúdos da televisão e, de modo particular, intervém na leitura, interpretação e produção de sentido perante as imagens de professores nas telenovelas.

Made available in DSpace on 2017-07-10T18:26:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Douglas Meneghatti.pdf: 1037414 bytes, checksum: 6c34aede2731797a640b2396e89f86f6 (MD5) Previous issue date: 2014-06-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Nietzsche and Socrates are considered watershed thinkers and carried opposite ideas of allegedly secure and gloomy times, they both knew how to detect the gaps, or better, the historical and cultural illness that they belonged to, and which they lived, grew up and made of their lives a continuous exercise of philosophizing. This proximity of both philosophers is torn for antagonistic project that reveals, at once, the hardest opposition and the most nearness between both thinkers. The so acute and staunch criticism that are drawn by Nietzsche against Socrates in works such as The birth or tragedy and Twilight of the idols, in which appears malign expressions as devil , dying and illness ; are eased by intermediate paintings that make a friendly scenery, in which rises the shining figure of Socrates that comes as free Spirit , "big rich irony in mystery" and as "Teacher Apollonian". Nietzsche brings Socrates in every work, sometimes with shocking criticism and sometimes by suddenly praises. Analyzing the Socrates images through the Nietzsche philosophy lights allow us to travel into the deepest subject that the Germany Philosopher dealt: the diversity of characters Socrates reveals the dynamic and even the Nietzsche diversity that shows a philosophy in contrast come-to-be (Werden), in a process that is flexible and bellicose at the same time, through the philosophy is built while effective (Wirklichkeit), in a continuous pursuit for overcoming oneself (Selbst), this requires an unconditional love for the life in its misfortune (Verhängniss). The whole work is a presentation of images of Socrates under Nietzsche views, in order to show the mainly traces that built the complex theoretical relationship between both thinkers, as well as the elements that give us the possibility of thinking in a overcoming of the man built by Socrates while theoretical man prototype. Nietzsche diagnostics in this human being the genesis of the decadence of the Western that develops itself under the eagis of the Socrates idea of fearlessness of death, thanks to the knowledge and to the dialectic procedure, that characterize the image of the dying Socrates, mainly aim of the Nietzsche attacks. Thus, first, through a mapping of the images of Socrates in his works and in the posthumous fragments of the German philosopher, will be possible to have a vision more specific of the Nietzschean thought. Then considering the work Ecce Homo, in which there are some central points of his works, it will seek for elements that distinguish Nietzsche and Socrates as an expression of the maximum western decadence. / Nietzsche e Sócrates são considerados pensadores divisores de água e, como antinomias de tempos pretensamente seguros e sóbrios, ambos souberam detectar as lacunas, ou melhor, o adoecimento histórico-cultural a que pertenciam, no qual viveram, cresceram e pelo qual fizeram de sua vida um contínuo exercício de filosofar. Essa proximidade entre ambos é dilacerada por projetos antagônicos que revelam, ao mesmo tempo, a mais dura antinomia e a mais branda proximidade entre os pensadores. As críticas tão agudas e ferrenhas que são desenhadas por Nietzsche contra Sócrates em obras como O Nascimento da tragédia e o Crepúsculo dos ídolos, nas quais surgem nefastas expressões como demônio , moribundo e doente , são amenizadas com pinturas intermediárias que compõem um cenário cordial, no qual emerge sútil complacência à luminosa figura de Sócrates que desponta como Espírito livre , grande irônico rico em mistérios e como Professor Apolíneo . Sócrates perpassa toda a obra nietzschiana, em meio às mais chocantes críticas e a repentinos elogios. Uma análise das imagens socráticas à luz da filosofia nietzschiana permite navegar nos temas mais profundos abordados pelo filósofo alemão: a diversidade das personagens Sócrates revela a dinamicidade e a própria diversidade de Nietzsche, que apresenta uma filosofia em constante vir-a-ser (Werden), num processo, conjuntamente, belicoso e flexível, pelo qual a filosofia é construída enquanto efetividade (Wirklichkeit), numa busca contínua pela superação de si-mesmo (Selbst), que requer um amor incondicional à vida em sua fatalidade (Verhängniss). O conjunto do trabalho é uma apresentação das imagens de Sócrates no corpus nietzschiano, para mostrar os traços principais que compõem a complexa relação teórica entre os pensadores, bem como os elementos a partir dos quais é possível pensar uma superação do homem socrático enquanto protótipo do homem teórico . Nietzsche diagnostica nesse homem a gênese da decadência ocidental, que se desenvolveu sob a égide do brasão socrático do destemor à morte, graças ao saber, e ao procedimento dialético, que caracterizam a imagem do Sócrates moribundo, principal alvo dos ataques nietzschianos. Desse modo, primeiramente, através de um mapeamento das imagens de Sócrates nas obras e nos fragmentos póstumos do filósofo alemão, poder-se-á ter uma visão mais específica do pensamento nietzschiano, em seguida, levando em consideração a obra Ecce homo, na qual aparecem os pontos centrais dos seus escritos, buscar-se-ão os elementos que distanciam Nietzsche de Sócrates enquanto expressão máxima da decadência ocidental.