Orientador: Antonio Fernando da Conceição Passos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-11T06:00:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Seki_CeliaHarumi_D.pdf: 2731695 bytes, checksum: 61a864c82617352109523856e33f8e7a (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Esta pesquisa apresenta como tema principal o processo de criações artísticas audiovisuais inspiradas em textos literários. Da leitura dos textos poéticos decorrem imagens e sensações de caráter singular, que são transpostas para obras audiovisuais. A pesquisa realizada na área de Cinema e Literatura, dentro da linha de pesquisa ¿CINEMA FICCIONAL: HISTÓRIA E PROCESSOS CRIATIVOS¿, tem como objetivo expor o desenvolvimento do fazer criativo da autora, através de sua história pessoal, memórias, sentimentos, sensações estéticas concretizadas nas realizações de filmes e vídeos sob o tema geral do Exílio / Abstract: This research has in its main subject the process of audiovisual artistic creations inspired in literary texts. From the lecture of poetic texts results images and sensations of a singular nature, that are transported to audiovisual works. The research has been realized in ¿Movies and Literature¿ area, and focused in the research line ¿FICTIONAL MOVIES: HISTORY AND CREATIVE PROCESSES¿, with the purpose to expose the author¿s creative work development through her personal history, memories, feelings, aesthetics sensations realized in the creations of films and videos in the light of Exile general subject / Doutorado / Doutor em Multimeios

Esta pesquisa trata dos elementos de linguagem do Design Audiovisual, pensados como um sistema de signos auditivos, visuais e verbais, simultaneamente transmitidos, enfatizando suas relações e composição transversal no tempo e espaço. Como disciplina nova do Design, o Design Audiovisual nasce do cinema, se desenvolve com a televisão, incorpora os elementos do Design Gráfico e se aperfeiçoa com a informática, tendo seu processo agilizado pela da tecnologia digital emergente pós anos 1990. A evolução da tecnologia de pré-produção, produção e pós-produção nos meios audiovisuais, mais especificamente no cinema, e a crescente possibilidade da criação de um design audiovisual digital complexo, levou-nos a discutir e constatar a necessidade de um modelo para demonstrar esta pluralidade de elementos, frágeis e imprevisíveis, como bolhas de uma espuma. Para tanto, foi proposto o Modelo da Espuma Audiovisual. A tese fundamenta-se, principalmente, na teoria de Lucia Santaella, em Matrizes da linguagem e pensamento, que forneceu ferramentas para a análise destas relações; e do filósofo alemão Peter Sloterdijk, que suportou a proposta do Modelo da Espuma pelo seu caráter metafórico, sistêmico e complexo. Como procedimento empírico, foram realizados estudos de caso de Design Audiovisual de Créditos de Abertura de filmes e, ao final do processo, desenvolveu-se o projeto experimental do Modelo da Espuma Audiovisual, que se transformou em uma Instalação 3D Imersiva, denominada \"Paixão e Violência\". Visa contribuir para a formação ou atualização de designers inseridos no início de século XXI, em meio ao cenário contemporâneo, por isso seu caráter abrangente. Os resultados esclarecem sobre as características dos elementos de linguagem do Design Audiovisual, não apenas como elementos \"emprestados\" de outras linguagens, mas portadores de identidade própria, híbrida, complexa, frágil e única. / This research deals with Audiovisual Design language elements, elaborated as an audio/visual/verbal system that simultaneously transmits all its elements, emphasizing their relationship and their transversal composition in time and space. Originally from Cinema, Audiovisual Design originate a new discipline in Design, develops along with Television, feeds from Graphic Design elements and improves with Informatics; it has its own process expedited by emergent digital technology post-1990. The evolution of pre-production, production and post-production in audiovisual mediums, more precisely in Cinema, plus an expanding perspective of creating more complex digital Audiovisual Design, leads us to a discussion yp identify the need of a model that would be able to demonstrate the plurality of these frail, unpredictable, \"bubbles in the foam\"-like elements. That was the beginning of the Audiovisual Foam Model thesis. The thesis fundaments come mainly from Lucia Santaella\'s theories of Language and Thinking Matrix, which are tools for understanding the mentioned relationships; and from the Dutch philosopher Peter Sloterdijk\'s work, that supported the Foam Model because of its metaphoric, systemic and complex character. As an empiric procedure, some study cases were made based on Audiovisual Design of Open Titles, and by the end of this process an experimental Project of the Audiovisual Foam Model was developed, leading to a 3D Immersive Installation named \"Passion and Violence\". This research aims to contribute to the academic formation and updating of designers in beginning of the XXI century, in the middle of its contemporary scenario, and to presents a comprehensive approach. The results brings about a clearer vision of the language elements of the Audiovisual Design, not only as \"borrowed\" elements from other disciplines but also as unique, hybrid, complexes elements on their own identity.

Depuis la fin du XXe siècle, notre monde a été affecté par une grande mutation des activités humaines. Dans cette mutation, les sciences de la cognition jouent sans doute un rôle central. Le développement des sciences cognitives, surtout depuis sa phase de Seconde Cybernétique, fait émerger de nouveaux paradigmes et offrent au monde humain la nouvelle génération des technologies de l'informatique – le numérique. En parallèle avec les technologies numériques qui ont profondément transformé le rapport sensible de l’être humain au monde, les dispositifs scientifiques et conceptuels mis en œuvre dans la Seconde Cybernétique ont également provoqué un grand retentissement dans tous les domaines scientifiques et philosophiques occidentaux. Ces dispositifs nous conduisent à ré-évaluer les connaissances déjà modélisé dans le cadre de la modernité à partir d’une approche totalement nouvelle, celle du système évolutif. Le retentissement de la Seconde Cybernétique a un impact fort dans le domaine de l'art. D'une part, les technologies numériques offrent à la création artistique de nouveaux moyens techniques de modélisation de l'œuvre d'art en s'accompagnant de l'apparition de nouvelles expressions artistiques, de nouvelles esthétiques et de nouveaux enjeux pour les représentations artistiques. D'autre part, les dispositifs conceptuels et scientifiques mis en place par la Seconde Cybernétique ont conduit les théoriciens de l'art et les esthéticiens à réévaluer les phénomènes artistiques (l’œuvre d’art, l’activité artistique, la perception esthétique, l’évolution culturelle de l’art, etc.) dans une perspective totalement nouvelle de l’esprit : le naturalisme de l’esprit. Mes travaux tentent de proposer une réflexion sur l’œuvre d’art en relation avec la cognition à partir des dispositifs scientifiques, technologiques et conceptuels constitués dans le cadre de la Seconde Cybernétique, mais aussi à partir des dispositifs conceptuels issus de l’art lettré traditionnel chinois. Les deux paradigmes de pensées du réel, tout en étant à l'origine de deux cultures très éloignées et très différentes, révèlent par contre un même principe de l'appréhension du monde. À partir de ce principe, la réalité doit être analysée en tant que phénomène d’émergence en cours relevant d'un rapport d'interaction ; le monde se définirait comme réseau des relations dynamiques capables de s'auto-organiser pour l’émergence de nouvelles structures. Cette approche du réel nous conduit à reposer la question de l’œuvre d’art, à la fois en tant qu’objet de création et en tant qu’objet de réception esthétique, à partir des nouveaux paradigmes liés aux processus d’émergence comme processus biologiques ou processus numériques. Cette thèse peut être résumée par les quatre points suivants : 1. L’art relève d’une capacité cognitive créatrice qui résulte de la phylogenèse de l’espèce humaine et qui est individualisé par le développement ontologique de chaque personne. 2. L’art, comme culture, relève d’un système d’appréhensions cognitives du réel ; ce système s’organise dans le même principe que l’algorithme évolutionniste basé sur la variation, l’accumulation, la sélection darwinienne et l’hérédité. 3. L’œuvre d’art relève d’une extériorisation expressive de l’artiste, de ses états mentaux, de son imaginaire du réel se produisant dans son cerveau ; la création de l’œuvre d’art s’inscrit dans un processus d’émergence qui relève d’un rapport dialectique s’effectuant entre un schéma mental se produisant dans le cerveau de l’artiste et son extériorisation progressive en œuvre d’art par les actions. 4. Les systèmes numériques, à la fois en tant qu’outils technologiques autant que paradigme de représentations du monde, constituent une interface d’interaction entre les différentes cultures dans le cadre de la création artistique. / Since the end of 20th century, our world has been affected by a grand mutation of human activities. The cognitive science plays the central role without any doubt in this mutation. The development of the cognition science, especially since its second cybernetic phase, does emerge new paradigms and offers a new computer science generation, digitization, to the world. In parallel with the digital technologies that has profoundly transformed human senses to the world, the scientific and conceptual devices implemented in the second cybernetics have also caused a great impact in almost all scientific and occidental philosophic aspects. These devices made determinant concepts for all contemporary theories of evaluative system in the world. We propose to, based on this concept, revaluate all modelled knowledge in the context of modernity. The impact of the second cybernetics has a strong impact in the art’s field, as well as in the theoretical studies of the art in the creation of art’s works. On one hand, digital technology, especially the artificial intelligence systems and devices from the second cybernetics, provides the artistic creation of new techniques for modelling the artwork accompanied by the emergence of new arts, new look and new challenges for the performing arts. On the other hand, conceptual and scientific arrangements put in place by the second cybernetics, led the art theorists and designers to evaluate the artistic phenomena (the work of art, the artistic aesthetic perception, cultural evolution, art, etc.) in a totally new perspective in mind: naturalism of spirits. My work attempts to propose a reflection on the work of art related to cognition which based on scientific, technological and conceptual devices, set up within the framework of the second network device, but also from the ancient chinese concept from the mind, especially taoist and chinese lettered thoughts.The two paradigms of thinking, while the origin of the two cultures are very remote and different, but released from the same principle of the understanding of the world. Based on this principle, the reality must be analysed as a phenomenon of the emergence ; the world would be defined as a network of relationships and self organize to the emergence of new structures.This approach leads us to raise the question on the issue of work of art, at the same time as a subject of creation, as an object of esthetic reception and an artifact which is a network of intersubjective relations (culture), based on the new paradigms associated with processes of emergence like biological processes or digital processes. This thesis can be conclute by the four following points: 1. art is a creative cognitive ability, which is the result of the phylogeny of human beings and is tailored to the ontological development of each individual. 2. Art, like culture, releases a real concern cognitive system. this system is on the same principle as the evolutionary algorithm based on the change, the accumulation, darwinian selection and heredity. 3. the work of art is an representation of the artist's expression, of his mental states, of his imagination of the real occurring in his brain; the creation of a work of art is a part of the process of development which releases a dialectical relationship between a mental pattern produced in artist’s brain and his progressive expression of work of art. 4. the digital systems, at the same time as technological tools as well as the paradigm of representations of the world, build up an interface of interaction between different cultures in the context of artistic creation.

[pt] A pesquisa de mestrado intitulada Fazendo a América investiga, de forma teórica e ficcional, o potencial criativo que o exílio enquanto instância subjetiva - não apenas geográfica - desperta no indivíduo. A dissertação entretece discussão teórica à escrita de autoficção, com a apresentação de uma novela sobre uma família com quatro gerações de imigrantes e suas histórias. O formato ficcional permite pensar o exílio, sua potência e seus desdobramentos através da própria escrita, e explorar a sensação de identidade fragmentária e de alteridade geradas tanto pelo exílio geográfico como por diferentes exílios interiores e sociais patentes na contemporaneidade - entre eles o do escritor, que trafega entre o mundo real e o do papel. Partindo da visão flusseriana do exilado não como vítima, mas como vanguarda, Fazendo a América joga luz sobre a ideia de libertação vertiginosa (FLUSSER, 2007) que a força desestabilizadora (SAID, 2006) do exílio carrega, e conclui que as fendas subjetivas abertas pelo exílio são também espaços de potência e fertilidade para a criação artística. / [en] The master s research entitled Making America investigates, in a theoretical and fictional way, the creative potential that the exile as a subjective instance - not just as a geographic one - awakens in the individual. The dissertation intertwines theoretical discussion with the writing of self-fiction, with the presentation of a novel about a family with four generations of immigrants and their stories. The fictional format allows one to think of exile, its power and its unfolding through writing itself, and to explore the sense of fragmentary identity and alterity generated both by geographical exile and by different inner and social exiles evident in contemporaneity - among them that of the writer, who travels between the real and the paper worlds. Making America emphasizes the idea of vertiginous liberation (FLUSSER, 2007) that the destabilizing force (SAID, 2006) of the exile carries with it, and concludes that the subjective gaps opened by exile are also spaces of power and fertility for artistic creation.

La synthèse pour par modèles physiques propose une approche à de la création musicale alternative à de celui celle plus habituelle du traitement du signal. En prenant en considération le phénomène musical comme un unicum émergeant de l'interaction entre le musicien et les instruments à sa disposition, on expérimente et donne corps phénoménologique et sensible aux actions créatrices.En ne considérant pas comme entités distinctes la matière sonore et la structure musicale, on oriente les potentialités de l'ordinateur et crée une dialectique originale et féconde entre le formel (structurel) et le perceptif (cognitif).Le champ d'action envisagé dans cette thèse concerne le développement, la formalisation et la catégorisation des modèles physiques réalisés à l’aide du formalisme CORDIS-ANIMA de structures - créées par modélisation physique - utiles pour la composition musicale, dans la perspective de mettre en évidence la fonction de formalisation musicale associée portée au par ce paradigme. de simulation par modèle physique CORDIS-ANIMA.Le point de départ est ma pratique personnelle de près de 20 années, en tant que compositeur, avec le logiciel de création sonore GENESIS du laboratoire ACROE-ICA. Cette pratique, à travers des travaux à la fois scientifiques (en modélisation) et artistiques (en composition musicale), m'a conduit à considérer cet environnement non pas comme un synthétiseur, mais comme un instrument " organique " permettant de créer une composition musicale complète couvrant les trois échelles de catégorisation usuelle de l'acoustique et de la musique : micro-formelle (le timbre, l'harmonie, l'orchestration), mezzo-formelle (le rythme, la mélodie et les séquences / structures harmoniques de premier niveau) et macro-formelle (la structure harmonique de niveau supérieur, le schéma formel de la composition complète).L'objectif ne consiste pas à proposer le cadre d'une "nouvelle musique" ou d'une nouvelle esthétique, mais à "bien tempérer" les instruments pour une nouvelle pratique de la création musicale explorant et exploitant au mieux les potentialités de l'ordinateur et des technologies numériques, aussi dans la direction d'un élargissement de la dialectique instrumentalité - écriture musicale vers une "supra instrumentalité" [Cadoz6] et vers des perspectives "post-scriptiques" de la création musicale [Cadoz7]. / Physical model synthesis offers an approach to composition alternative to the more usual signal processing. Considering the musical phenomenon as a "unicum" emerging from the interaction between the musicians and their instruments the physical model synthesis realizes and gives phenomenological and sensitive corporeality to the creative actions. By conceiving not as separate entities sound material and musical structure directs the potentialities of the computer and creates an original and fruitful dialectic between the formal (structural) and perceptual (cognitive).The sphere of action for my PhD concerns the development, formalisation and categorisation of structural models – created by physical modelling – useful for musical composition in the perspective to highlight the musical formalisation function associated with the CORDIS-ANIMA physical model simulation paradigm.The starting point for this work is 20 years of personal use as a composer, of the GENESIS physical model musical creation software developed by the ACROE-ICA laboratory.This experience has led me, through works both scientific (modelling) and artistic (music composition), to consider this environment not as a synthesis tool, but as a complex instrument, which allows to create a complete musical composition covering all three usual categories of acoustics and music: micro-formal (the tone, harmony, orchestration), mezzo-formal (the rhythm, melody, and the basic sequences/harmonic structures) and macro-formal (the higher level harmonic structure, the formal outline of the entire composition).My goal is not to propose the framework of a new music or a new aesthetic, but develop "well-tempered" instruments for a new practice of music creativity that explores and accomplishes better the potentialities of computer and digital technology. This also leads in the direction of broadening the dialectic instrumentality - writing music to a "supra instrumentality" [Cadoz6] and to post-scriptic outlook on musical creation [Cadoz7].

Art provides the possibility of specific and multilateral influences on the personality development of preschool children. This work aims to instruct, through creative development techniques, ways to achieve the pre-defined pages of childrens' personalities in kindergarten during one school year. There have been positive changes in cognitive and emotional levels concerning the development of social relations, and also the deepening sense of personal feelings and ability to express both verbal and artistic creation.

[ES] La historia del ser humano está repleta de tragedias y padecimientos, hechos que, marcándolo profundamente, lo han acompañado tanto en su memoria, la memoria de la piel o esa otra memoria plástica llamada creación. Vemos cómo, la sociedad ha evolucionado vertiginosamente en muchos de los sentidos respecto a quienes vivían en las cavernas, pero si algo aún nos iguala, ello es el DOLOR. El término DOLOR es genérico y puede presentarse desde distintas dimensiones. Ser físico y afectar a nuestro cuerpo o ser mental y padecerlo nuestra alma. Un cáncer, vivido en la propia piel, es el que nos ha motivado a reflexionar a través de nuestra propia práctica artística sobre algunos aspectos transversales al ser humano como son el DOLOR, el SUFRIMIENTO, la ENFERMEDAD o la MUERTE. Como resultado, planteamos una tesis doctoral que indaga sobre estos temas en los que, tras el estudio y acotación de términos, trata de discernir cómo, a pesar de ser comunes a todos los individuos, cada uno los procesamos y experimentamos de forma muy distinta. Aclarar que NO somos psicólogos, psicoterapeutas, médicos, historiadores, sociólogos ni teólogos; SOMOS CREADORES que, sin perder de vista el rigor, la coherencia y un detallado análisis de los temas seleccionados hemos planteado esta investigación desde la propia vivencia y nuestro posicionamiento ante el hecho artístico. Así, para abordar la visión sobre el dolor, se han seleccionado una serie de artistas que nos muestran que hay tanta variedad de padecimientos como formas de procesarlos desde la creación. Todos ellos, nos sumergen en una serie de realidades sobrecogedoras de las que nos hemos hecho eco en esta investigación. Hemos tratado, por un lado, los traumas, las acciones o los horrores del pasado e, incluso, los padecimientos voluntarios y que todos ellos acompañan a la persona en su día a día. Y, por otro lado, desde la No Salud, hemos trabajado la incapacidad o el contratiempo tanto desde lo orgánico y biológico de la propia enfermedad, como desde el plano social en el que tiene cabida el rechazo y lo estigmatizante. En cuanto a la muerte, realizamos un recorrido desde el duelo a la estética de la muerte asociada tanto a la universalidad del conocimiento a la hora de comunicar, como a las reacciones afectivo-personales de presenciar historias de muerte y sufrimiento. Variadas han sido las referencias y fuentes documentales a las que hemos acudido. Destacar las entrevistas que nos hablan en primera persona sobre el dolor, propio o ajeno, o las referencias médicas. Voces a las que interrogamos sobre cómo se viven y afrontan las historias de dolor, sufrimiento, enfermedad y muerte. Una tesis doctoral en la que la investigación se centra en vislumbrar cómo todas estas vivencias tienen su reverberación en el Arte. Descubrir el qué, el cómo, el cuándo y el porqué de las distintas soluciones plásticas en las que podemos ver cómo algunos artistas han partido de su experiencia personal para, a través de su producción artística, reflexionar, denunciar, mostrar, visibilizar, purgar o incluso como resiliencia, el dolor, el sufrimiento, la enfermedad y/o la muerte. Con todo ello hemos construido un cuerpo teórico-práctico que nos ha permitido reflexionar sobre el ciclo natural de la vida en el que desde el nacimiento hasta la muerte existe un dolor que, al igual que nos perturba, ha guiado nuestra supervivencia. Una experiencia personal que queda patente en nuestra producción artística que concluye nuestra investigación y que se muestra en la última parte de esta tesis doctoral. Obras que reflejan un tratamiento del dolor relacionado tanto con la vivencia personal de la enfermedad, como con los golpes e infortunios que atentan contra los demás y que, desafortunadamente han desencadenado en la muerte de la que también hemos sido testigos y que esta tesis deja constancia. / [CA] La història de l'ésser humà està repleta de tragèdies i patiments, fets que, marcant-lo profundament, l'han acompanyat tant en la seua memòria, la memòria de la pell o aqueixa altra memòria plàstica anomenada creació. Veiem com la societat ha evolucionat vertiginosament en molts dels sentits respecte als qui vivien en les cavernes, però si alguna cosa encara ens iguala, això és el DOLOR. El terme DOLOR és genèric i pot presentar-se des de diferents dimensions. Ser físic i afectar el nostre cos o ser mental i patir-lo la nostra ànima. Un càncer, viscut en la pròpia pell, és el que ens ha motivat a reflexionar a través de la nostra pròpia pràctica artística sobre alguns aspectes transversals a l'ésser humà com són el DOLOR, el SOFRIMENT, la MALALTIA o la MORT. Com a resultat, plantegem una tesi doctoral que indaga sobre aquests temes en els quals, després de l'estudi i acotació de termes, tracta de discernir com, malgrat ser comuns a tots els individus, cadascun els processem i experimentem de forma molt diferent. Aclarir que NO som psicòlegs, psicoterapeutes, metges, historiadors, sociòlegs ni teòlegs; SOM CREADORS que, sense perdre de vista el rigor, la coherència i una detallada anàlisi dels temes seleccionats hem plantejat aquesta investigació des de la pròpia vivència i el nostre posicionament davant el fet artístic. Així, per a abordar la visió sobre el dolor, s'han seleccionat una sèrie d'artistes que ens mostren que hi ha tanta varietat de patiments com maneres de processar-los des de la creació. Tots ells, ens submergeixen en una sèrie de realitats colpidores de les quals ens hem fet eco en aquesta investigació. Hem tractat, d'una banda, els traumes, les accions o els horrors del passat i, fins i tot, els patiments voluntaris i que tots ells acompanyen a la persona en el seu dia a dia. I, d'altra banda, des de la No Salut, hem treballat la incapacitat o el contratemps tant des de l'orgànic i biològic de la pròpia malaltia, com des del pla social en el qual té cabuda el rebuig i l' estigmatització. Quant a la mort, realitzem un recorregut des del duel a l'estètica de la mort associada tant a la universalitat del coneixement a l'hora de comunicar, com a les reaccions afectiu-personals de presenciar històries de mort i sofriment. Variades han sigut les referències i fonts documentals a les quals hem acudit. Destacar les entrevistes que ens parlen en primera persona sobre el dolor, propi o alié; o les referències mèdiques. Veus a les quals interroguem sobre com es viuen i afronten les històries de dolor, sofriment, malaltia i mort. Una tesi doctoral en la qual la investigació se centra en albirar com totes aquestes vivències tenen la seua reverberació en l'Art. Descobrir el quin, el com, el quan i el perquè de les diferents solucions plàstiques en les quals podem veure com alguns artistes han partit de la seua experiència personal per a, a través de la seua producció artística, reflexionar, denunciar, mostrar, visibilitzar, purgar o fins i tot com a resiliència; el dolor, el sofriment, la malaltia i/o la mort. Amb tot això hem construït un cos teoricopràctic que ens ha permés reflexionar sobre el cicle natural de la vida en el qual des del naixement fins a la mort existeix un dolor que, igual que ens pertorba, ha guiat la nostra supervivència. Una experiència personal que queda patent en la nostra producció artística que conclou la nostra investigació i que es mostra en l'última part d'aquesta tesi doctoral. Obres que reflecteixen un tractament del dolor relacionat tant amb la vivència personal de la malaltia, com amb els colps i infortunis que atempten contra els altres i que, desafortunadament han desencadenat en la mort de la qual també hem sigut testimonis i que aquesta tesi deixa constància. / [EN] Human history is brimming with stories of tragedies and aliments, which, due to their impact, have accompanied the human race in their memory, skin memory, or that other kind of plastic memory called creation. We see that contemporary society has vertiginously evolved in multiple ways from the times when humans inhabited caverns, but if there is something that puts us on par with them, that is PAIN. Living through cancer in our own skin was precisely what motivated us to reflect through our artistic practice on transversal aspects of human experience such are PAIN, AFFLICTION, ILLNESS, or DEATH. As a result, we put forth the present doctoral thesis, which aims to look into these selected themes. After studying and choosing the researched terms, this thesis should discern how, albeit common amongst all individuals, they are processed and experienced in different ways. It is worth noting that we are NOT psychologists, psychotherapists, doctors, historians, sociologists, or theologians; WE ARE CREATORS who, while never losing sight of rigor, coherence, and a detailed analysis of the selected themes, have laid out this research from the lived experience, and our understanding of the artistic phenomenon. Therefore, to establish a perspective on pain, a series of artists who shed a light on the variety of forms of suffering have been selected to demonstrate that there are as many shapes of affliction as ways of addressing it through creation. Standing as a subject, as a first person, as an object, or by referencing others: all of these artists submerge us in a series of shocking realities which resonate in this research. We have dealt, on the one hand, with trauma, actions or horrors of the past, even the voluntary aliments that accompany a person every day. On the other hand, from the state of unhealthiness, we have worked on the inability or the mishaps of the organic and biological aspects of the illness, as well as the social aspects in which repudiation and stigma come into play. As for death, we trace a path from grief to the aesthetics of death associated with the universality of knowledge when communicating as well as to the personal and affective reactions to witnessing stories of death and sufferance. We have resorted to multiple references and documentary sources. We would like to highlight the interviews in which pain ¿one's own or somebody else's¿ and medical references are dealt with in the first person. We have posed questions on how stories of pain, suffering, illness, or death are discussed. This is a doctoral thesis in which research works towards finding out how all these experiences resonate in Art by finding out the reasons, mediums, timings, and ideas behind the different plastic solutions to which artists have come departing from their personal experience. In this way, through artistic production, artists reflect, denounce, show, demonstrate, and purge pain, suffering, illness, and/or death. All these elements have assembled a theoretical and plastical body of work that has allowed us to reflect on the natural cycle of life by which since birth and up until death a form of pain is always present, and while disturbing, it has guided our survival. There is a personal experience that is instilled in our artistic production, which concludes our research and is displayed in the last part of this doctoral thesis. These are words that reflect the treatment of pain related to the personal experience of illness as well as with the blows and misfortunes that hit others and, unfortunately, have resulted in the witnessed death to which this thesis is also a testament. / Gil Gil, C. (2023). La creación artística y la reverberación del dolor, la enfermedad y la muerte en el arte contemporáneo. Una propuesta artística desde la adversidad y la resiliencia [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/192691

The meaning of this research is to make benefits of dialogical and norm critical approaches in dance visible and thus suggest new ways to enter dance education. The starting point of the research was to carry out a workshop project with a focus group outside the normative dance context, which here means a group outside the traditional dancefield among hobbyists: a varying, heterogeneous group of girls and young women with both different bodily and other challenges and also different knowledges and experiences in dance. The research aims to contribute to their artistic creation in dance through dialogue and bodily communication in a short period of time. The theoretical framework of this artistic-didactic research is based in normcritical perspectives, and the research is conducted by Practice as Research with methods in different forms of communication, such as verbal dialogue, bodily communication and written reflections. The research questions are: How can bodily communication be used as a resource in artistic creation in dance with girls and young women outside of the nomative dance context? How can this be done within a short workshop period? How can methods within norm critical pedagogy strenghten artistic creation? The research follows a process-focused reflection as a form of critical practice, which makes the personal development of the researcher visible. It also shows how the emphasis of the research changed from exploring bodily communication into more dialogical encounter with the focus group which created communication and helped the researcher see more creativity and courage in the individuals. The ending discussion of the research shows how dialogical and norm breaking approaches create possibilities to change dance education towards more democratic in relation to traditional teaching methods.

[ES] Una parte fundamental de la historia del VIDEODANZA en la Comunidad Valenciana está ligada a CONTACTART (Acciones Artísticas Contemporáneas), proyecto artístico interdisciplinar que nace en Valencia en 1995, con el objetivo de impulsar el arte contemporáneo en sus diversas formas de expresión. Desde sus orígenes hasta la actualidad, CONTACTART VIDEODANZA ha canalizado numerosas acciones de carácter nacional e internacional alrededor de la actividad coreográfica, su historia y sus prácticas, en colaboración con entidades diversas. La recuperación y revalorización de esta memoria histórica, junto a un estudio más analítico de todo este recorrido y su transmisión como legado a futuras generaciones a través de una catalogación de documentos materializada como base de datos, constituyen los fundamentos de esta tesis doctoral sustentada en una metodología de investigación mixta. / [CA] Una part fonamental de la història de la VIDEODANSA a la Comunitat Valenciana està lligada a CONTACTART (Accions Artístiques Contemporànies), projecte artístic interdisciplinari que naix a València en 1995, amb l'objectiu d'impulsar l'art contemporani en les seues diverses formes d'expressió. Des dels seus orígens fins a l'actualitat, CONTACTART VIDEODANSA ha canalitzat nombroses accions de caràcter nacional i internacional al voltant de l'activitat coreogràfica, la seua història i les seues pràctiques, en col·laboració amb entitats diverses. La recuperació i revaloració d'aquesta memòria històrica, al costat d'un estudi més analític de tot aquest recorregut i la seua transmissió com a llegat a futures generacions a través d'una catalogació de documents materialitzada com a base de dades, constitueixen els fonaments d'aquesta tesi doctoral sustentada en una metodologia d'investigació mixta. / [EN] An essential part of DANCE FILMS history in Valencian Community (Spain) is linked to CONTACTART (Contemporary Artistic Actions), a multidisciplinary artistic project born in Valencia, in 1995, with the aim of boosting the contemporary art in its diverse forms. From its origins to the present time, CONTACTART DANCE FILMS has canalized numerous national and international actions around choreographic activity, its history and its practices, in collaboration with several entities. The recovery and reassessment of this historic memory, along with a deeper analytical study throughout this process and its transmission as legacy to future generations through a cataloging of documents materialized in a data base, constitute the foundations of the present doctoral thesis supported by a mixed research methodology. / Ricart García, R. (2024). CONTACTART (Acciones Artísticas Contemporáneas) 1995-2015: veinte años de Vídeodanza en la Comunidad Valenciana. Trascendencia, Documentación, Repercusión [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/203216

[ES] La presente tesis doctoral teórico-práctica tiene como punto de partida la voluntad de comprender la dualidad intrínseca de la imagen, de su triunfo y su derrota. Las tensiones surgidas de las relaciones entre los términos imagen y realidad, o representación y presentación, han sido el germen de una concepción de la imagen contradictoria y paradójica en el mundo occidental. En consecuencia, las imágenes siempre han gozado de un estatus ambivalente que tan pronto las alzaba a entes sagrados, como eran denostadas, o incluso violentamente atacadas. A pesar del vasto campo de estudio propuesto, esta investigación está acotada en la producción artística de la autora, principalmente pictórica. A partir de cuatro series realizadas entre el 2017 y el 2020 -que actúan como activadoras, pretexto, pero también como medio y objeto principal de estudio- nos hemos aproximado a este planteamiento inicial, al tiempo que iban surgiendo otras muchas cuestiones, todas ellas relacionadas con el vínculo que mantenemos en la actualidad con el mundo visual. En estas páginas se recoge, por tanto, el análisis teórico, iconográfico, plástico y formal de dichos proyectos, los cuales vertebran la estructura de la tesis, así como los contenidos teóricos más concretos, como serían: el gesto iconoclasta, las paradojas del archivo, la tecnificación de los aparatos ópticos o la guerra de las imágenes. Este recorrido plástico y teórico da lugar a un interrogante presente a lo largo de toda la investigación, y que ha actuado como hipótesis de la misma: ¿son las imágenes peligrosas? En este sentido, las diferentes piezas realizadas a lo largo de los años intentan dar una respuesta abierta y especulativa a esta cuestión, entendiendo el arte como un modo de conocimiento específico, generador de reflexiones en el plano conceptual, simbólico y sensible. Planteamos, por tanto, una crítica a las imágenes a través de la creación artística, que permita cuestionar los modos en las que estas operan y circulan, al tiempo que reflexionamos con ellas y no sólo sobre ellas. / [CA] La present tesi doctoral teòric-pràctica té com a punt de partida la voluntat de comprendre la dualitat intrínseca de la imatge, del seu triomf i la seua derrota. Les tensions sorgides de les relacions entre els termes imatge i realitat, o representació i presentació, han sigut el germen d'una concepció de la imatge contradictòria i paradoxal en el món occidental. En conseqüència, les imatges sempre han gaudit d'un estatus ambivalent que tan prompte les alçava a ens sagrats, com eren injuriades, o fins i tot violentament atacades. Malgrat el vast camp d'estudi proposat, esta investigació està delimitada en la producció artística de l'autora, principalment pictòrica. A partir de quatre sèries realitzades entre el 2017 i el 2020 -que actuen com a activadores, pretext, però també com a mitjà i objecte principal d'estudi- ens hem aproximat a este plantejament inicial, al mateix temps que anaven sorgint moltes altres qüestions, totes elles relacionades amb el vincle que mantenim en l'actualitat amb el món visual. En estes pàgines s'arreplega, per tant, l'anàlisi teòric, iconogràfic, plàstic i formal d'estos projectes, els quals vertebren l'estructura de la tesi, així com els continguts teòrics més concrets, com serien: el gest iconoclasta, les paradoxes de l'arxiu, la tecnificació dels aparells òptics o la guerra de les imatges. Este recorregut plàstic i teòric dona lloc a un interrogant present al llarg de tota la investigació, i que ha actuat com a hipòtesi d'esta: són les imatges perilloses? En este sentit, les diferents peces realitzades al llarg dels anys intenten donar una resposta oberta i especulativa a esta qüestió, entenent l'art com un mode de coneixement específic, generador de reflexions en el pla conceptual, simbòlic i sensible. Plantegem, per tant, una crítica a les imatges a través de la creació artística, que permeta qüestionar els modes en les quals estes operen i circulen, al mateix temps que reflexionem amb elles i no sols sobre elles. / [EN] The starting point of this theoretical-practical doctoral thesis is the will to understand the intrinsic duality of the image, its triumph and its defeat. The tensions between the terms image and reality, or representation and presentation, have been the seed of a contradictory and paradoxical conception of the image in the Western world. As a result, images have always enjoyed an ambivalent status that has led to elevate them to sacred entities, as they were reviled, or even violently attacked. Despite the vast field of study here proposed, this research is limited to the author's artistic production, which is mainly pictorial. From four series made between 2017 and 2020 -which work as activators, pretext, but also as means and main object of study- we have approached the initial proposal, while many other questions were arising, and all of them were related to the link that we currently have with the visual world. These pages, therefore, contain the theoretical, iconographic, plastic and formal analysis of these projects, which are the structure of the thesis, as well as the more specific theoretical contents, such as: the iconoclastic gesture, the paradoxes of the archive, the technification of optical devices or the war of images. This plastic and theoretical journey gives rise to a question present throughout the investigation, and which has acted as a hypothesis of it: are the images dangerous? In this sense, the different pieces made over the years try to give an open and speculative answer to this question, understanding art as a mode of specific knowledge, generating reflections on the conceptual, symbolic and sensitive plane. We propose, therefore, a critique of images through artistic creation, which allows us to question the ways in which they operate and circulate, while reflecting with them and not only on them. / Císcar Cebria, A. (2024). Triunfo y derrota de las imágenes. Una investigación desde y a través de la propia práctica artística sobre la fenomenología de las imágenes [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/205232