Comment les formes et les figures d’un catalogue d’exposition numérique ou d’un récit de fiction enrichi pour tablette, cadrées dans des pages-écrans et ancrées dans un dispositif numérique, modélisent-elles des lecteurs et des pratiques de réception ? Comment les concepteurs imaginent-ils ces modélisations de pratiques et comment celles-ci s’actualisent-elles de diverses manières dans une situation de réception précise en fonction des attentes des lecteurs ? Il n’existe pas encore de travaux sur le livre numérique enrichi confrontant les pratiques réelles ou imaginées de communautés de producteurs et de récepteurs aux pratiques modélisées par l’artefact, ses formes graphiques, ses signes alphabétiques et ses relations rhétoriques entre pages-écrans. Cette thèse retrace la genèse d’une méthodologie d’analyse socio-sémiotique, alliant en profondeur l’étude empirique des contextes de production et de réception du livre numérique enrichi avec l’analyse des stratégies sémiotiques et rhétoriques de ses interfaces. Souhaitant favoriser l’émergence d’une culture critique du design numérique, la méthodologie propose d’identifier les rapports de pouvoir qui traversent les pratiques en conception pour se loger dans la matérialité des artefacts. À travers un croisement expérimental d’approches sémiotique, sociologique et économique, nous faisons émerger un vocabulaire original des « figures de la lecture » du livre numérique enrichi. Indexé sur les pratiques des concepteurs, celui-ci met en avant le rôle des représentations, habitudes et normes sociales dans la sémiose. Il est enrichi par une étude en réception sur l’un des artefacts du corpus. / How will an exhibition catalog or a fictional story, enhanced for digital tablets, translate the visitor’s reading habits and expectations into pages-screens? How do the e-books’ designers understand and conceive these reading practices? How will concrete readers’ expectations meet the implicit reader of the text? This thesis is based on a social semiotic methodology, deeply intertwining the empirical study of the current e-books creative and consumption practices with a methodical analysis of the semiotic and rhetorical strategies of their editorial interfaces. Empirically merging semiotic, sociological and economical research, we bring to light a new original vocabulary of “reading features” of enhanced e-books. Combining it with the designers’ practices, this vocabulary exhibits the role played by usages and social standards in semiosis. It is also enriched with a reception study on a specific artifact.

La présente recherche a eu pour ambition de comprendre les modalités de fonctionnement théorique du lettrisme au travers d'une étude précise du substrat intellectuel d'Isidore Isou entre 1945 et 1968. L’activité artistique et intellectuelle d’Isou s’inscrit complètement dans le contexte ces années. Mais au moment important d’une reconsidération et d’une remise en question des valeurs universalistes occidentales, le lettriste montre une filiation intellectuelle claire avec celles-ci. Le but d’Isou est clairement de mettre au jour des lois d’analyse et de fonctionnement universelles, tant en ce qui concerne les choses de l’art que de chaque domaine de la connaissance, lois de fonctionnement issus d’une lecture téléologique et évolutionniste de l’ « Histoire », permettant la mise au point de critères, notamment formels, de la nouveauté. Dans le champ global des avant-gardes de l’après-Seconde-Guerre, il est un restaurateur d’un certain type de valeurs et de certaines traditions qui ont forgé la culture de l’humanisme occidental. Mais tout en étant dans la prolongation des « traditions », il est connecté aux problématiques de son temps. Celle de la communication, nouvelle utopie du XXème siècle, créée dans les laboratoires américains pendant la Seconde-Guerre mondiale. Celle de la sécrétion d’une esthétique permutationnelle comme a pu l’imaginer Abraham Moles dans sa théorie de l’information. D’une esthétique du signe et davantage du signe linguistique auquel était fondamentalement attaché Roland Barthes. L’hypergraphie est elle-même connectée aux recherches contemporaines sur le langage, sur la sémiotique, en tant que nouvelle grande utopie de la communication intégrale. / This research had the ambition to understand the theoretical operating procedures of lettrism through a precise study of the intellectual substrate of Isidore Isou between 1945 and 1968. The artistic and intellectual activity of Isou fits completely in the context of these years. But in an important moment of reconsideration and a questioning of Western universalist values, Lettrist shows a clear intellectual affiliation with them. The aim is clearly for Isou to uncover universal analytical and operational laws, both in terms of art things that every field of knowledge, laws of operation from a teleological reading and evolutionist "History", allowing the development of criteria including formal, novelty. In the overall field of the vanguards of the post-Second-war, it is a restauration of some kind of values and some traditions that have shaped the culture of Western humanism. But while being in the extension of "traditions", Isou is connected to the problems of his time. That of communication, new utopia of the twentieth century, created in the US laboratories during the Second World War. This secretion of an aesthetic permutational as could imagine Abraham Moles in his theory of information. In a further sign and aesthetics of the linguistic sign which was basically tied Roland Barthes. The hypergraphie is itself connected to contemporary language research on semiotics, as a new great utopia of integral communication.

Notre étude de la musique pour orgue en France à l’Âge classique se centre sur sa dimension signifiante, et tout particulièrement sur sa fonction représentative du sacré. Notre intérêt a pour origine un constat : à l’heure actuelle, les travaux les plus importants consacrés à ce répertoire négligent la question, alors que la genèse de cette école organistique coïncide avec l’un des moments historiques les plus remarquables de la spiritualité catholique française (en effet, le XVIIe siècle n’est pas seulement le « Grand Siècle des idées » mais aussi le « Grand Siècle des âmes »). Dans cette optique, et partant du principe que la musique religieuse peut se comprendre comme un produit esthético-théologique façonné en fonction des besoins symboliques et expressifs de la liturgie (au même titre que d’autres manifestations d’art sacré), ce travail cherche à mettre en lumière la manière dans laquelle, grâce à un ensemble de catégories esthétiques et de topiques musicaux dirigés par des principes rhétoriques, la musique des organistes français peut communiquer les notions fondamentales de la doctrine chrétienne. Pour ce faire, nous proposons un parcours en quatre parties, abordant successivement les contextes culturel et spirituel du XVIIe siècle en France, les éléments constitutifs de l’univers signifiant du répertoire, l’organisation stylistique du répertoire, et finalement, d’un point de vue herméneutique, l’œuvre de trois compositeurs majeurs de cette tradition musicale : Nicolas de Grigny, Jean-Adam Guilain et François Couperin. / This study of French organ music during the “Classical period” focuses on its signifying dimension, and particularly on its representative function in the liturgy. Our interest springs from an observation: the most important works devoted to this repertoire neglect the question, whereas the genesis of this organ school coincides with one of the most remarkable historical moments of Catholic spirituality. From this point of view, and assuming that sacred music can be understood as an aesthetic-theological product shaped according to the symbolic and expressive topics of the liturgy (in the same way as other manifestations of sacred art), our research seeks to demonstrate the way in which the music of French organists can communicate the fundamental notions of Christian doctrine through a set of aesthetic categories and musical topics directed by rhetorical principles. In this way, our work is divided into four parts, successively highlighting the cultural and spiritual contexts of the seventeenth century in France, the elements of the signifying universe of these music, the stylistic organization of the repertoire, and finally, from a hermeneutic point of view, the analysis of three major composers of this musical tradition: Nicolas de Grigny, Jean-Adam Guilain and François Couperin.

Cette thèse a été conçue comme une analyse des relations existantes entre la littérature et la photographie. Elle a pour objet d'étude l'oeuvre littéraire Grande Sertão: Veredas (1956) de João Guimarães Rosa, traduite par des photographies de Maureen Bisilliat à partir de l’original de João Guimarães Rosa (1969). Bien que la photographie ait essayé d’interagir avec la littérature dès ses prémices en 1849, ce ne sera qu'avec l'arrivée des mouvements avant-gardistes qu'apparaîtra une plus grande interaction entre les deux arts. Ceci favorisera des questionnements sur le « travail artistique », et ce, pas uniquement pour le domaine de la photographie, mais pour l'Art, en général. L'accent est mis sur cette période de grande interaction, s’appuyant surtout sur l'école surréaliste, considérée comme innovante et pionnière artistique pour son interaction entre ces deux langages. Dans le domaine littéraire, l'étude sur l'interaction avec les écrivains a favorisé une connaissance sommaire de quelques noms qui ont dialogué avec la photographie dans leurs œuvres, écrivains passionnés par la photographie, considérés également comme photographes. Dans cette étude s’opère une traduction intersémiotique, ou une transposition créative. L'image photographique ne sert pas uniquement à illustrer les mots de l'écrivain. Elle dialogue avec le texte et cette construction n'est ni aléatoire ni directe. Le travail démontre que le processus créatif des artistes est similaire, dans la diversité de leur esthétisme. Bien que tous deux expriment leur spécificité, ils partagent des équivalences, qu'elles soient convergentes ou divergentes, transmises grâce à des images métaphoriques de l'ambiance du Sertão et de ses habitants. Dans le dialogue inter-sémiotique construit à partir de A João Guimarães Rosa, le roman Grande Sertão: Veredas a dû être fragmenté en légendes, pour que la photographie puisse explorer à loisir l'univers féminin latent de l’œuvre. Cette féminité est dévoilée progressivement grâce aux théories littéraires émanant de l'ensemble des critiques parues sur le roman. Le reportage-photo fonctionne dès lors que les personnages affleurent dans les images, notamment grâce aux légendes, mais aussi grâce aux éléments silencieux qui jaillissent des clichés, rattachés à l'univers durandien: l'élément féminin présenté dans les images appartient au régime nocturne. Maureen Bisilliat nous laisse croire en la possibilité d'une nouvelle signification de l'oeuvre de Guimarães Rosa, des relations entre la réalité et la fiction, dualité présente depuis le surréalisme, en accord parfait avec l'Imaginaire de Gilbert Durand. / This thesis conducted an analysis of the relationship between literature and photography, with the object of study the work: the novel Grande Sertão: Veredas (1956) by João Guimarães Rosa, which has translated for the photography of Maureen Bisilliat in the work, A João Guimarães Rosa (1969). Since its inception, photography rehearsed some steps in the dialogue with the literature. However, were the vanguard of movements that showed greater interaction, leading questions about the artistic work not only on the picture that tried to consolidate as art as well as art by itself in general. Surrealism can be considered as a landmark dialogue, innovation, artistic pioneer among these languages. In the literature, the study of the interaction with writers provided a brief knowledge of some names in the literature that dialogued with photography in his works, lovers of the photographic medium, were also considered photographers. In this work, we treat photography as a inter-semiotic translation, or even creative transposition. The photographic image is not only meant to illustrate the words of the writer. It dialogues with the text, and this construction does not occur randomly and direct way. The research demonstrated that the creative process is similar on both artists the diversity of its aesthetic. The two express their specificities, but at the same time, they nevertheless share equivalents, either convergences or divergences, enabled through metaphorized pictures of backcountry environment and its inhabitants. In intersemiotic dialogue built on João Guimarães Rosa, it was necessary to fragment the novel Grande Sertão: Veredas in captions for the picture to explore the latent feminine in this work. This femininity has been revealed through literary theory that presents a critical rich fortune about the female in Grande Sertão: Veredas. The photographic essay is driven in that the characters perceive the images surfacing through their legends, in addition to several female members silently emerge from images which related durandiano universe belonging to the nocturnal regime. Maureen Bisilliat, makes us believe in the possibility of reframing of Rosa's work, the relationships between reality and fiction, such as duality present from the surrealism that communes with the Imaginary of Gilbert Durand. / Esta tese realizou uma análise das relações existentes entre literatura e fotografia, tendo como objeto de estudo a obra literária Grande Sertão: Veredas (1956) de João Guimarães Rosa, traduzida em fotografias de Maureen Bisilliat na obra A João Guimarães Rosa (1969). Apesar de a fotografia ensaiar passos na interação com a literatura desde o seu surgimento em 1849, os movimentos de vanguarda é que propiciaram questionamentos sobre o fazer artístico não só na fotografia, bem como da própria arte em geral. O diálogo entre essas linguagens enfatizou-se sobretudo na escola surrealista, considerada como um marco de inovação e pioneirismo artístico nessa inter-relação. Essa interação propiciou um breve conhecimento de alguns nomes da literatura que dialogaram com a fotografia em suas obras, escritores amantes da fotografia, alguns considerados também fotógrafos. Neste trabalho ocorre uma tradução intersemiótica, ou ainda, uma transposição criativa. A imagem fotográfica não serve apenas para ilustrar as palavras do escritor. Ela dialoga com o texto, e essa construção não se dá de maneira aleatória nem direta. A pesquisa demonstrou que o processo criativo de ambos os artistas é o mesmo na diversidade de suas estéticas. Os doisexpressam suas especificidades, mas, ao mesmo tempo, revelam equivalências, seja por convergências ou por divergências, viabilizadas por intermédio de imagens metaforizadas do ambiente sertanejo e em seus habitantes. No romance, foi necessária a fragmentação, em forma de legendas, por parte da fotógrafa para dialogar com as imagens, ao menos num primeiro momento. A feminilidade latente na obra é desvendada através da teoria literária, que apresenta um rica fortuna crítica acerca do feminino em Grande Sertão: Veredas. O ensaio fotográfico é acionado ao tempo que se percebe as personagens aflorando nas imagens literárias em suas legendas, além de diversos elementos que emergem, como as imagens relacionadas com o universo durandiano: o elementofeminino, pertencente ao regime noturno. Maureen Bisilliat faz acreditar na possibilidade de ressignificação da obra rosiana, das relações entre a realidade e a ficção, dualidade tão presente desde o surrealismo, que comunga com o Imaginário de Gilbert Durand.

La traduction pragmatique n’est pas le domaine réservé des traducteurs travaillant dans les secteurs économiques en dehors de l’édition. De nombreux traducteurs d’édition sont aussi des traducteurs pragmatiques. Dans ce domaine, leur spécialisation ne se confond pas avec le domaine dans lequel ils travaillent. Leur métier est méconnu et il n’existe aucune formation pour préparer les aspirants traducteurs à cette spécialisation. Cette recherche s’efforce de combler cette lacune. Elle commence par décrire les ouvrages pragmatiques afin de montrer que dans ce secteur, la réflexion traductive porte sur le texte dans sa mise en page. L’unité de traduction s’hybride, puisqu’elle est composée de rubriques textuelles aux fonctions communicatives précises et d’éléments visuels. Il s’ensuit que la réflexion traductive demande une approche multisémiotique qui s’appuie sur une connaissance approfondie du livre pris comme un espace signifiant dont le texte n’est qu’une composante parmi d’autres. La connaissance du livre est au cœur de la spécialisation des traducteurs pragmatiques actifs dans l’édition. Le milieu de l’édition attend des auteurs et traducteurs un travail de rédacteurs. Les tapuscrits fournis sont relus et corrigés, voire partiellement réécrits pour les améliorer, par les correcteurs. Il n’y a plus un auteur mais une fonction auteur qui réunit les différents intervenants de la chaîne du livre. L’apprentissage du métier doit donc comporter une part de socialisation seconde, intégrée aux exercices de traduction proposés, pour préparer les aspirants traducteurs à s’insérer dans cette équipe. Tout en se perfectionnant en traduction, les jeunes traducteurs doivent se muer en collaborateurs fiables capables de prendre part au processus de fabrication du livre en agissant en tant que médiateur culturel. Leur action s’exprime principalement par l‘écriture de la traduction mais aussi par leurs commentaires sur la fabrication du livre. / Pragmatic translation is thought as the area of specialized translators working for clients outside of the publishing industry, which is deemed to contract literary translators. This is true to some extend. However a large sector of the publishing industry is not concerned with literature but with pragmatic books dealing with all sorts of topics. Many pragmatic translators working for the publishing industry are in fact specialized in translating pragmatic books, not texts. They have to understand the way pragmatic books, made of visual and linguistic messages, convey information to their readers to translate them. This aspect of translation is little known and, outside the study of translation for advertising, research investigating the interaction of texts and iconography is scarce. There is even less on translator training. This thesis endeavours to contribute the observations of a professional translator turned translator trainer. It begins by describing the layout of pragmatic books and showing how the translator must take in the text and the iconography to make sense of the message. The double page is a visual unit splitting the information between text and images. As a result, a translation unit is a mix of texts and images. It follows that translators have to approach the translation of books as a multisemiotic activity. Therefore, when translating pragmatic books, translators have to consider them as signifying space in which textual units are no longer the only source of information. The core of the specialisation of pragmatic translators working in the publishing industry is a profound understanding of how books communicate meaning. Publishers expect both authors and translators to be able to write following style specifications for a given book series. Tapuscrits are proofread and sometimes partially rewritten to be put in agreement with the social communicative norms. At the end of the process leading to the publication of a book, the published text is a collective product and no longer the text originally provided by its “author”. To translate in this context, trainees must learn how to work in a team, albeit working from home. Translation training, at this point, aims at turning students into independent professional able to rewrite and adapt texts, taking into account the visual around, to accommodate readers’ expectations as defined by publishers. As they strive to improve their translation techniques, soon to be translators also need to learn to become cultural mediator and to criticize the books they are translating so as to improve them if need be. Invisible to readers, their contribution to the making of a book, appears in the writing of the translation and in comments on the book itself; and it is very visible to publishers they work for.

Cette thèse est une réflexion sur le ‘ūd (lutharabo-oriental) de concert. Celui-ci est étudié en tant que concept mettant en valeur une corrélation entre son évolution historique et organologique, le développement de la pensée compositionnelle des‘ūdistes (luthistes) et l’essai d’une représentation de cette pensée à travers une modélisation sémiotique. L’approche historique s’est focalisée sur la facture de l’instrument et a permis de relever la primauté des ‘ūds irakien et turque comme modèles privilégiés de ‘ūd de concert. Cette préférence est liée avec le développement de la pensée musicale des ‘ūdistes contemporains et leur pratique compositionnelle et interprétative. À travers une étude analytique de cinq œuvres pour ‘ūdde concert, cette pratique est conçue comme étant un espace compositionnel émergeant d’une interrelation entre trois espaces : un espace d’écoute, un espace formel et un espace sémantique. L’approche « spatiale » de la musique du ‘ūd deconcert, l’évolution de ses formes et les variations interprétatives des ‘ūdistes ont nécessité la réflexion sur la représentation de cette musique. La modélisation sémiotique d’un extrait analysé (2ème mouvement de l’Amiriyya de Naseer Shamma)est posée ici comme une alternative à la transcription traditionnelle, en créant un espace graphique inspiré des modèles de notation dans la musique contemporaine et accordé aux critères de l’espace compositionnel du ‘ūdiste. / This thesis is a reflection on the concert ‘ūd (Arab-easternlute). It is designed as a concept emphasizing a correlation betweenits historical and organological evolution, the compositional thought development of ‘ūdists (lutenists) on the one hand, andthe testing of a representation of that thought through a semiotic model, on the other hand. The historical approach focusedon the construction of the instrument and revealed the primacy of the Iraqi and Turkish ‘ūds as preferred models of theconcert ‘ūd. This preference is linked to the development of contemporary ‘ūdist’s musical thought and their compositionaland interpretative practice. Through ananalytical study of five musical works for this instrument, this practice is regarded as acompositional space of an emerging inter-relationship between three spaces : a listening space, a formal space and a semanticone. The spatial approach to music of the concert ‘ūd, the evolution of its forms and ‘ūd players interpretative variations havecalled for reflection on the performance of this music. The semiotic modeling of an analysed excerpt (2nd movement ofNaseer Shamma’s composition, l’Amiriyya) is placed here as an alternative to traditional transcription by creating a graphic”area” inspired by notation models in contemporary music and provided for the criteria of the ‘ūdist’s compositional space.

De quelle mise en discours procède l’ensemble des récits pluriels qui narrent les « origines » dans le livre de la Genèse de la littérature biblique pour composer ce qui est présenté comme un « cycle » ordonné ? Cette question conduit à formuler l’hypothèse selon laquelle le premier récit de création ou « septénaire des jours » constitue, tel un paradigme, un système apte à ordonner le déploiement des récits suivants (Gn 2 à 11). Surtout, l’originalité de ce système est de mettre en place des mécanismes d’orientation vers une instance d’énonciation, constituant ainsi une « empreinte ». Et la mise en discours des textes qui suivent dispose, par les parcours discursifs, des « formants-signifiants » d’ordre « figural » propres à rappeler cette empreinte et à fonctionner comme autant d’indicateurs de l’instance d’énonciation. Enfin, au terme du livre biblique, le septénaire des « sceaux » (Apocalypse 5-8) vient réexposer le paradigme, récapituler le « figural », renouveler l’indication de l’instance d’énonciation et redéfinir l’orientation vers cette instance. La mise en discours opère ainsi, par le figural, un véritable « nouage » entre les grandeurs figuratives et l’instance d’énonciation. En son figural, la figure devient achoppement balisant la lecture, orientant le lecteur pour le conduire au plus près des postures des sujets de l’instance d’énonciation. / What procedure of discursivization makes it possible to present the ensemble of varied narratives recounting “origins,” in the book of Genesis of the biblical literature, as an orderly “cycle”? This question leads to the formulation of the hypothesis that the first story of creation, the “septenary of days,” constitutes, as a paradigm, a system capable of structuring the deployment of the following narratives (Gn 2 – 11). The originality of this system consists, above all, in putting in place mechanisms of orientation toward an instance of enunciation which constitutes a “footprint.” Then, the discursivization of the subsequent texts, by means of the discursive path, employs “formant-signifiers” of the “figural” order, likely to recall this footprint and to function as so many indicators of the instance of enunciation. Finally, at the end of the biblical literature, the “septenary of seals” in the book of Revelation (Apocalypse 5-8) reexposes the paradigm, recapitulates the figural, renews the indication of the instance of enunciation, and redefines the orientation toward this instance. Thus, by means of the figural, discursivization ties a veritable “knot” between figurative values and instance of enunciation. In its figural, the figure becomes a stumbling stone along the path of the reading which orients the reader, leading him as close as possible to the positions of the subjects of the instance of enunciation.

Loin de prétendre à l’exhaustivité, cette thèse présente un premier essai visant à une compréhension plus unifiée et plus globale du système modal arabe d’une période s’étalant sur cinq siècles environ. Un des enjeux de cette recherche est, pour reprendre les termes d’Amnon Shiloah, « de quitter, une fois pour toutes, la légende de léthargie » et d’enlever la qualification de «stagnation » et d’« âge des ténèbres » longtemps attachée à cette époque. Il s’est avéré à travers les pages de cette recherche, que le système modal n’a jamais perdu sa vitalité. Tout au contraire, les études historique, philologique, systémique et sémiotique menées au cours de cette thèse attestent de la présence d’un fil conducteur qui lie, d’un bout à l’autre, la tradition du XIIIe siècle à celle du XIXe siècle. / Far from being exhaustive, this thesis presents a first attempt to a more cohesive and comprehensive understanding of the Arab modal system of a period of time spanning about five centuries. One aim of this research is, following Amnon Shiloah, "to leave once and for all, the legend of lethargy" and remove the clause of "stagnation" and "dark ages" long attached to this epoch. It appears through the pages of this research that the modal system never lost its liveliness. On the contrary, historical, philological, systemic and semiotic studies conducted during this thesis show the presence of a thread that binds, from one end to the other, the tradition of the thirteenth century to that of the nineteenth century.

La thèse examine la contribution du langage dramatique kpainê à l’éducation sociale en pays Toura. En quoi consiste ce langage et comment rendre compte de son efficacité éducative ?Pour répondre à cette question, l’étude, s’appuyant sur un corpus de 6377 vers chantés en contexte oral, conjugue différentes approches complémentaires. En effet, le contexte de l’étude est éclairé par l’approche pragmatique dès la première partie. La seconde partie cherche, d’abord, à comprendre la logique qui gouverne la construction des vers et des textes en procédant par approche structuraliste. Elle vérifie, ensuite, l’aptitude persuasive de ceux-ci au moyen de la méthode argumentative. La partie interprétative clôturant l’étude est conduite par la sémiotique interprétative. Il résulte de l’analyse que le kpainê doit sa position idéologique stratégique dans le système éducatif Toura à ses possibilités dramatiques. / This thesis examined the contribution of the kpainê dramatic language as applied in education of the Toura society. What is the content of this language and how can its educational effectiveness be accounted? In search for a response to this main research question, this study focused on a corpus of 6377 phrases selected in oral context and combined different complementary approaches. In effect, the context of this study is introduced by the use of a pragmatic approach. The second section sought to understand the logic that governs the construction of phrases and texts based on a structuralist approach. The section that proceeds verified the persuasive aptitude of the later approach by means of an augmentative method. The last section of the study closed by an interpretative semiotics. The analysis of the corpus showed that kpainê has a strategic ideological position in the Toura education system due to its dramatic possibilities. / Doctorat en Information et communication / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Le théâtre thérapeutique est une espèce de spectacle vivant qui augmente la sensibilité des participants afin qu’ils puissent améliorer leur habileté à exprimer des émotions et des pensées verbales et gestuelles. Comme genre hybride, il fonctionne de la même manière que le théâtre pour le changement social (TPCS) dans lequel la praxis théâtrale est utilisée pour le changement des participants et des communautés ainsi que pour la promotion du bien-être. Cette pratique (le TPCS) est donc utilisée pour le changement social, mental, et surtout émotionnel. Au cours de ces dernières décennies, ces deux pratiques ont été considérées et traitées distinctement. Contrairement à cette perception historique, cette thèse prétend qu’il existe un paradigme dans lequel ces formes se rejoignent. Appelé théâtre thérapeutique, il est beaucoup plus appliqué au Cameroun dans des communautés. Ce cas hypothétique est examiné sous le titre :« Pour un Développement du Théâtre Thérapeutique au Cameroun :enquête sur sa pratique et sa réception à travers une évaluation de cas. » Trois productions du TPCS/théâtre thérapeutique sont donc utilisées :The Boomerang, Ndop et SOS Village Mbalmayo workshops. <p>Le cadre théorique convoqué à cet effet est la sémiologie théâtrale telle que vue et énoncée par André Helbo. Développée de la pragmatique, sa sémiologie théâtrale est basée sur l’émission et la réception d’un message dans le spectacle. À cet égard, il existe des fonctions réciproques d’acteurs et de spectateurs dans l’événement théâtral. Ceci signifie que la distinction entre la production et la réception est tout simplement considérée comme une « distinction pédagogique ». <p>Le langage du théâtre dans sa production et/ou sa réception fonctionne dans un contexte d’expérience sociale partagée. Dans cette perspective, Helbo parle de « codes de spectacle (conventions spécifiquement applicables au spectacle, au genre, à la période historique), de codes généraux (linguistiques, idéologiques/culturels, perceptuels), et de codes mixtes (codes généraux fonctionnant dans un contexte spécifique de spectacle) » .Néanmoins, dans la démarche sémiologique d’Helbo tout comme dans ce travail, le privilège est accordé au dépassement de la division précédemment mentionnée, pour aboutir à ce qu’il nomme « l’énonciation collective » et la « notion d’observateur actant ». <p>Ces concepts dépassent le modèle de la communication linéaire évoqués par Mounin, pour souligner que les participants dans un phénomène théâtral sont impliqués dans le processus de création collective ou de l’énonciation collective sous des normes culturelles spécifiques. Dans ce processus, l’observateur représente une fonction spécifique, l’une des conditions de l’existence de l’énoncé spectaculaire. La notion de l’observateur actant « raffine considérablement l’analyse de l’identification initiée par Brecht », notion qui a été incorporée ou prolongée dans le théâtre thérapeutique de la même manière que le processus de co-création. Ce qui est central dans l’application de la sémiologie théâtrale dans cette thèse, c’est le postulat selon lequel le destinataire d’aujourd’hui deviendra le destinateur de demain.<p>À la fin de cette étude, nous montrons (sans chercher une reproduction du modèle occidental), que le théâtre thérapeutique est pratiqué au Cameroun. L’utilisation des techniques théâtrales favorise le bien-être des participants et contribuent au changement à tous les niveaux de la vie. Cette approche est orientée vers la communauté et par conséquent constitue un paradigme thérapeutique à visé communautaire nommé « théâtre communautaire à visé thérapeutique ». Considéré comme tel, ce paradigme peut être utilisé concomitamment dans le cadre de la santé mentale et de la santé communautaire au Cameroun. Dans ce cas, il sert comme une modalité thérapeutique intégrée et établit un lien entre le spectacle vivant, la santé en générale et la santé mentale en particulier. <p><p><p>Therapeutic theatre is an improvisational method of performing arts that heightens participants' sensitivity to improve their ability to communicate feelings and thoughts verbally and by gestures. As a hybrid form, it functions in the same way as theatre for social change (TFSC) wherein theatre praxis is used to change participants or communities and promote wellbeing. TFSC is seen as an articulated intention to use theatre praxis in the service of change (social, mental, and emotional). Tradition has held these practices distinctly for the past decades. This thesis however, contends that despite these historic perceptions, there is a paradigm where these forms, previously viewed as distinctly different, come together in a spectacle that is therapeutic and applied to mental health in hospitals and community settings in Cameroon. This hypothetical case is examined under the general topic: ‘Towards the development of a therapeutic theatre in Cameroon: investigating its practice and reception through a cross-case evaluation.’ This thesis is based on the analysis of three TFSC/therapeutic theatre productions from the same practitioner: The Boomerang, Ndop and SOS Village Mbalmayo workshop productions respectively. <p>The research is inserted under theoretical considerations of theatre semiology and particularly, André Helbo's semiotic concepts. Developed from pragmatics, this method of theatre semiology focuses on the manner in which a message is sent and received. In this respect, there are reciprocal functions of actor and spectator in the theatrical event. From this, semiology is applied to understand the theatrical phenomenon in its entirety: production and reception. This implies, the division between production and reception is viewed as “a pedagogical distinction” only. Privilege in this thesis therefore is given to the surpassing of the aforementioned division to what he terms “enunciating collective” (co-creation process), and the “notion of the observer actant”. <p>These concepts go beyond the linear form of communication in theatre evoked by Mounin to highlight that the participants in a theatrical phenomenon are involved in a collective creation process or enunciating collective under specific cultural norms, and the observer represents a specific function, one of the conditions of existence of the performance utterance (l’énoncé spectaculaire). The notion of the observer actant in effect “refines considerably the analysis of identification initiated by Brecht” and which has been incorporated or prolonged in therapeutic theatre in the same way as the process of co-creation. Vital therefore to the application of theatre semiology in this work is the postulate that the theatrical phenomenon is an act of interaction wherein today’s receiver can be transformed into tomorrow’s sender. <p>At the end of this research, it is proven that without seeking a reproduction of a Western form, "therapeutic theatre" is practised in Cameroon. The utilisation of theatrical techniques fosters participants’ wellbeing and enhance change at all levels. It is community centred thereby constituting a community-based therapeutic paradigm which is named "community-based therapeutic theatre". Understood as such, this paradigm can be used concomitantly in cases of mental and community health in Cameroon. In this case, it serves as an integrated therapeutic modality and bridges the gap that exists in the health domain in general and mental health in particular.<p> / Doctorat en Information et communication / info:eu-repo/semantics/nonPublished