L’orature est un concept encore peu exploité dans la recherche littéraire. Historiquement rattachées aux classes populaires, les œuvres orales ont été mises à l’écart de l’étude d’une littérature dite sérieuse. La philologie classique du 20ème siècle a vu advenir une approche nouvelle des poèmes homériques, justement dans leurs liens avec une tradition orale antérieure. Tant dans la forme que dans le fond, les grandes épopées grecques sont reliées à une conception orale de la littérature et du soi. Le collectif littéraire est remis au goût du jour, mais pas de la manière dont il avait été envisagé auparavant : la question n’est plus de savoir si Homère était seul derrière son document, mais plutôt de réussir à concevoir le processus littéraire qui accoucha de l’Odyssée comme une co-création à grande échelle, des sources du mythe jusqu’à sa transmission. En réhabilitant ces thématiques, ces chercheurs ont ouvert la porte à une nouvelle perception de la littérature. Cette époque coïncide par ailleurs à l’émergence de nouvelles traditions littéraires scripturaires. L’emprise coloniale et esclavagiste s’effritait devant les volontés d’indépendances, et de ce vivier politique émergea nécessairement la question culturelle. Ces populations se retrouvaient munies d’une langue et d’une écriture qu’elles n’avaient pas choisies. Les traditions orales présentes initialement dans ces communautés rentrèrent en contact avec la maîtrise de l’écriture, et l’époque contemporaine voit fleurir de nombreuses jeunes traditions littéraires, dans lesquelles se retrouvent de multiples éléments de l’oralité, qui forment les composantes de l’orature. Ma réflexion s’articule autour de ces deux pôles : la compréhension occidentale de l’orature, à travers les études homériques ; et les traces et pratiques de l’orature dans de nouvelles traditions littéraires, principalement dans le cas de la littérature francophone antillaise. Mener cette étude en miroir me permet de combler mutuellement les lacunes de chaque approche et de m’offrir un panorama plus complet sur l’orature. Resurgit alors la notion de collectivité, ainsi qu’une conception socio-politique de la littérature. Les composantes de l’orature exacerbent la dimension fédératrice de la littérature. / Orature is still an under-exploited concept in the literary field. Traditionally linked to the less educated classes, oral literature was ignored by research on the so-called serious literature. During the 20th century, a new approach of Homeric poems emerged from classical philology specialists. This approach presupposed a strong influence of a previous oral tradition on Homer’s epics. Both the form and the substance of those epics are tied to an oral conception of the self and literature. The idea of collective writing reappears, but not in the way it was conceptualized before. The question was no longer whether or not Homer was the sole author of the texts bearing his name. Rather, this research sought to conceive the literary process leading to the writing of The Odyssey as a collective creation, from earlier sources of the myth to its ongoing transmission, a process that exceeds any single life span. In revitalizing this perspective, researchers paved the way to a new perception of literature. This renewal overlaps with the emergence of new written traditions. Slavery and colonialism collapsed in conjunction with the will to independence, and the cultural issue arose against the backdrop of this political context. Those decolonizing populations were left with foreign languages and an unrelated writing-based structuring of society. The initial oral traditions present in those communities merged with literacy, and the contemporary era is filled with emergent literary traditions. These new literatures bear the marls of orality which constitute the orature component. In this contest, my study focuses on two aspects. First, I analyze the western comprehension of orature as exemplified in the Homeric epics. Secondly, I examine the remnants and practices of orature in emergent literary traditions, especially in the French Antilles’ literature. Studying those two elements allows for a better comprehension of the phenomenon of orature. Which underscores the collective and sociopolitical dimension of literature.

Ce mémoire examine le potentiel des joies fécondes, à travers la prose de l’auteure italienne Goliarda Sapienza. Nous verrons comment l’arrimage des désirs réflexifs à des luttes émancipatrices est au centre de son roman d’apprentissage L’Art de la joie. Il s’agira de baliser une caractéristique essentielle de l’émotion joyeuse : sa capacité de dilatation physiologique, individuelle et collective. De ce fait, nous affirmons que la joie et le bonheur agissent comme de véritables synonymes antinomiques. Reconnaissant l’immense pouvoir induit par la joie, nous proposons une réconciliation de la raison et de l’émotion, à contre-courant des injonctions du bonheur et de la psychologie positive. Dans l’importance qu’elle accorde aux doutes, au combat et à la peine, nous verrons aussi comment Sapienza fait figure de rabat-joie, posture rhétorique de résistance développée par Sara Ahmed, qui dénonce l’illusion des dogmes aliénants. / Through the prose of the Italian author Goliarda Sapienza, this master’s thesis examines the potential of fecund joy. We will see how the alignment of reflexive desires with emancipatory struggles is central to his novel, L’Art de la joie. We shall examine the guiding, essential characteristic of joy: its capacity for physiological growth and expansion, on an individual and collective level. As a result, we affirm that joy and happiness act as actual contradicting synonyms. Recognizing the immense power induced by joy, we propose a reconciliation of reason and emotion, contrary to the admonition of happiness and positive psychology. In a rhetorical resistance developed by Sara Ahmed, who denounces the illusion of alien dogmas, we will see how Sapienza appears to be a damper by examining the importance she attaches to doubts, struggles and pain.

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Cette thèse pose un regard critique sur la dimension politique de la scène contemporaine de théâtre au Québec, dans une perspective comparative avec celle allemande, avec une attention particulière pour les villes de Montréal et Berlin. L’autrice y explore, dans la mise en scène, les gestes et les stratégies qui permettent à l’artiste de prendre position politiquement par le théâtre, soient le recours au réel, la traduction, l’adaptation et l’ironie. La mise en relation entre Berlin et Montréal se traduit dans chacun de ces gestes, mais aussi de façon générale, dans le rôle historique et symbolique que joue l’Allemagne chez les artistes de théâtre au Québec. L’analyse prend pour objet un corpus susceptible d’être diffusé dans le réseau international des arts vivants, composé de six productions récentes ("Le NoShow" (2013) du collectif Nous Sommes Ici et du théâtre du Bunker, "Fear" (2015) de Falk Richter, "100% Montréal" (2017) de Rimini Protokoll, "Macbeth" de Shakespeare monté en 2016 par Angela Konrad, "Ein Volksfeind" de Henrik Ibsen monté en 2012 par Thomas Ostermeier et "Dans la République du bonheur" de Martin Crimp monté en 2015 par Christian Lapointe). L’approche privilégiée, inspirée de l’expérience comme conseillère dramaturgique de l’autrice, est celle de l’intermédialité. Ainsi, les dimensions politiques des oeuvres sont étudiées dans la forme que prend leur propos, dans les esthétiques et les traditions convoquées par les choix de la mise en scène, ainsi que dans les mécanismes déployés pour établir une relation avec le public. L’approche intermédiale implique aussi de mettre en relation ces éléments avec leur contexte de production, du fonctionnement institutionnel des théâtres aux modes de financement qui en permettent la réalisation, en passant par le subtil rapport de force qui régit le milieu des arts de la scène. En prenant soin de cerner les contradictions au sein des oeuvres étudiées, cette thèse esquisse une approche critique des politiques de la scène contemporaine de théâtre, dans une démarche au plus près de la pratique. / This thesis offers a critical perspective on the political aspects of contemporary theatre in Quebec by using a comparative perspective with German theatre, with a particular focus on the cities of Montreal and Berlin. The author explores staging methods, gestures, and various strategies used by theatre artists to adopt political stances through theatre such as : the use of the real, translation, adaptation, and irony. The connection between Montreal and Berlin is highlighted through various gestures but also through the historical and symbolic role Germany has long held for Québécois theatre artists. This analysis will take into account a corpus of recent productions subject to international presentation : ("Le NoShow" (2013) from the artist collective Nous Sommes Ici and the Bunker theatre, "Fear" (2015) by Falk Richter, "100% Montréal" (2017) by Rimini Protokoll, Shakespeare’s "Macbeth" staged in 2016 by Angela Konrad, "Ein Volksfeind" by Henrik Ibsen staged in 2012 by Thomas Ostermeier and "Dans la République du bonheur" by Martin Crimp staged in 2015 by Christian Lapointe). Drawing on the author’s own experiences working as a dramaturg in Quebec, the thesis adopts an intermedial approach in order to explore the political aspects of the aforementioned works ; thus, it looks at what traditions are conveyed and what aesthetics are deployed through staging, as well as a host of other mechanisms, whose aim it is to garner audience sympathies. This intermedial approach will also shed a light on those elements by using the context of production, the institutional operations of theatres as to how they are financed, and the power relationships within the performing arts sector. By determining the contradictions in the studied works, this thesis will critique the politics of contemporary theatre through a practical methodology.

Cette recherche, axée sur les témoignages concentrationnaires, vise à montrer comment celui de Charlotte Delbo brise l’espace-temps, qui emprisonne généralement ce type de discours le liant à un moment et un décor dans l’Histoire. Plusieurs facettes de son écriture testimoniale seront explorées pour mettre en lumière l’actualisation et accessibilité de son témoignage qui évoque l’éternel dans une volonté d’écriture de représenter et faire ressentir l’Innommable. La première partie de ce travail fixe l’économie discursive à travers deux grandes vagues de témoignages concentrationnaires en se structurant autour d’auteurs-rescapés ayant marqué le genre, soit Primo Levi et Jorge Semprun. La seconde partie s’attache à démontrer l’exemplarité du discours de Charlotte Delbo. Dans une vision historique du discours concentrationnaire féminin, nous mettons de l’avant, à travers la comparaison de témoignages, la voix plus retentissante et troublante que donne Delbo à son témoignage. Ensuite, l’absence de contraintes qu’elle donne à sa parole concentrationnaire confronte nos représentations entourant cet univers ainsi que nos conceptions de la vérité, de la mémoire et du témoignage, amenant alors une reconfiguration de nos schèmes préétablis. Le dernier chapitre montre le rôle fondamental que Delbo accorde à l’imaginaire dans la réception de son témoignage singulier. De la puissance évocatrice du titre de son premier tome Aucun de nous ne reviendra en passant par les silences et les vides qu’elle laisse, ainsi que le décor elle nous amène à imaginer le non-dit. Finalement, l’étude de certaines figures récurrentes dans son œuvre, celles des personnages théâtraux et de la mère mettent en lumière la volonté animant son écriture, soit par le prisme de l’imaginaire de chacun d’exprimer l’Innommable. / This research on the testimonies of concentration camp survivors shows how Charlotte Delbo’s testimony broke the space-time convention that usually links this genre to a time and place in History. Her multifaceted type of writing will be explored to underscore the timeless and accessible aspect of her testimony, its desire to represent and feel the Unspeakable. The first part of this work examines the discursive prose through two waves of testimonies, structured around two authors who marked the genre, Primo Levi and Jorge Semprun. The second part shows the exemplary nature of Charlotte Delbo’s eyewitness account. In a historical point of view of the female’s testimonies, we emphasize, through testimony comparisons, that Delbo’s voice is louder and more troubling than the others. Her unrestrained speech confronts our representation of this universe, and touches our concepts of truth, memory, and testimony leading us to reorganize our preconceived notions. The last chapter shows us the pivotal role that Delbo gives to imagination in the reception of her peculiar testimony. From the force of her first title Aucun de nous ne reviendra, through the silences, the empty spaces and scenery, she pushes us to imagine the unsaid. Finally, the study of some recurrent figures she uses, the theatrical personae and the mother image shed light on the desire that motivates her writing in which she expresses the Unspeakable through the prism of individual imagination.

Le poète Salvador Espriu (1913-1985) est l’auteur d’une œuvre méditant sur l’absence. Son long poème composite, écrit sur plusieurs décennies, donne à penser l’inscription du poème comme expression singulière dans l’horizon de l’œuvre entrevue comme itinéraire spirituel. Le poème d’Espriu est hanté par la possibilité de se saisir, par les moyens du langage, de ce qui ne s’offre pas aux sens. Afin de comprendre cette articulation du sensible (le poème, la langue, la présence) et du suprasensible (la poésie, l’œuvre, l’absence), je fais appel à la notion de désir, envisagée à la fois comme pulsion fondamentale du littéraire, et comme représentation du discours figuratif. Dans le but de dépouiller ce désir des métaphores qui correspondent à la thématique amoureuse, et pour en dégager la forme d’un élan, je passe par l’archive des représentations d’Éros dans des textes de la tradition européenne (Platon, Apulée, Dante, Llull), avant d’interroger le désir à l’œuvre dans la poétique de Salvador Espriu, ce désir qui fouille les images de la mort, les mots de la langue catalane et les inscriptions littéraires et religieuses, s’en servant comme appui pour accéder à ce qui les dépasse. / The poet Salvador Espriu (1913-1985) is the author of a body of work that meditates on absence. His long composite poem, written over several decades suggests the inscription of the poem as a singular expression in the horizon of the work seen as a spiritual itinerary. Espriu’s poem is haunted by the possibility of grasping, through language, what is not available to the senses. So as to understand this articulation of the sensible (poem, language, presence) and the suprasensible (poetry, the work, absence), I call on the notion of desire, considered both as a fundamental drive of the literary and as a representation of figurative discourse. In order to strip this desire of the metaphors that correspond to the theme of love, and to extract the shape of an impulse I pass through archive of representations of Eros in texts from the European literary tradition (Plato, Apuleius, Dante, Llull), before questioning the desire at work in Salvador Espriu’s poetics, this desire which delves in the images of death, the words of the Catalan language and literary and religious inscriptions, using them as a support to access what is beyond them.

Cette thèse examine l’oeuvre et la vie de Pierre Klossowski en les considérant comme figure du phénomène littéraire. S’intéressant à l’oeuvre de ce dernier en ce que celle-ci, traversant les genres, les médias et les techniques du XXe siècle et véhiculant une pensée des plus singulière, exemplifie de façon à la fois concrète et abstraite une économie du littéraire qui est le fond épistémo-critique de cette thèse. Articulant une conception du littéraire en tant que rencontre se refusant à la simple dualité, la thèse propose une réflexion épistémologique sur le phénomène littéraire et sur l’exemplarité de la figure de Klossowski dans un tel contexte, figure dont la thèse, par le fait même, déploie la formation et la façon dont celle-ci agit sur le littéraire. En prenant en considération la formation historiquement tardive des institutions actuelles du savoir et leur effet sur la conception moderne des disciplines, la thèse permet de briser les schèmes actuels des catégorisations disciplinaires et de repenser la puissance épistémologique du littéraire selon une économie de la rencontre qu’elle analyse dans les productions transdisciplinaires de Pierre Klossowski. / This thesis examines the work and life of Pierre Klossowski as a figure of the literary phenomenon. Klossowski’s work exemplifies, both concretely and abstractly, a particular economy of the literary which is the epistemocritical basis of this thesis, for it crosses the boundaries between genres, medias and techniques of the 20th century. Articulating a conception of the literary as an encounter that refuses to be confined to simple duality, the thesis proposes an epistemological reflection on the literary phenomenon and on the exemplarity of Klossowski’s figure in such a context, a figure whose formation and the way in which it acts on the literary itself are also deployed in the thesis. By taking into consideration the historically late formation of current knowledge institutions and their effect on the modern conception of disciplines, the thesis breaks down the current schemas of disciplinary categorizations and rethinks the epistemological power of the literary according to an economy of the encounter that is analyzed through Pierre Klossowski’s transdisciplinary productions.

L’écriture littéraire de Kerouac est la manifestation de sa quête spirituelle sous la forme du chemin de l’écrit. Ce n’est pas exactement la route de l’écriture de On the Road, qui s’élance vers l’horizon comme l’autoroute américaine, lorsque l’on déroule le manuscrit sur le sol ou l’on lit les lignes de gauche à droite. Il s’agit plutôt de la manière par laquelle l’écrit forme un chemin pour que cette quête spirituelle s’oriente à travers l’œuvre, à travers la création de l’œuvre. À mi-chemin entre le français et l’anglais, écrivain beat visionnaire, Jack Kerouac explore toutes les formes d’écriture, de la prose à la forme la plus brève d’écrit littéraire, le haïku, afin de répéter et répéter des exercices littéraires de l’esprit qui lui permettront d’orienter sa quête spirituelle et de la traduire en mots. Plusieurs textes font office d’exercices d’écriture sur le parcours du corpus des écrits kerouaciens, mais c’est dans Some of the Dharma qu’on retrouve l’exemple le plus percutant des sentiers littéraires à travers lesquels s’est engouffrée sa quête spirituelle. Cette thèse examine la notion de chemin et les articulations de la quête spirituelle à travers quatre chapitres. Les deux premiers chapitres traitent respectivement des textes en français publiés en 2016 sous le titre La vie est d’hommage et du problème de la spontanéité sous l’angle du spirituel. Ils préparent ainsi la réflexion du troisième chapitre où il s’agit de comprendre comment Some of the Dharma peut être conçu comme le grand carnet laïque des chemins spirituels de Kerouac. Enfin, le quatrième chapitre expose la signification de l’imbrication de la prose et de la brièveté littéraire (notamment les haïkus et les koans), appuyée sur la conception d’un présent à la fois impermanent et éternel. Cet ensemble de réflexions mène à s’interroger sur le sens spirituel de la voie littéraire dans un monde sécularisé. Les défaites spirituelles de Kerouac sont aussi nombreuses et lui ont permis de s’orienter, n’ayant pas d’autres guides spirituels que sa propre écriture et ses lectures. L’écriture littéraire est avant tout chemin et la traversée de ce chemin mène là où nous sommes toujours. Kerouac en donne un exemple saisissant que cette thèse explicite par ses propres chemins de l’écrit. / Kerouac's literary writing is the manifestation of his spiritual quest formed by the path taken by the written word. This is not exactly the road of writing in On the Road, which rushes towards the horizon like the American highway, when you unroll the manuscript on the ground or you read the lines from left to right. Rather, it is the way in which the writing forms a path for this spiritual quest to find its way through the work, through the creation of the work. Halfway between French and English, the visionary beat writer Jack Kerouac explores all forms of writing, from prose to the briefest form of literary writing, the haiku, in order to repeat and rehearse literary exercises of the mind that will allow him to orient his spiritual quest and translate it into words. Several texts serve as writing exercises on the journey through the corpus of Kerouacian writings, but it is in Some of the Dharma that we find the most striking example of the literary paths through which his spiritual quest was launched. This thesis examines the notion of the way and the articulations of the spiritual quest through four chapters. The first two chapters discuss respectively the French texts published in 2016 under the title La vie est d'hommage and the problem of spontaneity from a spiritual perspective. They prepare the reflection developed in the third chapter, where the aim is to understand how Some of the Dharma can be conceived as the great lay notebook of Kerouac’s spiritual paths. Finally, the fourth chapter explains the meaning of the interweaving of prose and literary brevity (notably haikus and koans), based on the conception of a present that is both impermanent and eternal. These reflections lead us to question the spiritual meaning of the literary path in a secularized world. Kerouac’s spiritual defeats are numerous and have allowed him to find his way, having no other spiritual guides than his own writing and reading. Literary writing is above all a way and crossing this path leads to where we are, always. Kerouac gives a striking example of this, which this thesis makes explicit through its own writing paths.

Cette thèse envisage la relation qui prend forme par le biais du texte littéraire, lors de son écriture et de ses lectures subséquentes, dans la perspective d’une amitié, telle que l’amitié textuelle posthume entre les autrices Clarice Lispector (1920-1977) et Hélène Cixous (1937- ) la donne à penser. Bien que la mort de Lispector soit survenue avant que Cixous ait pu la lire, celle-ci a perçu dans son écriture un appel à l’amitié qui s’est répercuté autant dans sa pensée que dans son écriture et ses enseignements, influençant considérablement sa conception de l’écriture féminine. Il demeure que l’approche qu’a eue Cixous du texte lispectorien a été fortement critiquée parce que jugée trop envahissante, voire déformante, et ce, malgré les multiples invitations à la lectrice que recèle les textes de Lispector. Celle-ci somme sa lectrice à reconnaître non seulement le rôle qu’elle joue dans la constitution du texte, mais aussi à accepter sa part de la responsabilité qu’implique l’autorité du texte. L’étude de certains de ses romans montre que Lispector met de l’avant une manière d’être en relation avec autrui par le biais du texte qui tient de l’amitié. Entre l’approche lispectorienne, qui appelle à une reconnaissance de la subjectivité, ce à quoi Cixous a adhéré pleinement, et celle des critiques de la lecture de Cixous, qui prônent une lecture objective fondée sur la connaissance, il y a donc un conflit portant sur le statut du texte littéraire et sur le rapport que l’on peut entretenir avec lui. Cette relation inédite entre Lispector et Cixous est une invitation à revoir l’amitié de même que la manière dont on peut concevoir la relation qui prend forme par le biais du texte littéraire. Pour mieux comprendre le malaise que suscite le fait de rapprocher cette relation à une amitié, seront étudiées les définitions que les philosophes de l’Antiquité Platon, Aristote et Cicéron ont données à l’amitié pour mieux cerner, notamment, les enjeux relatifs à la réciprocité et à la vie en commun des amis. Montaigne et Maurice Blanchot ayant écrit au sujet de l’amitié une fois leur ami disparu, ils nous permettent de penser ce lien entre l’amitié et le texte, en ce que ce dernier permet la poursuite de la première après la mort de l’ami, alors que la réciprocité et la vie en commun sont rendues impossibles. Or, si le texte permet à l’amitié de se poursuivre au-delà de la mort, Emmanuel Levinas et Hans-Georg Gadamer considèrent que tout rapport au texte et toute herméneutique impliquent une relation qu’il faut simplement reconnaître. Cette amitié entre Lispector et Cixous s’avère donc un exemple d’amitié textuelle, laquelle est une invitation à revoir la manière dont on entre en relation avec le texte et dont on vit l’amitié en dehors de lui, comme quoi, à l’instar de toute relation, l’amitié et le texte se trouvent modifiés lorsqu’ils sont envisagés dans la perspective de leur relation. / This dissertation examines the relationship that takes shape within the literary text, through writing and reading it, as a friendship. The posthumous textual friendship between authors Clarice Lispector (1920-1977) and Hélène Cixous (1937- ) serves as an example as to how such a relationship can occur through the literary text. While Lispector was already dead when Cixous first read her, the latter heard a calling in the former’s writing, which she perceived as an invitation to be friends. Lispector’s oeuvre had a considerable influence on Cixous’ writing, teaching and thinking, even modifying her conception of écriture féminine. Nonetheless, her reading of Lispector’s texts was harshly criticized, as some found it to be domineering, even though Lispector often directly asks her reader to engage with the text so as not to leave her alone. She also invites her reader to recognize her share of the responsibility that comes with creating the text, suggesting a way to relate to another within the text that is akin to a friendship. This way to engage with the text calls for a recognition of everyone’s —writers’ and readers’— subjectivity, an approach Cixous took to heart. As for the critics, their approach to the literary text is based on knowledge instead of on the relationships to which it gives shape. This clash explains why they deemed Cixous’ reading as utterly unacceptable, these conflicting visions being irreconcilable. Lispector’s and Cixous’ uncanny friendship reads as an invitation to envision friendship as a new way to engage with the literary text. To better understand the reluctance to define any relationship taking place within the literary text as a friendship, we will examine how friendship has been defined philosophically since Antiquity through the works of Plato, Aristotle and Cicero, in which the questions of reciprocity and proximity arise. Then, Montaigne and Maurice Blanchot, who wrote texts about their respective deceased friend, will help us to consider the relationship between friendship and the text, as the latter serves to keep the friendship alive after their friend’s death, when reciprocity and proximity are no longer possible in the living world. Since the text allows for friendship to be carried on after one of the friend’s passing, it can also be envisioned as the place for friendships to take place. Emmanuel Levinas and Hans-Georg Gadamer both consider that any relation to the text and hermeneutics as a whole implies a relationship that requires to be recognized as such. Therefore, the relationship between Lispector and Cixous is considered an example of textual friendship that allows us to rethink how we engage with the text but also how we experience friendship. Just like friends both impact one another, friendship and the literary text also affect one another when viewed through the lens of relationship.

Cette thèse de doctorat intitulée Lu Yang : une esthétique aberrante cherche à étudier dans une perspective à la fois philosophique et conceptuelle la création médiatique de l’artiste chinois Lu Yang (1984-) ( 陆扬) entre les années 2013 et 2020. À travers l’animation digitale, des installations et des performances, l’artiste conceptualise de nouvelles configurations des sexes, des genres, du corps et de la conscience qui échappent aux paramètres de la normativité et qui contribuent à déconstruire et à repenser autrement l’anthropomorphisme. Ces nouvelles configurations des sexes, du corps et de la conscience possèdent la particularité d’être aberrantes. Elles remettent aussi en cause la distinction entre le rationnel et l’irrationnel mais aussi entre ce qui est considéré comme « normal » ou « anormal ». L’hypothèse de la recherche est alors la suivante : l’artiste crée et développe une esthétique aberrante caractérisée par des logiques irrationnelles mais aussi par un imaginaire singulier qui relève de l’étrange, de l’anormal, du monstrueux, et du grotesque. L’esthétique aberrante comme il le sera démontré tout au long de cette thèse, contribue simultanément à faire éclater les normes sociales, à remettre en question et à transgresser les limites et les frontières sexuelles et corporelles et à proposer de nouvelles conceptions et configurations de la subjectivité. Ainsi, les questions fondamentales posées par cette thèse sont les suivantes : comment l’oeuvre médiatique de Lu Yang développe-t- elle une esthétique aberrante ? Quelles sont les fonctions et composantes à la fois visuelles et sonores de cette esthétique ? Que nous révèle cette esthétique du point de vue philosophique et conceptuel mais aussi d’un point de vue politique ? Comment propose-t- elle de nouvelles perspectives critiques sur l’art contemporain chinois ? Mon analyse des films et des performances définit trois modalités distinctes de l’esthétique aberrante qui caractérise ses oeuvres. La première modalité développée dans le premier chapitre, s’associe à la question du sexe et de la reproductivité, à travers ce que je vais nommer le sexe-aberrant. La deuxième modalité repose plutôt sur le corps et explore ses nombreuses déformations à travers ce que je définis comme une esthétique du grotesque. Finalement, la troisième et dernière modalité, repose sur l’esprit et la conscience et cet aspect demeure étroitement lié à l’intérêt de l’artiste pour la neuroscience et le bouddhisme. À partir de ces éléments, je démontrerai alors comment l’artiste crée ce que j’appelle une cosmo- technique aberrante. Le corpus de cette thèse se constitue ainsi des cinq oeuvres suivantes : Uterus Man (2013), Delusional Mandala (2015), Electromagnetic Brainology (2017), Electromagnetic Brainology Brain Control Messenger (2018) et, Delusional World (2020). / This doctoral thesis entitled Lu Yang: An Aberrant Aesthetic analyze through a philosophical and conceptual approach the artwork of Chinese new media artist Lu Yang ( 陆扬) (1984-). The artist creates vibrant and sophisticated live-action films, 3D animation, video games installations, and motion capture performance. In these films and performances, the artist visualizes alternative configurations of sexes, bodies, and minds that challenges normativity while deconstructing anthropocentrism and the boundaries between normality and abnormality. These new configurations of sex, body, and mind are aberrant. The main hypothesis of this research is the following: the artist conceptualizes and create what I call an aberrant aesthetic that is characterized by an irrational logic but also a deviant imagination featuring the grotesque, the bizarre, and the monstrous. Then, the following questions can be asked: how does Lu Yang’s media art develop an aberrant aesthetic? What are the visual and sonic functions and components of this aesthetic? What does this aesthetic reveal to us from a philosophical and conceptual point of view, but also from a political point of view? How does this aesthetic offer new critical perspectives on contemporary Chinese art? My analysis of his films and performances distinguishes three different but interrelated modalities of the aberrant aesthetic. The first modality, developed in the first chapter, is related to sex and reproduction through what I define as the aberrant- sex. The second modality is related to the body and his deformations with what I define as the aesthetic of the grotesque. Finally, the third and last modality, represents the mind. It is associated with the preoccupation of the artist for neurosciences and Buddhism and his obsession with the question of control. Then, the third modality designates what I call an aberrant cosmo-technic. The corpus is constituted of the five following artworks: Uterus Man (2013), Delusional Mandala (2015), Electromagnetic Brainology (2017), Electromagnetic Brainology Brain Control Messenger (2018), and Delusional World (2020).