Les mays de Notre-Dame, tableaux offerts de 1630 à 1707 par la confrérie Sainte-Anne-Saint-Marcel des orfèvres parisiens à la cathédrale Notre-Dame de Paris en signe de dévotion à la Vierge, forment un des ensembles de peinture religieuse les plus importants du XVIIe siècle. La thèse de doctorat propose une étude de cette série en deux volets, une approche analytique à travers un essai et une approche synthétique à l'aide d'un catalogue. L'essai aborde dans une première partie le contexte confraternel et explique le choix de grands formats présentés dans la nef de la cathédrale. La deuxième partie s'intéresse à la fonction religieuse et politique de ces tableaux. La troisième partie s'attache aux conditions de la commande et aux questions de style et évalue la réception des œuvres au XVIIIe, XIXe et XXe siècles. Le catalogue reprend pour chaque tableau l'ensemble des données documentaires et visuelles. Les textes accompagnant les toiles (contrats, explications, inventaires de Notre-Dame) constituent les annexes. L'importance des mays dans la peinture religieuse du XVIIe siècle tient à leurs résonances avec les préoccupations pastorales et théologales de l'Église de Paris, ainsi qu'à leur statut de modèle pour la peinture religieuse. Exposés au cœur de la cathédrale de Paris, ils constituent un décor sacré au service du roi et de la politique religieuse du royaume. / The mays of Notre-Dame, paintings offered from 1630 till 1707 by the brotherhood Sainte-Anne-Saint-Marcel of the Parisian silversmiths to the cathedral Notre-Dame de Paris in sign of worship in the Virgin, are one of main group of paintings of the XVIIth century. The doctoral thesis proposes a study of this series in two steps, an analytical approach through a essay and a synthetic approach by means of a catalog. The essay approaches on a first part the fraternal context and explains the choice of large formats presented in the nave of the cathedral. The second part is interested in the religious function and the politics of these paintings. The third part becomes attached in the conditions of the command and to the questions of style and estimates the reception of the works at the XVIIIth, XIXth and XXth centuries. The catalog resumes for every picture all the documentary and visual data. Texts accompanying paintings (contracts, explanations, inventories of Notre-Dame) establish appendices. The importance of mays in the religious painting of the XVIIth century holds their echos with the pastoral concerns and théologales of the Church of Paris, as well as in their status of model for the religious painting. Exposed at the heart of the cathedral of Paris, they constitute a decoration crowned in the service of king and of religious politics of the kingdom.

Cette thèse propose de discuter la conception du crime comme un acte de survie face à la résurgence d’hallucinations sensorielles. Les sujets criminels témoignent du sentiment d’être dépossédés de leur corps, de ne plus contrôler leurs actes, décrivent des vécus de pénétration, d’explosion, de mutilation, de démantèlement : une menace terrifiante s’incarne par la dégénérescence de la sensorialité. L’hallucination ne parvient pas ici à se formaliser et emprunte directement la voie du corps. Le sujet a alors recours à l’acte pour externaliser ces vécus sensoriels persécuteurs, enkystés dans un morceau de corps, et pour tenter de trouver une amorce de symbolisation primaire. Au cours de la prise en charge individuelle ou groupale de ces patients, il s’agit donc d’écouter les manifestations hallucinatoires qui tendent à se loger dans leurs corps, pour qu’adviennent leurs mises en sens, au sein des enjeux transféro-contre-transférentiels. La thèse analyse ainsi l’aménagement d’un dispositif thérapeutique, créé pour permettre une appropriation subjective des terreurs qui ont contraint ces sujets à se placer comme hors de la scène du crime. Dans le cadre d’une pratique thérapeutique en centre de détention, un groupe à médiation corporelle et picturale est proposé aux patients incarcérés, afin de privilégier l’expression du langage sensori-moteur. La médiation corporelle fonctionne comme un attracteur des vécus catastrophiques sous-jacents aux hallucinations sensorielles, et leur partage sensori-affectivo-moteur permet l’apparition d’une scène psychique groupale. Par la mise en mouvement du corps du sujet en groupe, la sensori-motricité se trouve réunifiée aux autres modalités sensorielles. La médiation picturale s’offre alors comme un écran du rêve sur lequel sont projetés, puis représentés, les éprouvés corporels du sujet en groupe, et potentialise ainsi le déploiement de l’hallucinatoire onirique. / This thesis discusses the concept of crime as an act of survival in the face of a resurgence of sensory hallucinations. Criminal subjects describe a feeling of being dispossessed of their bodies, of no longer having any control over their actions, of experiencing penetration, explosion, mutilation and dismantling : a terrifying threat made real by the degeneration of the senses. In such cases, the hallucination fails to take form and uses the body directly. The subject then resorts to the act in order to externalise these tormenting sensory experiences, encysted in part of the body, and try to trigger primary symbolisation. In individual or group therapy sessions with these patients, the aim is therefore to listen to the hallucinatory manifestations embedded in the body, so that their meaning can emerge through transference and countertransference. Hence, we analyse a therapeutic solution created to enable the subjective appropriation of the terrors that led these subjects to situate themselves outside the crime scene. As part of therapeutic work in a detention centre, patients are invited to take part in a corporal and pictorial mediation group to encourage the expression of sensori-motor language. Corporal mediation acts as a magnet for catastrophic experiences underlying sensory hallucinations, and sharing them in a sensory-affective-motor manner enables the appearance of a group psychological scene. Through movement of the subject's body within the group, sensori-motricity is reunited with the other sensory forms. Pictorial mediation then acts as a dream screen onto which are projected, then represented, the subject's corporal experiences within the group, thereby rendering dreamlike hallucination possible.

Bien que peu connue, la collection Watson-Taylor fut indiscutablement l’une des plus importantes des années 1820 en Angleterre. Elle se distingue par la personnalité particulière de son inventeur qui réunit entre 1803 et 1821 une collection prestigieuse digne des grands ensembles aristocratiques. Cependant, la fortune de George Watson-Taylor reposant sur le marché du sucre de canne aux Antilles, instable et en déclin, il subit un revers de fortune en 1832 l’obligeant à vendre tous ses biens. Il acquit près de trois cent vingt tableaux parmi lesquels de nombreux chefs-d’œuvre aujourd’hui conservés dans les musées du monde entier. La recherche sur cette collection et ce personnage interroge de nombreux aspects de l’histoire de l’art et des collections à cette période charnière, notamment la question de la spéculation, du connoisseurship, du marché de l’art, du rôle du mécénat dans l’affirmation de l’école britannique de peinture dans son pays et à l’international. Elle s’intéresse également au mouvement historiciste de cette époque encore empreinte de la pensée et de l’esthétique romantique, mais aussi aux questions identitaires propres à l’émergence de nouvelles élites. Autant de sujets liés à un contexte très riche mêlant patriotisme, débat sur l’abolition de l’esclavage et réforme de la vie politique. Elle ouvre une nouvelle fenêtre sur le passage d’un collectionnisme d’Ancien Régime hérité du Grand Tour à un collectionnisme victorien davantage tourné vers l’art national et contemporain. Cette thèse a pour but d’analyser une collection célébrée puis oubliée et de déterminer sa place dans l’histoire du goût et des collections en l’Angleterre à la fin de la période Regency. / Even if it isn’t well-known nowadays, the Watson-Taylor collection was indisputably one of the most important collections of the 1820s in Great Britain. It distinguished itself by the distinctive personality of its founder who assembled between 1803 and 1821 a collection as prestigious as great aristocratic ones. However, George Watson-Taylor’s wealth resting on the instable and declining West Indian sugar market, he suffered a reversal of fortune in 1832, forcing him to sell all his properties. He acquired nearly three hundred and twenty paintings including many masterpieces now exhibited in museums all over the world. Research on these collection and figure questions many aspects of the history of art and collections at this pivotal period, in particular issues like speculation, connoisseurship, art market, the role of patronage in the recognition of the British school of painting in its own country and internationally. It also treats of the historicist movement, still tinged with Romantic thought and aesthetic in that period, and of the identity issues related to the emergence of new elites. Many topics linked to a very rich context involving patriotism, debate about the abolition of slavery and political reform. It provides new information about the passage between the ways of collecting inherited from the Grand Tour, and the Victorian ones more focused on national and contemporary art. This doctoral thesis aims to analyze a celebrated then forgotten collection and to determine its place in the history of taste and collecting in Great Britain at the end of the Regency era.

Cette thèse est un travail historiographique qui découle d’une étude des textes consacrés à la peinture vénitienne, publiés en français entre 1800 et 1914. Tout en considérant ces documents dans leur diversité (ouvrages savants ou de vulgarisation, récits de voyages), il s’agit de les replacer dans un contexte de formation de l’histoire de l’art comme champ autonome de connaissances. Car du fait de son statut encore incertain au XIXe siècle, la discipline se nourrit d’une littérature variée, et jette dans le même temps les fondements d’un savoir institutionnalisé. La notion d’école de peinture apparaît comme une catégorie de ce savoir et permet de concevoir la peinture vénitienne comme un phénomène singulier et cohérent. Envisagée pour son coloris, cette école est perçue comme le lieu d’une sensualité qui nie les exigences d’une doctrine héritée du classicisme. Les historiens de l’art du XIXe siècle mettent en place un appareil argumentatif et rhétorique visant à donner à leur discours une légitimité scientifique. Dès la moitié du siècle, l’usage d’une méthode scientiste permet d’expliquer la peinture vénitienne par des justifications sociales, climatiques ou raciales. Au sein du raisonnement qui démontre la nature anticlassique de l’école vénitienne, il convient aussi de considérer les arguments fournis par l’Orientalisme et par l’histoire de l’art flamand et hollandais, qui par un rapprochement avec Venise, éloignent encore sa peinture du modèle classique. Mais il importe par ailleurs de relever les ouvertures du discours qui infléchissent cette pensée dominante. La confrontation de la peinture vénitienne avec les nouvelles formes d’art contemporain – Romantisme, Impressionnisme, Symbolisme – permet d’en faire un lieu d’identification pour la modernité picturale. Enfin, les revendications identitaires qui parcourent une Italie en quête d’indépendance et une France hostile à la Prusse après la guerre de 1870, participent autour de 1900 à caractériser l’école vénitienne comme un lieu d’ancrage d’une identité classique, latine et/ou chrétienne résistant à la menace germanique. / This thesis is a historiographical work which ensues from a study of texts dedicated to Venetian painting, published in French between1800 and 1914. While considering these documents in their diversity (learned works, popularized works and travel stories), its main concern is replacing them in a context of establishment of art history as an independent field of knowledge. Thus, because of its still uncertain status in the 19th century, this discipline feeds on varied literature, and establishes itself at the same time as an institutionalized knowledge. The notion of school of painting appears as a category of this knowledge and allows one to conceive Venetian painting as a singular and coherent phenomenon. Considered for its colour, this school is perceived as a place of sensuality which denies requirements of a doctrine descended from classicism. The art historians of the 19th century set up an argumentative and rhetoric device in order to give to their speech a scientific legitimacy. Beginning in the second half of the century, the use of a scientistic method allows one to explain Venetian painting by social, climatic or racial justifications. Through this reasoning, which demonstrates the anticlassical nature of the Venetian school, it is also advisable to consider the arguments provided by Orientalism and by Flemish and Dutch art history, and which by establishing a parallel with Venice, push it's painting further still from a classical model. However it is further more important to discover the widening of speech bending this dominant thought. The confrontation of Venetian painting with new forms of contemporary art - Romanticism, Impressionism, Symbolism - allows one to create an identification space for pictorial modernity. Finally, the identical demands in Italy in its search of independence and French hostility to Prussia after the 1870 war, take part, around 1900, to the characterization of the Venetian school as a place of anchorage, for a classical, Latin and/or Christian identity resisting to a Germanic threat.

Anne de Bretagne a largement retenu l'attention des historiens et des historiens de l'art. Pourtant une approche globale de ses collections d'art restait à faire. L'examen de la constitution de ces collections a permis de mettre au jour l'importance des héritages ducal -de son père François II -et royal - de son premier époux Charles VIII -, et de mieux déterminer la part de ses propres commandes. Grâce à ces enrichissements successifs, Anne de Bretagne possédait d'extraordinaires collections d'art, parmi les plus riches du royaume. Les textiles, indispensables à l'ameublement des logis royaux, y tiennent une place considérable que ce soient les tissus d'ameublement ou les tentures historiées. Les arts de la table et l'orfèvrerie religieuse constituent une autre part importante de toutes collections princières médiévales. Anne de Bretagne sut aussi exprimer un goût plus personnel par son penchant pour les bijoux, les verres vénitiens ou la peinture. Cette étude s'attache aussi à replacer ces objets précieux dans leur contexte quotidien. Entre transports et mises en dépôt, leur vie était mouvementée, à l'instar de la cour itinérante dont ils constituaient le décor. L'examen de cet aspect permet de mieux appréhender le rapport qu'Anne entretenait avec ses collections. Les arts tenaient un rôle de premier plan dans l'affirmation du prince et Anne en eut bien conscience. Elle sollicita les artistes les plus réputés et se montra soucieuse de l'entretien de ses objets, Elle exprima aussi son attachement au duché breton en les entreposant au château de Nantes. Elle veillait enfin à l'exposition de ses plus belles pièces, notamment lors des grands événements de la vie de cour. / Anne of Brittany has received much attention from historians and art historians alike, and yet a comprehensive review of her art collections never been done. An examination of the composition of these collections helped to uncover the importance of both her ducal heritage -from her father Francis II-and her royal heritage -from Charles VIII. This examination also helped to better understand the importance of her own commissions and sponsorships. Through these successive endowments, Anne of Brittany amassed an extraordinary collection of art, among the richest in the kingdom. As an essential decor for the royal apartments, textiles hold an important place in these collections, whether it be silk fabric or tapestry. Tableware and religious gold work also represented an serious part of the collections, Furthermore, Anne own personal-taste is better expressed through be r affection for jewelry, Venetian glass and paintings. This study also sought to place these precious objects in their everyday context. Between placement, transport and storage, these pieces were in constant' movement as the backdrop to the itinerant court. The examination of this aspect provides further insight into the relationship between Anne and her collections, She was well aware that art held a prominent role in the affirmation of the Prince. She sought out the most renowned artists and appeared careful about the maintenance of their work. She also expressed her commitment to the duchy of Brittany by regularly storing her artwork in the castle of Nantes. Anne endeavored to exhibit her best pieces, particularly during major events of court life, again proving her dedication to the arts.

Cette thèse étudie l’apparition, dans la mise en scène picturale des récits bouddhiques du début du 18e siècle, d’hommes et de femmes du peuple, discutant, se querellant, s’aimant, ou simplement dépeints dans leur quotidien, sans rapport avec ces récits dont ils occupent pourtant le premier plan. En parallèle à des personnages hauts en couleurs (fumeurs de narguilé, amateurs d’alcool et de femmes) d’origine indienne, portugaise et métisse, dont les noms propres figurent dans le cartouche des légendes des scènes, et qui caractérisent la production picturale de la région de la Chindwin, des quidams dépeints dans leur quotidien (cavaliers, vachers, chasseurs d’oiseau de mauvais augure, enfants accourus voir le Bodhisatta, hommes montant à un palmier) illustrent, eux, la place de plus en plus grande prise par le cadre de la transposition des récits, c’est-à-dire par la société des peintres. Les premiers donnent lieu à une série de portraits, souvent caricaturaux, et de scènes de genre d’un humour paillard qui témoignent d’un sens de l’observation de la nature humaine, d’autant plus aigu qu’il s’agit d’étrangers. Le propos de ces peintures n’est plus seulement d’édifier le spectateur mais de le surprendre et de le divertir. Les seconds illustrent le goût des peintres pour un quotidien perçu comme exotique du simple fait de sa représentation. Finalement, ce n’est pas à une sécularisation du propos des récits bouddhiques que nous assistons, mais au contraire à leur appropriation, à leur birmanisation, comme le prouveront dès la fin du 18e siècle, les séries de monuments bouddhiques régionaux. / This doctoral thesis studies the appearance, in the pictural mise en scène of early 18th century Buddhist narratives, of ordinary men and women discussing, quarelling, loving, or simply depicted in their everyday life, and who occupy the foreground of the narratives though they are not part of them. Together with characters hauts en couleurs (narghile smokers, alcohol and women lovers) of Indian, Portuguese and half-breed origin, whose proper names appear in the cartouche of the captions of the scenes, and who characterize the pictural production of the Chindwin region, are everyday fellows depicted in their daily life (horsemen, cowherds, hunters of ill-omen birds, children running to see the Bodhisatta, men climbing a palm tree). These fellows illustrate the increasingly large place given to the society by the painters. The characters hauts en couleurs give rise to a series of portraits, often of a caricatural inspiration, and to genre scenes of a bawdy humour that reflect a sense of observation of the human nature, all the more accurate as it depicts foreigners. The purpose of the paintings is not just to edify the audience, but also to surprise and amuse it. The fellows illustrate the tendency of the painters to represent life scenes as exotic. Finally we are not witnessing a secularization of the purpose of the Buddhist narratives but, on the contrary, their appropriation and their Burmanization, as shown by the series of regional Buddhist monuments starting from the late 18th century.

L’apparition de l’image du Mongol dans les peintures italiennes est un phénomène particulier et marginal aux XIIIe et XIVe siècles. Notre thèse s’interroge et analyse comment les artistes représentent cette nouvelle image de l’autre, si étrangère et siimpensable, et considère la formation et la transformation des images dans différents contextes. L’image du Mongol s’inscrit dans l’histoire transculturelle qui correspond à la période de la Pax Mongolica s’étendant entre 1250 et 1350. Après la conquête mongole, l’Empire mongol construisit une période de paix dans le vaste territoire de l’Eurasie. L’autorité mongole fit un grand effort pour faciliter les routes commerciales, elle construisit un réseau de routes qui permit aux marchands, ambassadeurs et missionnaires de circuler facilement entre l’Europe et l’Asie. A partir de ce moment, les figures mongoles, comme image d’altérité, pénètrent, d’une manière anachronique, dans les narrations évangéliques, comme l’Adoration des mages, la Crucifixion, la Pentecôte et la Résurrection. Elles ne jouent pas toujours un rôle péjoratif, mais changent leur image selon les contextes et les moments : elles ont été représentées comme Gog et Magog à la fin des temps, soldat partageant la tunique du Christ, spectateur et témoin devant le martyr et la Crucifixion, et rois orientaux adorant l’enfant Jésus. Tout cela constitue, dans une certaine mesure, une image oscillatoire qui crée une tension entre la terreur et l’espoir. Notre thèse tente de penser cette complexité du contexte dans la représentation de la figure mongole et dans ce processus, de démontrer comment l’image donne, à son tour, une visibilité des mentalités de la fin du Moyen Âge. / The appearance of Mongol images in Italian paintings is a particular and marginal phenomenon in the late 13th and 14th centuries. My thesis examines and analyses how artists represent this new image of the Other, so foreign and so unthinkable, and considers the formation and transformation of images in different contexts. The Mongol image inscribed in a transcultural history corresponds to the period of the Pax Mongolica between 1250 and 1350. After the Mongol conquest, the Mongol Empire built a period of peace in the vast territory of the Eurasia. The Mongolian authority made a great effort to facilitate the trade routes, and built a network of roads that allowed merchants, ambassadors and missionaries to circulate easily between Europe and Asia. From this moment, the Mongol image, as an image of otherness, penetrates into evangelical narrations in an anachronistic way, such as the Adoration of the Magi, the Crucifixion, Pentecost and the Resurrection. The role of Mongol is not univocally negative. It changes according to the moments and contexts: they were represented as Gog and Magog at the end of time; as soldier dividing the tunic of Christ; as spectator and witness watching the crucifixion or martyrdom scenes; as oriental kings worshiping the newborn Christ-child. All of this constitute, to some extent, an oscillating image that creates a tension between terror and hope. My thesis aims to consider the complexity of the context in the representation of the Mongol image and to demonstrate how, in this process, the image gives, in turn, a visibility of the mentalities of the end of the Middle Ages.

Ce mémoire de maîtrise s’intéresse à la construction du sens des jugements esthétiques dans Le Côté de Guermantes, troisième volume d’À la recherche du temps perdu de Marcel Proust. Le narrateur de ce texte, qui admire des créateurs comme Elstir, Wagner et Hugo, tout en méprisant les Vibert, Auber et autres Bornier, développe un riche discours esthétique qui entre en contradiction avec la plupart des goûts affichés par les personnages du roman, opinions artistiques majoritairement énoncées lors de longues scènes mondaines qui constituent autant un contexte favorable aux conversations artistiques qu’un obstacle à ce que Kant appelle la « pureté » des jugements. Le sens de ces derniers repose sur la présence plus ou moins voilée d’un code esthétique qui, traversant la Recherche, fournit au lecteur des instructions concernant la valeur des différentes unités esthétiques jugées ainsi que la manière de porter un bon jugement. L’analyse de la structure de ce système (que nous décomposons en unités, prédicats, modalités, paramètres et procédés) constitue l’un des aspects de notre travail, qui vise en outre à répondre à des questions suscitées par deux axes de recherche. L’axe esthétique, d’abord, interroge la position de ces jugements entre deux pôles : celui de l’ « esthétique pure » inspirée de la Critique de la faculté de juger de Kant, attitude qui cherche à émettre un jugement libre et désintéressé en priorisant les caractéristiques formelles des œuvres, et celui d’une « esthétique populaire » décrite par Bourdieu dans La Distinction, qui tend à juger les œuvres d’art à partir de critères employés dans l’appréciation des objets dans la vie de tous les jours. Notre axe narratif nous porte quant à lui à nous interroger sur les fonctions caractériologique et sociologique des opinions artistiques. Nous explorons ces questions en étudiant successivement les jugements picturaux, musicaux et littéraires du Côté de Guermantes. / This master explores the production of meaning through aesthetic judgments in The Guermantes Way, the third volume of Marcel Proust’s In Search of Lost Time. The narrator of this text, who admires creators like Elstir, Wagner and Hugo while despising Vibert, Auber and other artists like Bornier, develops a rich aesthetic discourse that contradicts the taste of most of the novel’s characters, whose artistical opinions are mostly exposed in the long social scenes that constitute a good context for artistic conversations as well as an obstacle to what Kant calls the « purity » of judgment. The signification of these passages relies on the presence of a code that, across In Search of Lost Time, provides instructions to the reader about the value of the different aesthetic unities to be judged as well as about the right way to appreciate a work of art. The analysis of this system’s structure (broken down in units, predicates, modalities, settings and processes) is an aspect of our work, which also consists of two lines of research. First, the aesthetical aspect is related to the position of the judgments between two poles : the one of the « pure aesthetic » inspired by Kant’s Critique of Judgment, which is a way of trying to make free and disinterested judgments prioritizing formal characteristics, opposed to the one of a « popular aesthetic » developed in Bourdieu’s La Distinction, which tends to judge a work with the same criteria used in judging an object in everyday life. Then, our narrative line of research explores the character building and the sociological function of artistic opinions. We answer those questions by analysing successively the pictorial, musical and literary aesthetical judgments in The Guermantes Way.

Jean Cousin a suscité différentes formes de réception, révélatrices des enjeux discursifs des historiographes. De même, l’analyse critique des textes qui ont été produits sur l’Eva prima Pandora a fait émerger plusieurs problématiques inhérentes au processus de l’interprétation des œuvres d’art, au discours produit sur la peinture. À partir d’un contexte documentaire lacunaire, qui concerne autant le peintre que son tableau, les auteurs ont crée des fictions révélatrices de leur orientation méthodologique et des attentes de leur époque d’expression.Nous porterons donc un regard critique sur la construction mythique de l’image de l’artiste qui s’est opérée dans les différents textes consacrés à la vie et à l’œuvre de Jean Cousin. De même, à travers les propositions sémantiques qui ont été faites de la peinture, nous mettrons en évidence les présupposés théoriques et méthodologiques du discours produit par les interprètes, afin de montrer les limites de leur démarche. Partant de ce constat, prenant en compte les différentes pistes de réflexion récemment ouvertes par l’histoire de l’art, nous étudierons l’Eva prima Pandora, en portant notre attention sur le VOIR, sur le processus de création picturale, sur la nature des intentions de Jean Cousin alors qu’il peignait l’Eva prima Pandora. / Jean Cousin has generated various forms of reception, reveling the discursive stakes in the historiographers. Also, the critical analysis of the texts which were produced on the Eva prima Pandora brings to the foreground several problematics inherent to the process of the interpretation of works of art, to the discourse produced on painting. From an incomplete documentary context, which concerns as much the painter as his painting, the authors created revealing fictions of their methodological orientation and of the expectation of their period of expression. We will thus wear a critical look at the mythical construction of the image of the artist that took place in the differents texts devoted to the life and the works of Jean Cousin. In the same way, through the semantic propositions that have been made on the painting, we will highlight the theoretical and the methodological presuppositions of the discurse produced by the interpreters, in order to show the limits of their approach.Leaving of this report, taking into account the differents tracks of reflexion recently opened by the history of art, we will study the Eva prima Pandora by paying our attention to de SEE, to the process of picturial creation, to the nature of intentions of Jean Cousin while painting the Eva prima Pandora.

Cette étude se concentre sur l’Ecole de New York en poésie (« The New York Poets ») de la première génération (surtout John Ashbery, Frank O’Hara, Kenneth Koch, James Schuyler, et Barbara Guest) et de la second génération (surtout Bill Berkson, Alice Notley, Ted Berrigan, Eileen Myles, Anne Waldman, Ron Padgett, et Joe Brainard) – à travers la production de ces poètes (poèmes, pièces de théâtre, romans, essais, peinture-poèmes, collages, etc.). Les parallèles entre la peinture et la poésie de l’époque sont probants. Pour le poème, la peinture est à la fois un élément significatif du contexte et un facteur important d’inspiration. L’optique en examinant les textes est triple : d’abord, l’influence de l’évolution de l’art et particulièrement des stratégies des plasticiens d’avant-garde ; puis, l’influence du milieu social et du contexte des quartiers bohêmes de New York des années 1950 et 1960 ; et enfin, tout ce qui peut traduire un positionnement chez les poètes vis-à-vis de la politique et la société et le désir d’une progressivité. Ces trois facteurs s’additionnent pour s’inscrire avec une grande complexité dans les textes. / This study focusses on the poets of the New York School (« The New York Poets ») of the first generation (especially John Ashbery, Frank O’Hara, Kenneth Koch, James Schuyler, et Barbara Guest) and the second (especially Bill Berkson, Alice Notley, Ted Berrigan, Eileen Myles, Anne Waldman, Ron Padgett, et Joe Brainard) – taking into account the textual production of the poets (including poems, plays, novels, essays, poem-paintings, collages, etc.), and making a parallel study of the painting of the period, to help evoke the precise context and show relevant strands of inspiration. Works are discussed through three lenses : an idea of the evolution of art leading up to the present and particularly avant-garde artistic strategies, the influence of the social sphere including the relevance of the New York bohemia in the 1950s and 1960s, and all that conveys a sense political positioning with the desire for progress. Those three factors combine to create complexity in the texts.