Les processus de la mise en scène reposent nécessairement sur une réalité humaine complexe, faite de dialogues et de rapports de force en constante redéfinition. Afin de les théoriser, plusieurs travaux ont institué en corpus les documents produits en cours de réunion ou de répétition, pour leur appliquer les méthodes issues de la génétique des textes. Or le transfert s’avère problématique : vestiges lacunaires, ces supports ne sauraient témoigner à eux seuls de la vie organique et polyphonique de la mise en scène en gestation. Une première solution consiste à opter pour une approche radicalement intermédiale des archives d’un spectacle : dans la mesure où la mise en scène fait interagir plusieurs disciplines artistiques, pourquoi ne pas la penser en confrontant activement les différents media générés lors de son élaboration ? Complémentaire de la première, une seconde proposition suppose que le chercheur s’implique dans une observation in vivo de réunions et de répétitions afin de disposer d’une matière plus complète. À cette clarification épistémologique succède un essai de théorisation des processus de la création scénique. Il apparaît tout d’abord que l’espace de travail est aussi bien un contenant physique de la recherche des artistes qu’un catalyseur : c’est en se l’appropriant à plusieurs qu’un groupe de collaborateurs donne corps à la mise en scène. L’espace de création révèle par là même une dimension polyphonique que l’on retrouve sur le plan du temps : dans la mesure où il engage un ensemble d’artistes, un processus ne possède pas de linéarité chronologique homogène ; il se compose d’une multitude de temporalités propres à chacun des répétants, qu’il s’agit de faire converger pour élaborer un spectacle commun à tous. Les processus de la mise en scène se caractérisent ainsi par leur dimension fondamentalement sociale. Réunie dans un espace-temps donné, la petite société formée autour du metteur obéit à un mode de création dialogique, où les propositions des uns et des autres s’agrègent pour former un discours foisonnant dont la force et l’unité sont garanties par une instance surplombante. / A complex human reality, based on dialogues as well as power relations which are permanently being redefined, is at the heart of the process of performance creation. So as to theorize such processes, several studies have been building a corpus compiling the documents which are produced during meetings or rehearsals. However, such a transfer has proven questionable : as it is made of incomplete traces, such material is necessarily too incomplete to bespeak of the organic and polyphonic life of a performance in gestation. A first solution is to elect a decidedly intermedial approach of a performance’s archives : since various artistic disciplines interact in the process of a performance’s production, one may analyze it by actively comparing and contrasting the different media which are generated during its elaboration. As a complement to the first proposal, a second approach will lead the researcher to get involved into an in vivo observation of meetings and rehearsals so as to have at his disposal a more comprehensive research material. This epistemological clarification paves the way for an attempt to theorize the processes of stage creation. First, it appears that the stage or work space is as much of a physical receptacle for the artists’ research as it is a catalyst : it is in the course of getting to own this space collectively that a group of collaborators gives substance to the production. The creative space thus reveals a polyphonic dimension which is also true regarding time : since it involves an ensemble of artists, a creative process has no uniform chronological linearity ; it comprises a whole array of relations to time which are specific to each of the participants, and one has to bring these temporalities together to give birth to a performance that belongs to all. There is therefore a fundamentally social dimension to any staging process. As it is gathered in a given space and time, the small society which is formed around the stage director has to follow a creative process based on dialogue, where the suggestions of the different individuals coalesce to produce a prolific discourse whose strength and unity are guaranteed by the presence of the director.

La recherche propose d’explorer une démarche alternative à l’évaluation certificative par standards dans le monde de la formation et de la qualification des enseignants. La question qui parcourt la thèse est la suivante : une démarche de projet réflexive, enrichie par les outils du web 2.0 et de l’évaluation qualitative peut-elle accompagner le développement des compétences professionnelles nécessaires aux futurs enseignants de langues en formation universitaire initiale (master) ? La recherche inductive qui a été mise en place s’intéresse à trois promotions d’étudiants. Le construit théorique et l’opérationnalisation de la question de recherche ont ainsi émergé au fur et à mesure du déroulement de la recherche. Le corpus collecté est varié (journaux de bord, écrits professionnels, blogues communautaires, monographies, entretien collectif). L’analyse qualitative doublée d’une analyse de discours assistée par ordinateur permet d’apporter des éléments marqués qui montrent l’intérêt de l’approche retenue. / The research aims at exploring an alternative approach to a standard-based certification assessment used in teacher training and qualification. The underpinning question of the thesis is the following: can a reflective project approach enhanced by web 2.0 tools and qualitative assessment help develop the professional skills needed by future language teachers when still at university? The empirical research has been conducted with three student classes. The theoretical basis and the operationalisation of the research question have thus emerged as the research was being developed. The gathered corpus is varied (logbooks, professional writings, community blogs, collective interviews). Both the qualitative analysis and computer-aided discourse analysis bring to light marked elements pointing to the relevance of the chosen approach.

Cette thèse étudie la question de l'idiomaticité dans la pratique musicale de l'improvisation libre. Notre enquête débute avec une discussion sur les difficultés qu'implique toute tentative de délimiter cette activité ou de la définir en termes positifs. En effet, le produit d'une performance improvisée émerge au moment de la prestation et s'évanouit immédiatement. Ce fait a poussé de nombreux musiciens et chercheurs à classer cette pratique comme étant « non-idiomatique » (et donc comme étant résistante à l'analyse sémiotique), une désignation qui a été popularisée par Derek Bailey dans son oeuvre pionnière Improvisation. Cependant, malgré son apparent caractère insaisissable, le genre a été capable de subsister depuis plusieurs décennies et continue a se propager à de nouvelles scènes musicales à travers le monde, supporté par un ensemble relativement consistant de préoccupations idéologiques et esthétiques quiunissent et habilitent ses praticiens et admirateurs. En utilisant un modèle sémiotique triadique dans la tradition de C.S. Peirce et en considérant les différents aspects de l'improvisation libre à la lumière de sa théorie des catégories, nous sommes capables d'élaborer une analyse sémiotique des aspects émergents/évanescents de l'improvisation libre, ainsi que de ses propriétés plus durables/idiomatiques. L'improvisation libre n'est pas du tout, comme aiment l'affirmercertains, libre de toutes conventions. Un des accomplissements de cette thèse est de déconstruire de mythe de la non-idiomaticité de l'improvisation libre et de démontrer que les engagements idiomatiques particuliers de cette pratique ont tout simplement été déplacés, abandonnant pour la plupart les idiomes formels (tels des approches génériques, codifiées et reconnaissables à la tonalité et au rythme) pour privilégier des codes de conduite qui rendent l'activité cohérente et signifiante à ses participants. Les témoignages d'improvisateurs révèlent qu'ils sont largement motivés par des préoccupations et principes similaires. Quant à la valeur momentanée reconnue de n'importe quel aspect formel d'une performance improvisée, c'est grâce à l'implémentation soudaine de conventions localisées et habituellement de trèscourte durée (que nous appelons « entente ») que les musiciens arrivent à cette reconnaissance mutuelle (mais toujours contingente). Les improvisateurs tendent à vouloir déconstruire ces conventions formelle émergentes assez rapidement. Ils comptent ne laisser aucun engagement formel se solidifier au delà d'un certain caractère liminaire qu'ils jugent désirable dans le cadre de leur activité. Finalement, n'importe quel indicateur pour mesurer le succès d'une performance improvisée doit se référer soit aux principes unificateurs qui soutendent la pratique et représentent le coeur de sonidiomaticité, soit aux exigences momentanées imposées par l'entente. / This thesis studies the question of idiomaticity in the musical practice of free improvisation. Our enquiry begins with a discussion on the difficulties of delineating this activity and of defining it in positive terms. The production of improvised performances indeed emerges at the moment of its delivery and is immediately fleeting. This has led many musicians and writers to classify the practice as "non-idiomatic" (and thus resistant to semiotic analysis), a designation popularized by Derek Bailey in his pioneering book Improvisation. Yet despite its apparent elusiveness, the genre has been able to endure for several decades and keeps spreading to new music scenes throughout the world, supported by relatively consistent ideological and aesthetic preoccupations that unify and enable its practitioners and fans. By using a triadic semiotic model in the tradition of C.S. Peirce and by considering the different aspects of free improvisation in the light of his theory of categories, we are able to give a semiotic account of both the emergent/evanescent and the enduring/idiomatic aspects of free improvisation. Free improvisation is not at all, as some would hope, free from all conventions. One of the accomplishments of this thesis is to deconstruct the myth of free improvisation's non-idiomaticity and demonstrate that the practice's particular idiomatic commitments have merely been shifted away from formal idioms (such as generically codified and recognizable approaches to tonality and rhythm) and onto codes of conduct that keep the activity coherent and significant for its participants. Musician testimonies reveal that the practices of free improvisers are indeed motivated by similar underlying concerns and principles. As for agreements on the momentary value of any of the improvised performance's formal aspects, they find mutual (if contingent) recognition through short-lived localized formal conventions that we call "entente". Improvisers, however, typically playfully deconstruct these emergent formal conventions rather expeditiously; they are intent on not letting any formal commitments solidify beyond a desired liminal capacity. In the end, any gauge for the success of an improvised performance must refer either to the underlying unifying principles that make up the core of its idiomaticity or to the momentary exigencies of entente.

This dissertation is about Norwegian school journeys to former death and concentration camps in Poland and Germany. The thesis follows a 10th grade class from the preparations for such a journey, on the journey itself and finally during the reflective work of the pupils upon returning to school. The journey is viewed as a memory process and the thesis discusses how the collective memory of Holocaust is constituted and how the Holocaust memory is staged and performed by the pupils. This kind of travel praxis balances among the inner processes of acknowledgement connected to the pilgrimage, the hedonism of tourism and the school journey’s play with the limits of the teacher’s tolerance. How the pupils handle the tension among these three forms of travelling genres is ritually scripted. Also, the way the pupils express their impressions of the journey is strictly ritually scripted. The journey is thus a monological organised memory praxis which makes it difficult for the pupils to express themselves in ways other than the scripted ones. / Denne avhandlingen handler om norske skoleturer til tidligere døds- og konsentrasjonsleirer i Polen og Tyskland. Avhandlingen følger en tiendeklasse fra Oslo gjennom forberedelsene til reisen, underveis på turen og i bearbeidelsen av inntrykkene etter at elevene har kommet hjem. Reisene studeres i et erindringsperspektiv med fokus på hvordan erindringen om annen verdenskrigs konsentrasjonsleirsystem konstitueres, fortelles og iscenesettes. Konkret undersøker avhandlingen hvordan konsentrasjonsleirene og Holocaust presenteres for elevene, hvordan elevene selv italesetter sin fortidsfortolkning og hvordan holocausterindring iscenesettes gjennom en slik reise. Denne formen for reisepraksis balanserer mellom pilegrimsreisens indre erkjennelsesprosess, turistreisens hedonisme og skoleturens lek med grensene for lærerens toleranse. Hvordan elevene skal manøvrere seg innenfor spenningsfeltet mellom disse tre formene for reisegenre er i stor grad styrt av et rituelt script. Det samme kan sies om elevenes ytringsmuligheter i etterkant av turen. Reisen kan derfor sies å være en form for monologisk organisert erindringspraksis som gir elevene få muligheter til å uttrykke seg på andre måter enn de rituelt foreskrevne.

Les interventions artistiques dans le monde des entreprises soulèvent la question de leur capacité critique, et de leur posture politique. L’artiste peut-il contribuer par son intervention à humaniser l’organisation, et diminuer l’exercice de l’autorité arbitraire qui s’y exerce ? Mes propres expériences au moyen d’un dispositif de discussion particulier, basé sur le principe « on choisit qui on écoute, on ne choisit pas à qui on parle », tentent d’instaurer un partage de la parole plus égalitaire sur les scènes ordinaires de la vie organisationnelle. En m’appuyant sur les théories de Jacques Rancière au sujet d’une esthétique politique, j’analyse deux cas où l’introduction de mon dispositif, destiné à ouvrir plus de possibilités d’écoute égalitaire, a résulté en conflits et en renforcement de l’autorité et de la confiscation de la parole. La description des logiques internes à l’expérience sensible des acteurs mène à penser une forme de dialogisme fondé non pas tant sur l’opposition entre autorité et dissensus, mais sur la prise en compte de l’autoritarisme de l’écoute elle-même. La critique de mon dispositif et de la manière dont sont activées les dimensions contradictoires du sensible de la parole, telles que les perçoivent les acteurs, ouvre sur l’art comme éducation esthétique à une forme d’écoute « dissensuelle », qui sache discerner les voix dans le bruissant de la scène de parole, tout en sachant que tout discernement est arbitraire. J’en déduis le type de responsabilité éthique que doit assumer mon approche des organisations par l’art, pour que l’esthétique au sens de Rancière rejoigne le politique en pratique. / Artistic interventions within organizations meet the issue of their political stance and their critical ability. Can the art intervention foster a humanization of the organization and lower the arbitrary and authoritarian regime? My own experiments through the mean of a discussion device and a protocol based on the rule: “you choose who you listen to, you cannot choose who you talk to”, strive at opening a more egalitarian sharing of the speech on the organizational stage. Drawing on Rancière’s aesthetic and politic theories, I investigate two cases where my intervention resulted in an increased enforcement of power and a restriction of the freedom to speak. By describing the internal logics underlying the actors’ experience of the sensible, I outline a conception of a dialogism not so much concerned with the right to speak and the claim for acknowledgement, as with the inevitable authoritarian quality of listening. The critique of my intervention and my art device and the consideration of the manners in which the actors perceive the heterogeneous dimensions of speech delineate an art form of intervention as an aesthetic education. Training a dissensual listening would mean knowing how to discern any voice among the rustling others, and knowing how discernment is arbitrary. I conclude by circumscribing which ethic responsibility I need to assume in order for my art approach towards organizations to qualify as a true political aesthetics in the sense of Rancière.

Bien que l'œuvre de Nathalie Sarraute ne traite pas directement du double en tant que motif littéraire, il n'en demeure pas moins que la poétique du double constitue la base d'une large part de ses récits et se manifeste précisément par le biais de la figure de l'équivoque, grâce à une rhétorique qui met en jeu l'inlassable dynamique entre le visible et l'invisible, le dicible et l'indicible, la surface et le contenu, le trompe l'œil et le sous-entendu. Pour révéler la vaste gamme de phénomènes qui s'intègrent à la définition du double chez Sarraute, nous allons nous inspirer, comme elle, de ses lectures de Dostoïevski, écrivain qui entame avec Le Double une métamorphose de la figure héritée de la littérature fantastique. Cette étude porte donc sur la relation qui se tisse entre les textes de Sarraute et Dostoïevski du point de vue de l'évolution de la figure du double. Par la mise en scène d'un sujet en crise qui intériorise l'altérité tout en la reniant sans relâche, Dostoïevski, plus encore que d'autres, semble avoir fourni à Nathalie Sarraute une riche matière de réflexion sur l'identité du personnage, de l'auteur et de l'œuvre littéraire en général. Dès lors que l'altérité perturbe l'unité de toute représentation, le lecteur est conduit à osciller constamment soit entre deux niveaux différents de la réalité, celui des apparences et des ressentis, soit entre les multiples interprétations de ces derniers. L'écriture des tropismes, ces mouvements intérieurs sous-jacents, apparaît de la sorte comme l'écriture de ce qui n'est pas seulement double, mais multiplication de doubles et division infinie. / Even if Nathalie Sarraute's work does not provide an explicit interpretation of the double as a literary device for articulating the experience of self-division, it is obvious that the poetics of the double is present in a wide part of her novels by the means of a rhetoric which brings into play the dynamics of the relationship between what can be visible and invisible, be said and not, the surface and the contents, the illusion and the allusion. In order to study the broad range of phenomena that can be associated to Sarraute's definition of the double, we have been inspired, as herself, by the readings of Dostoevsky, who starts, with The Double, a process of metamorphosis of doppelganger inherited from the fantastic literature. So, the main purpose of our research is to analyze the various relationships that exist between the texts of Sarraute and Dostoevsky from the point of view of the evolution of the double. By drawing a subject in crisis divided between his ambiguous necessity of interiorizing the otherness and denying it, Dostoevsky seems to lead Nathalie Sarraute to question the nature and identity of the characters, of the author and even of the literary work. Since the otherness disturbs the unity of any representation, the reader is lead to waver all the time either between the two different levels of the reality, that of the illusory appearances and that of the tropisms, or between the multiple interpretations of these last ones. Sarraute's writing becomes then writing not only of the double, but also of the multiplication of doubles and of the infinite division.

Cette recherche vise à montrer le passage de l’usage ordinaire des espaces publics à l’énonciation d’un récit de la ville où se réalise un engagement réel des acteurs sociaux dans le projet partagé d’une urbanité en devenir. Au-delà d’une pure préoccupation esthétique, le dialogisme urbain répond à la centralité de la ville comme lieu privilégié de l’élaboration des enjeux sociaux. En s’intéressant aux modalités d’appropriation de l’espace urbain durant des balades urbaines guidées, nous verrons en quoi elles constituent un rôle de catalyseur d’un déconditionnement pour les participants dans leur rapport à la ville. Le projet suit ainsi trois perspectives d’investigation. Il y a d’abord le passage de l’hétérogénéité pure des styles urbains – entre le bâtiment classé au patrimoine institutionnel et l’anomie du terrain vague – aux entrelacements dialogiques entre esthétiques en compétition. Nous pourrons ainsi cerner l’interaction des langages, la cohabitation de formes institutionnelles et d’expressions plus individualisées et temporaires, exprimées par une citoyenneté changeante. Ensuite, il s’agit d’observer la transformation des itinéraires fonctionnels aux déplacements selon des parcours électifs qui choisissent des passages par des éléments caractéristiques, permettant une prise affective à chaque fois renouvelée de la ville.Enfin, cette étude constitue une analyse ne se limitant pas à une taxonomie des pratiques. Elle cherche plutôt à rendre compte des gestions du sens dans l’interaction. Une forme d’interaction où l’appropriation de la ville et de ses objets n’est plus seulement intime, mais observable parce qu’explicite, socialisée et attestée par l’expérience. / This research study aims to show the transition from the ordinary use of public spaces to the enunciation of a city narrative in which the social actors are committed in the shared project of an urbanity in the making. Beyond a pure aesthetic preoccupation, the urban dialogism responds to the centrality of the city as a privileged space for the elaboration of social issues. By focusing on the appropriation of urban space during guided urban walks, we will see how they constitute a catalyst for deconditioning participants in their relationship to the city. This research project thus follows three investigation perspectives.First, there is the transition from the pure heterogeneity of urban styles – from a building classified as institutional heritage to the anomie of a vacant lot - to the dialogical interplay between aesthetics in competition. We will be able to understand the interaction of languages, the cohabitation of institutional forms and more individualized and temporary statements, expressed by an ever-changing citizenship picture.Then, it is a question of observing the transformation of the functional itineraries to the displacements according to elective courses going through characteristic elements, allowing an ever-renewed affective grip on the city.Finally, this study constitutes an analysis that is not limited to a taxonomy of practices. Rather, it seeks to account for the management of meaning in interaction - a form of interaction where the appropriation of the city and its objects is not only intimate, but observable because explicit, socialized, and attested by experience.

Ce travail examine la façon dont l’écriture styronienne met en lumière la faille temporelle de l’existence. Utilisant le mode d’analyse défini par la narratologie, il commence par étudier les variations spatio-temporelles que créent les analepses styroniennes. Puis, il montre comment ces variations permettent de dépasser l’illusion référentielle de l’histoire pour découvrir l’univers opératif du récit styronien. Enfin, il révèle la façon dont ce récit se fait à travers les drames, toujours différents, que donne le théâtre de l’expérience humaine. Se référant aux théories énoncées par la psychanalyse, et plus particulièrement par la psychanalyse lacanienne, ce travail étudie ensuite comment les romans styroniens dévoilent l’aporie temporelle dans laquelle l’homme évolue. Puis, il montre la façon dont ils dépeignent l’effet de cette aporie, l’Autre en l’homme, puis l’homme lui-même, alors qu’il préfère souvent ignorer le Nom-du-Père pour ne pas entendre la loi primordiale de l’existence. La dernière partie de cette recherche examine la manière dont les romans styroniens s’introduisent dans le domaine de l’histoire. Elle met d’abord en lumière le mouvement ternaire qu’adoptent, pour se former, le récit historique et le récit de fiction styronien, et montre que ce dernier procède d’un travail de signifiance et non de « représentance ». Puis, elle analyse comment William Styron décrit les hommes préférer la mémorisation à la re-mémorisation et produire ainsi l’oubli dans leur âme. Apparaît, en conclusion, le rôle que cet auteur propose de faire jouer à l’écriture romanesque comme remède à l’oubli historique aussi bien qu’à son œuvre destructrice. / This work examines the way Styronian writing highlights the temporal gap of existence. Using the mode of analysis defined by narratology, it begins by studying the variations of time and space that are created by Styronian analepses. Then, it shows how those variations allow the reader to go beyond the referential illusion of the story to discover the operative universe of the Styronian narrative. Finally, it reveals how the latter is constructed on the ever-changing dramas staged in the theatre of human experience. Then, referring to the theories of psychoanalysis and more particularly of Lacanian psychoanalysis, this work explores how Styronian novels disclose the temporal aporia in which man evolves. It also shows the way they describe the effect of this aporia, the Other in man, then man himself often preferring to ignore the Name-of-the-Father so as not to hear the primordial law of existence. The last part of this research examines the way Styronian novels enter the field of history. It starts by highlighting the ternary movement that both the historical narrative and the fictional narrative of William Styron adopt to construct themselves, and shows that the latter proceeds from a work of significance and not of “representance”. Then, it analyses how William Styron describes men preferring memorization to re-memorization thus creating oblivion in their souls. To conclude, it reveals the part this author offers fictional writing to play as a remedy for historical oblivion as well as for its destructive consequences.

La thèse propose d’étudier l’émergence et la circulation du syntagme printemps arabe(s) comme dénomination événementielle dans la presse écrite. Elle a pour objectif principal d’examiner le processus de dénomination et de qualification des événements historiques dans et par les médias représentés ici par la presse écrite, en retraçant le parcours d’un syntagme-clé de l’Histoire immédiate. L’étude s’inscrit dans le domaine de l’analyse linguistique des discours médiatiques. Elle fait appel à plusieurs champs théoriques croisant sciences du langage et sciences de l’information et de la communication. La démarche relève de l’analyse du discours comme domaine de recherche - sur la langue, le discours et le sens - ancré dans les sciences du langage, où le traitement automatique se présente comme un outil d’investigation. Le corpus d’étude est formé d’un ensemble de textes de la presse écrite internationale d’expression française, arabe et dans une moindre mesure anglaise. Au-delà de cette étude de cas, l’étude sert d’exemple d’analyse lexico-discursive de la nomination des événements dans la presse écrite, comme de l’émergence et de la circulation d’un syntagme dénominatif lié à un moment historique et dont l’impact dépasse les frontières du monde arabe. / The thesis proposes to study the emergence and the circulation of Arab Spring phrase as event denomination in the press. Its main objective is to examine the process of naming and qualifying historical events in the media represented here by the written press. Going back over the course of a key phrase in the immediate history is the central object of the study.The research is a case of media discourse analysis. It uses several theoretical fields crossing language sciences and communication sciences. The approach is based on the analysis of discourse as a field of research - on language, discourse and meaning - rooted in the language sciences, where automatic processing presents a tool for study. The corpus of study is composed of the texts of the international written press.Beyond this specific case, the study serves as an example of lexical and discursive analysis of naming events in the written press, as well as the emergence and circulation of a denominational phrase associated with a historical moment.

Ce travail est une étude linguistique et énonciative qui s’intéresse aux jeux de diffractions énonciatives dans les œuvres de Georges Perec. Il s’agit d’une part de repérer les échos énonciatifs et dialogiques que tissent les œuvres entre elles et, d’autre part, de comprendre pourquoi l’écriture chez Georges Perec ne peut se lire que dans une déviation du langage qui fait de la réticence un principe fédérateur / This work is a linguistic and enunciative study focusing on the games of enunciatives diffraction in the works of Georges Perec. On the one hand, it is a question of identifying the enunciative and dialogical echoes that the works create and on the other hand, of understanding why the writing of Georges Perec can only be read in a deviation of language which makes reluctance a unfying principle