Detta examensprojekt i inredningsarkitektur och möbeldesign på Konstfack, utforskar och utvecklar metoder för hur inredningsarkitektur kan gestaltas utifrån musik. Genom ett praktikbaserat undersökande analyseras subjektiva upplevelser av musik, vilka beståndsdelar som finns och hur musiken är uppbyggd. Ett undersökande som skapar ramar för inredningsarkitekten att förhålla sig till i en gestaltningsprocess. Inte som en begränsning, utan som ett gränssnitt som välkomnar alternativa arbetssätt och undersöker nya gestaltningsmöjligheter. Utifrån ett utvalt musikstycke gestaltas en interiör översättning av musiken och upplevelser den genererar. Projektet itererar mellan musikteori, studier av subjektiva upplevelser och färg-, ljus- och materialutforskning. Resultatet blir ett förslag på metoder för att analysera och studera rumslighet i direkt relation till musik, men också ett konkret gestaltningsförslag utifrån denna metodutveckling. Ett exempel på en översättning av ett medium till ett annat, som i sig blir ett fristående verk. Rytm, mörker och ljus formar tillsammans en temporal upplevelse. Ett musikstycke blir till interiör i långt, smalt rum, där ljuset hamnar i fokus mellan två skikt av väggar, med inslag av överraskningar som visar sig i ljusfärg, ytfärg eller material. / This degree project in interior architecture and furniture design at Konstfack, explores and develops methods for how interior architecture can be designed based on music. Through practice-based studies, the project analyzes subjective experiences of music, which components that exist and how the music is structured. Studies that creates frames for the interior designer to relate to in a design process. Not as limitations, but as an interface that welcomes alternative ways of working and investigates new design possibilities. Based on a selected piece of music, a translation into interior is created of the music and experiences it generates. The project iterates between music theory, studies of subjective experiences and color, light and material exploration. The result is a proposal for methods created for analyzing and studying spatiality in relation to music, but also a design proposal based on this method development. An example of a translation of one medium into another, which in itself becomes an independent work. Rhythm, darkness and light form a temporal experience together. A piece of music becomes an interior in a long, narrow room, where the light comes into focus between two layers of walls, with elements of surprises represented in colored light, surface color or material.

Syftet med denna studie är att undersöka hur musikteorilärare förhåller sig till lektionsinnehåll, elevinflytande och återkoppling i en skolform utan läroplan. Studien utgår från ett sociokulturellt perspektiv med fokus på kunskap och kunskapstradering mellan människor. Datainsamlingen är gjorde genom semistrukturerade intervjuer som sedan bearbetats genom tematisk analys. I arbetets resultatdel presenteras lärarnas tankar kring ämnet musikteori samt hur de jobbar med lektionsinnehåll och elevinflytande. Det framkommer att samtliga lärare jobbar mycket med praktiska övningar till vilka också är kopplade till elevernas aktuella repertoar. Vidare framkommer också att alla tre lärare använder sig av skapandeuppgifter för att omsätta teori i praktiken. I diskussionen lyfts ett slags rundgång där det förs en argumentation huruvida lärarna bär med sig värderingar och idéer från sin egen studiegång vid kulturskolan till musikhögskolan, för att sedan återföra dessa till kulturskolan igen som examinerade lärare. I diskussionen framgår också att musikteori (som skolämne) står i förändring och där både elevinflytande ökar och där innehållet alltmer går från ett genremässigt, klassiskt innehåll till ett elevrelaterat innehåll där eleverna får jobba med den musik de själva spelar, eller är intresserade av. / The purpose of this study is to investigate how music theory teachers relate to lesson content, student influence and feedback in a non-curriculum school format. The study is based on a sociocultural perspective with a focus on knowledge trading between people. The data collection is done through semi-structured interviews which are then processed through thematic analysis. In the results section of the work, the teachers' thoughts on the subject of music theory and how they work with lesson content and student influence are presented. It appears that all teachers work a lot with practical exercises which are also linked to the students' current repertoire. Furthermore, it appears that all three teachers use creative tasks to put theory into practice. In the discussion, an argument is made as to whether the teachers carry values and ideas from their own course of study at the Swedish kulturskola to the music college, in order to then bring these back to the kulturskola again as qualified teachers. The discussion also shows that music theory (as a school subject) is changing in that there is not only an increase in student influence, but also the content is increasingly moving from a genre-wise, classical content to a student-related content where the students have to work with the music they themselves play, or are interested in.

With the purpose of enriching my walking bass lines I have studied the work of Israel Crosby, who is most famously associated with the Ahmad Jamal Trio. His walking bass line- construction hints to his background as a musician from the swing-era, with a foundation in tuba-playing. The 2017 paper “Israel Crosby (1919-1962): An Analysis of His Bass Line Construct” by Gibral Anees Kahn worked as an aid in my attempt to dissect the idiosyncrasies of Crosby in addition to my transcription work, which was focused on memorizing and internalizing, rather than reading the transcriptions as sheet music. By studying three recordings I made several conclusions about Crosby’s habits and methods which I could implement in my own playing. By habitually playing the transcriptions and listening extensively to the music of Ahmad Jamal over the course of 6 months, I engrained parts of Crosby’s playing which was demonstrated in the devoted recital concert, that featured a diverse repertoire. The project resulted in me developing my playing in both conscious and unconscious ways. / <p>Repertoar:</p><p>This Can't Be Love - Richard Rodgers</p><p>Out of the Past - Benny Golson</p><p>Prelude to a Kiss - Duke Ellington</p><p>Bitty Ditty - Thad Jones</p><p>I Get a Kick Out of You - Cole Porter</p><p>Third Movement - Jeb Patton</p><p></p><p>Medverkande:</p><p>Jacob Sandberg - Bas</p><p>Elias Larrsson - Piano</p><p>Albin Eklund - Trummor</p>

This study is based in my own passion for music theory combined with my experience in practicing of and engaging with hip-hop music and culture. Seeing as the music theory curriculum in Sweden is heavily based on traditional western music this study asks the question: “how does traditional western music theory show itself in hip-hop music?”. The study is due to its smaller scope focused on three musical parameters, these being: rhythm, chords, and form. The study consists of a newly created curriculum based on a number of different hip-hop songs and how they could be used in music theory education followed by a qualitative deductive analysis of said curriculum. Analyzing the music examples through the lens of music didactics showed that the use of hip-hop music in music theory education could serve as bridging a cultural gap between teacher and students; lead to interesting discussions about musical form, as well as engaging students who might not have a previous connection to the culturally traditional music. / Studien grundar sig i min egen passion för musikteori kombinerat med min erfarenhet av att utöva och engagera mig i hiphop både som musikgenre och subkultur. Musikteoriundervisningen i Sverige baseras på traditionell västerländsk musikteori och studien ställer därför frågan: "hur tar sig traditionell västerländsk musikteori uttryck i hiphopmusik?". I och med studiens mindre omfång undersöks endast tre musikaliska parametrar, dessa är: rytm, ackord och form. Studien består av ett nyskapat undervisningsmaterial baserat på ett fåtal låtexempel ur musikgenren hiphop och hur de kan användas i musikteoriundervisning, följt av en kvalitativ, deduktiv analys av tidigare nämnda undervisningsmaterial. Genom att analysera låtexemplen utifrån musikdidaktik som teoretiskt perspektiv visade studien att användningen av hiphopmusik i musikteoriundervisning kan leda till: att minska ett kulturellt gap mellan lärare och elev; intressanta diskussioner kring musikalisk form; samt engagera elever som kanske inte har en tidigare koppling till den kulturellt traditionella musiken.

How much do musicians use their music theory knowledge when they perform? This project aims to connect theory and practice by exploring how analysis affects the interpretation of two songs in performance. Are some aspects of music analysis more useful than others when it comes to interpretation and performing? The theoretical method used in the analytical process is foremost inspired by the book The Complete Musician (Laitz 2012). In the research I recorded two songs that set the same poem Flickan kom ifrån sin älsklings möte, both before and after doing a deeper analysis of the songs. Afterward I compared the recordings to examine how the music analysis affect the performance. The interpretation is formed sometime during the process, but when? Do we decide how to interpret the music in the analytical process already, or does it happen while performing?

Digital learning tools, including digital learning tools for piano, are not new; however, they are still often limited by their inability to provide personalized feedback, detailed performance metrics from real piano play, and effective means for teachers to monitor multiple students simultaneously. To overcome these challenges, this study introduces a platform that uses MIDI technology to provide detailed feedback and performance analysis derived from actual piano play to make piano learning more tangible. Additionally, a student-teacher interface was designed that facilitates interaction between both parties and allows teachers to monitor the progress of multiple students through various performance metrics. The results demonstrate that the platform gave accurate feedback based on assessment from teacher, by providing both students and teachers with deeper insights into performance on note accuracy, tempo and dynamics, enabling more efficient and targeted teaching strategies, and high student engagement. / Digitala inlärningsverktyg, inklusive digitala inlärningsverktyg för piano, är inte nya, men de har fortfarande begränsningar som ofta beror på att de inte kan ge personlig feedback, detaljerade prestationsmått från verkligt pianospel och effektiva sätt för lärare att övervaka flera elever samtidigt. För att övervinna dessa utmaningar introducerar denna studie en plattform som använder MIDI-teknik för att ge detaljerad feedback och prestationsanalys som härrör från verkligt pianospel för att göra pianoinlärning mer påtaglig. Dessutom utformades ett elev-lärargränssnitt som underlättar interaktion mellan båda parter och gör det möjligt för lärare att övervaka flera elevers framsteg genom olika prestationsmått. Resultaten visar att plattformen gav korrekt återkoppling baserat på lärarens bedömning, genom att ge både elever och lärare djupare insikter i prestationen, vilket möjliggör effektivare undervisningsstrategier och ökat elevengagemang.

This thesis deals with the development of methods for composition in Just Intonation (JI). The author (Gustav Spoormaker) has composed a three movement String Trio in Just Intonation largely based on the theoretical ideas of Harry Partch, Marc Sabat and Kristofer Svensson which incorporates influences from contemporary microtonal music, early western classical music, jazz, and various types of world and folk music. Established core concepts of Just Intonation are explained for the author to then present their own theoretical and aesthetic ideas based on their artistic work. These ideas mostly center around practical aspects of JI composition, through presenting tangible approaches to modality, harmony, and counterpoint with the goal of ensuring an artistic result that enables both performability (tuneability) and stylistic flexibility. Concrete examples from the author’s artistic work are brought up to illustrate these ideas. The artistic results of these methods are discussed as well as their practical implications for performance.